| Barokk a festészetben | |
|---|---|
| Az alapítás / létrehozás / előfordulás dátuma | 16. század |
| jelentős személy | Giambattista Pittoni |
| Tevékenységi köre | festmény |
| Hatással volt rá | abszolút monarchia , ellenreformáció és Molanus [d] |
| lejárati dátum | 17. század |
| Médiafájlok a Wikimedia Commons oldalon | |
A barokk festészet vagy barokk festészet a 17-18. századi korszak különböző országaiból származó műalkotások feltételes általánosító elnevezése . A barokk ( olasz barocco , szó szerint - „artsy” [1] ) a korszak európai kultúrájának egyik jellemzője , amelynek központja Olaszország volt . A barokk az egyik legkétértelműbb kifejezés a művészeti kultúra történetében és elméletében. Ennek a definíciónak a konvenciója elsősorban abban rejlik, hogy a "barokk" szó számos jelenséget jelöl: művészeti irányt (ötletek, filozófiai koncepciók, esztétikai normák és szabályok összeállítása), szemben a klasszicizmussal , történelmi művészeti stílust , számos történelmi és regionális művészeti stílusok, irányzatok és iskolák , az egyes mesterek egyéni stílusai és munkamódszerei. A különböző országokban ennek a korszaknak más a kronológiája, periodizálása és terminológiai meghatározása. Ugyanezt az általánosító kifejezést nevezik "más stílusok fejlődésének utolsó, kritikus szakaszainak, a nyugtalan, romantikus világkép hajlamának, az expresszív, kiegyensúlyozatlan formákban való gondolkodásnak". Ezért a „barokk” szót metaforaként használják a merész történelmi és kulturális általánosításokban: „a barokk korszaka, a barokk világa, a barokk embere, a barokk élete ( ital. la vita barocca ) ” [2] .
A barokk művészi stílusát a dinamika, a feszültség, a forma- és színkontraszt, a hatás, a kifejezőkészség, a felfokozott érzékiség, a megalkotott képek nagyszerűségének, a valóság és az illúzió ötvözésének, a különböző nemzetségek összeolvadásának vágya jellemzi. , műfajok és műfajok grandiózus műemlékekben, város- és palota- és parkegyüttesekben. Ezért a barokk stílus leginkább az építészetben és a szobrászatban nyilvánult meg . Így például az olasz barokk zsenije, G. L. Bernini festőként leginkább az építészetben és a szobrászatban mutatkozott meg. A 16-17. század fordulójának egyik legkiemelkedőbb festőjének, Caravaggionak a művészete , valamint követőinek, "Caravaggiosnak" munkássága csak a barokk esztétikájával van összefüggésben, nem teljesen számolva a barokkos ill. külön irányzatra és művészeti iskolára különülnek el. Peter Paul Rubenst egy külön mozgalom képviselőjének is tekintik, amelyet hagyományosan "flamand barokk"-ként emlegetnek. A protestáns Holland festészetében a királyi hatalom abszolutizmusához és az ellenreformáció vallási mozgalmához ideológiailag kapcsolódó barokk stílus egyáltalán nem alakult ki, ezért a „ kis hollandok ” és a delfti Jan Vermeer festményei. nem a barokk stílusnak tulajdonítható. A briliáns Rembrandt művészetében a szakértők csak a barokk esztétika külső hatásait látják [3] .
A 17. századi francia művészet egészében a barokk nem fejlődött ki, a klasszicizmus és a barokk akkori elemeinek sajátos fúziója külön elnevezést kapott: „nagy stílus”, vagy XIV. Lajos stílusa . Németországban, Csehországban és Ausztriában elterjedt egy külön „barokk-rocaille stílus”, amely szintén inkább az építészethez, a palota- és templombelsők kialakításához kapcsolódott. Ezért a korabeli festők munkásságát leginkább a monumentális és dekoratív festmények képviselik, mint például J. B. Tiepolo művészete Olaszországban, Dél-Németországban és Spanyolországban [4] .
A barokk művészet a festészetben az érzelmeket és a szenvedélyt hivatott kifejezni, nem pedig a magas reneszánsz idején nagyra értékelt álmodozó szemlélődést . A reneszánsz festmények nyugodt arcával ellentétben a barokk képek a hangsúlyos egyéniség és expresszivitás jegyeit hordozták. Az érzelmek jobb kifejezésére a festők megfelelő kompozíciós technikákat alkalmaztak: szögletes perspektívát , aszimmetriát, átlós mozgásokat, fény-árnyék kontrasztokat , amelyek az instabilitás és a formák és a tér mozgékonyságának érzetét keltették. A kompozíció általános dinamikáját fokozták az erőszakos mozgások, drapériák ábrázolásával, mintha láthatatlan szél fújná őket. A barokk festészet másik fontos jellemzője az allegória volt . Feltételezték, hogy a művelt nézőnek ismernie és olvasnia kell az allegorikus cselekményeket, és értenie kell a képi metaforákat.
A barokk festészet jellegzetes vonásait a korabeli irodalmi írások írták le: Marco Boschini , Pietro da Cortona , J. L. Bernini , Roger de Pil . Boschini A velencei festészet gazdag kincsei című könyvében (Le ricche miniere della pittura veneziana, 1674) nem fogalmazták meg a barokk alapelveit, de az összehasonlítások természete és a leírás formája a szerző preferenciáiról tanúskodik, amelyet nem Raphael , hanem Tizian , Veronese , Velasquez és Rembrandt művei [5] . Boschini hangsúlyozta a barokk szín domináns szerepét , valamint a festőiség és a forma "tapintható értékének" különbségeit. Boschini kommentárja a foltfestés kifejező lehetőségeiről ( ital. pittura di macchia ) és az ecsetvonások összeolvadásának optikai illúziójáról a barokkhoz közel álló világnézeti típust tárt fel [6] .
Pietro da Cortona a barokk kor festményeit nem a klasszicista festményekre jellemző tragédiával, hanem egy epikus költeményével és a benne rejlő narratíva szélességével, sokféle cselekményével, színességével és szabad kompozíciójával hasonlítja össze. Az Andrea Sacchival folytatott tudományos vitákban Pietro da Cortona követői megvédték a barokk kép előnyeit, amely nem követelte meg a nézőtől, hogy gondosan elemezzen minden egyes alakot, és figyelmesen „elolvassa” a cselekményt, hogy felfedje a jelentés minden árnyalatát, hanem „csodálatot és ámulatot ébreszteni képes sugárzó, harmonikus és eleven összhatást vetett a néző elé ” [7] [8] .
Michelangelo Merisi , akit Milánó melletti szülőhelyéről Caravaggionak becéztek, a 16. század végén a festészetben új stílust teremtő olasz művészek legjelentősebb mesterének tartják [9] . Vallási témákra festett festményei a szerző kortárs életének valósághű jeleneteire emlékeztetnek, kontrasztot teremtve a késő ókor és a modern idők között. A hősöket félhomályban ábrázolják, amelyből a fénysugarak kiragadják a szereplők kifejező gesztusait, kontrasztosan írva ki sajátosságukat. Caravaggio követői és utánzói, akiket eleinte karavaggistáknak neveztek, és maga a mozgalom is karavaggizmusnak [10] , átvették az érzelmek lázadását és Caravaggio jellegzetes modorát, valamint naturalizmusát az emberek és események ábrázolásában. A caravaggizmussal szemben álló bolognai akadémizmust Annibale Carracci és Guido Reni képviselte .
Az olasz barokk festészetben különböző műfajok alakultak ki, de többnyire allegóriák, mitológiai műfajok voltak. Pietro da Cortona , Andrea del Pozzo , Giovanni Battista Tiepolo , a Carracci fivérek ( Agostino és Lodovico ) sikerrel jártak ebben az irányban . Híressé vált a velencei iskola, ahol nagy népszerűségre tett szert a veduta , vagyis városi táj műfaja. Az ilyen művek leghíresebb szerzője D. A. Canaletto . Nem kevésbé híres Francesco Guardi és Bernardo Bellotto . Canaletto és Guardi Velencét festették, míg Bellotto (Canaletto tanítványa) Németországban dolgozott. Számos kilátás nyílik Drezdára és más helyekre.
Salvator Rosa (nápolyi iskola) és Alessandro Magnasco fantasztikus tájakat festett. Ez utóbbi az építészeti nézetek közé tartozik, és nagyon közel áll hozzá Hubert Robert francia művész , aki akkoriban dolgozott, amikor fellángolt az érdeklődés az ókor, a római romok iránt . Munkáikban romok, boltívek , oszlopsorok, ókori templomok jelennek meg, de kissé fantasztikus formában, túlzásokkal. A hősi vásznat Domenichino festette , a festői példázatokat pedig Domenico Fetti .
A 17. századi francia művészet egészében a barokk nem fejlődött ki, a klasszicizmus és a barokk elemeinek sajátos fúzióját nevezték el: „nagy stílus”, vagy XIV. Lajos stílusa . Külön barokk jegyek rejlenek az első művész, Charles Le Brun király és Iasent Rigaud festő ünnepi portréiban . Rigaud leghíresebb alkotása XIV. Lajos portréja . A formális portré műfajában dolgozó Simon Vue akadémikus művész munkásságát is a "barokk klasszicizmus" kifejezés jellemzi. Nicolas Poussin munkásságában sok kortársával ellentétben sajátos elégikus klasszicizmus alakult ki , nem pedig viharos olasz barokk, pedig a kiváló festő élete nagy részét Itáliában töltötte.
Merevebb, szigorúbb megtestesülést kapott a spanyol barokk stílus, olyan mesterek munkáiban, mint Velasquez , Ribera és Zurbaran . Ragaszkodtak a realizmus elveihez . Spanyolország ekkorra a művészetben „ aranykorát ” élte, miközben gazdasági és politikai hanyatlásban volt.
Spanyolország művészetét dekorativitás, szeszélyesség, formakifinomultság, az ideális és a valóság, a testi és az aszkéta kettőssége, a halmozódás és a fösvénység, a magasztos és a nevetséges kettőssége jellemzi. A képviselők a következők:
Domenico Theotokopuli ( El Greco ) - a XVI-XVII. század fordulójának művésze. Mélyen vallásos volt, ezért művészete a vallási cselekmények és ünnepségek számos változatát mutatja be: „A Szent Család”, „Péter és Pál apostolok”, „A Szentlélek alászállása”, „Krisztus az Olajfák hegyén”. El Greco kiváló portréfestő volt. Az ábrázoltakat mindig valószerűtlennek, fantasztikusnak, képzeletnek értelmezte. Innen ered a figurák deformációja (gótikus elemek), az extrém színek kontrasztja a sötét színek túlsúlyával, a chiaroscuro játéka, a mozgásérzék...
De nem az ő festményei díszítették a buja spanyol udvart. A II. Fülöp udvarában dolgozó művészek között voltak
Úgy tűnt, a spanyol festészet soha nem fog kikerülni a templomok „falai közül”. De ezt Diego Velazquez (1599-1660) tette - a pszichológiai portré csodálatos mestere, a karakterek festője. Festményeit a kompozíciók sokfigurás összetettsége, több képkocka, extrém részletgazdagsága és a színek kiváló elsajátítása jellemzi. Velasquez a festészet nagy polifonista. "Reggeli", "Olivares portréja", "Jester", " Breda megadása " ("Dárdák"), "Fonók".
A spanyol festészet "aranykorát" lezáró művész Bartolome Esteban Murillo volt . Részben folytatta a Velazquez által felvázolt háztartási vonalat. "Lány gyümölccsel", "Fiú kutyával". De a kreativitás érett éveiben egyre inkább kizárólag bibliai témák felé fordult: „A Szent Család”, „Repülés Egyiptomba”. Ezekben a művekben zseniális színművészként, a kompozíció mestereként lép fel. De milyen messzire ment ez a festmény a legjobb spanyol festmények mélyen emberi szenvedélyeitől.
A flamand barokk virágkora a 17. század első felére esik, és Rubens , Van Dyck , Jordaens , Snyders munkái képviselik . Peter Paul Rubens lett a törvényhozó az új stílusban. A korai időszakban a barokk stílust Rubens Caravaggio festményének prizmáján keresztül érzékelte - " Kereszt felmagasztalása ", "Keresztről leszállás", " Leukipposz lányainak elrablása ". A művész munkásságának kiforrott szakaszába való átmenet nagy megrendelést jelentett egy „Marie Medici élete” című festményciklusra. A festmények teátrálisak, allegorikusak, az írásmód kifejező. Rubens a barokk hihetetlen életigenlő erejét mutatja be, portréi, különösen női portréi, feltárják előtte ezt a kimeríthetetlen örömforrást. A kreativitás utolsó időszakában Rubens folytatja a bacchanalia témát - "Bacchus" - az élet őszintén testi felfogását.
Hollandiában több festőiskola alakult ki, amelyek a jelentős mestereket és követőiket egyesítették: Franz Hals Haarlemben , Rembrandt Amszterdamban , J. Vermeer Delftben , akik szembehelyezkedtek Hollandia déli tartományainak barokk művészetének kifejezőkészségével. A barokk esztétika hiányában nem a ceremoniális portrék és a palotaallegória műfajai kerültek előtérbe, hanem a táj, a hétköznapi jelenetek képei és a hangulatos holland élet enteriőrjei [11] [12] .
A barokk művészek a forma állandóan változó életdinamikájában új térértelmezési módszereket nyitottak meg a művészet előtt, és aktivizálták élethelyzetüket. Az élet egysége a lét érzéki-testi örömében, a tragikus konfliktusokban a szépség alapja a barokk művészetben.