Barokk zene

A barokk zene a 16. század végének – a 18. század első felének klasszikus zenei  fejlődésének korszaka [1] .

Eredet

A barokk zene a reneszánsz végén jelent meg és megelőzte a klasszicizmus zenéjét . A "barokk" szó állítólag a portugál "perola barroca" szóból származik - egy szabálytalan alakú gyöngy; vagy lat.  A baroco a hagyományos logika szillogizmusának  egyik típusának mnemonikus megjelölése [2] (figyelemre méltó, hogy a hasonló latin "Barlocco" vagy "Brillocco" szavakat is hasonló jelentésben használták - egy szokatlan alakú gyöngy, amely nem rendelkezik szimmetriatengely [3] ). Valójában ennek az időszaknak a vizuális művészetét és építészetét nagyon kidolgozott formák, összetettség, pompa és dinamika jellemezték. Később ugyanezt a szót alkalmazták az akkori zenére is.

A barokk kor írás- és előadástechnikája a klasszikus zenei kánon szerves és jelentős részévé vált. Az akkori alkotásokat széles körben előadják és tanulmányozzák. A barokk korszak olyan műveket hozott létre, mint Johann Sebastian Bach fúgái , az Alleluia kórus Georg Friedrich Händel Messiás oratóriumából , Antonio Vivaldi Négy évszaka , Claudio Monteverdi vesperása . Nagyon kifinomult lett a zenei dísz, sokat változott a kottaírás , fejlődtek a hangszerjátékok. Kitágultak a műfaji határok, nőtt a zeneművek előadásának összetettsége, megjelent egy olyan kompozíciótípus, mint az opera . A barokk korból származó zenei kifejezések és fogalmak nagy része ma is használatos.

Stílusok és trendek

Hagyományosan barokk zenének nevezik azt a sok zeneszerzői stílust, amely 150 évig (1600-1750; 1750 - J. S. Bach halálának éve) létezett egy hatalmas, földrajzi értelemben vett nyugat-európai régióban. A zenével kapcsolatban a „barokk” szó először az 1730-as években jelenik meg. a Jean-Philippe Rameau operái körüli ironikus vitában (különösen Jean-Baptiste Rousseau egy 1739-es versében beszél "barokk akkordokról" a "Dardanusban"). 1746-ban N. A. Plyush , a "Natural Spectacle" című alapvető értekezésének következő kötetében elsőként javasolta a barokk zene mint kifejezés értelmezését, szembeállítva azt az "éneklő zenével", mint ami "meg akar lepni a hangok merészségével " ( fr.  veut surprendre par la hardiesse des sons ) [4] . Később ez a kifejezés megjelenik a Zenei szótárban (1768), J.-J. Rousseau . A „barokk” szó mindezen esetekben „furcsa”, „szokatlan”, „bizarr” zenét jelent. G. Koch "Zenei szótárában" (1802) a barock szóhoz olyan zenei tulajdonságok társulnak, mint a "zavartság", "pompózusság", "barbár gótika". Jóval később B. Croce Az olasz barokk története című művében (1929) úgy érvel, hogy „a történész nem értékelheti a barokkot pozitívumként; ez pusztán negatív jelenség… ez a rossz ízlés kifejezése” [5] .

„Tehát a „barokk” szó sorsa megfelel a benne rejlő extravagancia árnyalatának. Eleinte egyáltalán nem jelölte ki a kor stílusát (főleg, hogy a 18. századi francia művészetben a klasszikus irányzatok domináltak, amelyek egész Európa számára példaértékűek voltak - költészet, festészet, színház), hanem csak értékelő kategória volt. - az "érthetetlen" művészet negatív beceneve (hasonló szituáció - és nem véletlenül! - a XX. században "modernizmus" szóval jelenik meg." [6]

Csak Kurt Sachs 1919 - ben [3] alkalmazta szisztematikusan a zenére a Heinrich Wölfflin által kidolgozott barokk elméletet , majd 1940- ben Manfred Bukofzer cikkében kísérletet tettek a zenei barokk fogalmának továbbfejlesztésére anélkül, hogy más művészeti ágakkal közvetlenül összehasonlították volna. És egészen az 1960 -as évekig nem csillapodott el a vita tudományos körökben, vajon jogos-e egyetlen kifejezést alkalmazni olyan különböző zeneszerzők műveire, mint Jacopo Peri , Antonio Vivaldi , C. Monteverdi , J.-B. Lully , Domenico Scarlatti és J. S. Bach ; de a szó megragadt, és ma már általánosan használják a zene széles skálájára. Tehát Konstantin Rozenshild szovjet zenetudós kategorikusan kifogásolta J. S. Bach vagy G. F. Händel műveinek barokk zenének való minősítését. Manfred Bukofzer amerikai kutató egészen jogosnak tartotta ezt a kifejezést e szerzők zenéjére alkalmazni. A barokk kor zenéjét azonban meg kell különböztetni a megelőző reneszánsztól és az azt követő klasszicizmustól . Emellett egyes zenetudósok úgy vélik, hogy a barokkot magára a barokk korszakra és a manierista időszakra kell felosztani , hogy összhangban legyen a vizuális művészetekben alkalmazott felosztással.

A barokk és a reneszánsz különbségei

A barokk zene a reneszánsztól vette át a polifónia és az ellenpont használatának gyakorlatát . Ezeket a technikákat azonban másként alkalmazták. A reneszánsz idején a harmónia arra épült, hogy a többszólamú lágy és nyugodt tételében a konszonanciák másodlagosnak , véletlenül jelentek meg . A barokk zenében azonban fontossá vált a konszonanciák megjelenési sorrendje: a funkcionális tonalitás hierarchikus sémája szerint felépített akkordok segítségével nyilvánult meg . 1600 körül a tonalitás meghatározása nagyrészt pontatlan, szubjektív volt. Például egyesek némi hangfejlődést tapasztaltak a madrigálok kadenciáiban , míg valójában a korai monodiákban a tonalitás még nagyon határozatlan volt. Az egyenlő temperamentumrendszer elméletének gyenge fejlődése érintett . Sherman szerint először csak 1533-ban az olasz Giovanni Maria Lanfranco javasolta és bevezette az orgona-klavírozás gyakorlatába az egyenlő temperamentum rendszerét [7] . A rendszer pedig jóval később terjedt el. És csak 1722 -ben jelenik meg J. S. Bach Jó temperált klavierje (I. kötet). A másik különbség a barokk és a reneszánsz zenei harmóniája között az volt, hogy a korai időszakban a tónuseltolódás gyakrabban fordult elő tercekben , míg a barokk időszakban a kvartokban vagy kvintekben való moduláció dominált (a funkcionális tonalitás fogalmának megjelenését érintette). Emellett a barokk zene hosszabb dallamsorokat és szigorúbb ritmust használt. A fő téma vagy önmagában, vagy basso continuo kísérettel bővülne . Aztán más hangon jelent meg. Később a főtémát a basso continuón keresztül kezdték kifejezni, nem csak a fő hangok segítségével. A dallam és a kíséret hierarchiája összemosódott.

Stílusbeli különbségek határozták meg az átmenetet a reneszánsz ricercarokról , fantáziákról és kanzonákról a fúgára , a barokk zene egyik fő formájára. Monteverdi ezt az új, szabad stílust seconda pratica-nak (második formának) nevezte, ellentétben a prima pratica -val (első forma), amely a reneszánsz mesterek, például Giovanni Pierluigi da Palestrina motettáit és más kórus- és együttes zenei formáit jellemezte . Maga Monteverdi mindkét stílust használta; " In illo tempore " című miséje a régi stílusban, a Boldogságos Szűz vesperája pedig új stílusban íródott.

Más, mélyebb különbségek is voltak a barokk és a reneszánsz stílusában. A barokk zene magasabb szintű érzelmi kiteljesedésre törekedett, mint a reneszánsz zene. A barokk írások gyakran írtak le valamilyen konkrét érzelmet (örömöröm, szomorúság, jámborság stb.; lásd az affektusok elméletét ). A barokk zenét gyakran virtuóz énekesek és zenészek számára írták, és általában sokkal nehezebb volt előadni, mint a reneszánsz zenét, annak ellenére, hogy a hangszerelemek részletes rögzítése a barokk korszak egyik legfontosabb újítása volt. A zenész által gyakran rögtönzött zenei díszítések használata szinte kötelezővé vált . Az olyan kifejező eszközök, mint a notes inégales , egyetemessé váltak; a legtöbb zenész előadja, gyakran nagy alkalmazási szabadsággal.

Egy másik fontos változás volt, hogy a hangszeres zene iránti szenvedély felülmúlta az énekes zene iránti szenvedélyt. Az énekes darabokat, mint például a madrigálokat és az áriákat , valójában gyakrabban nem énekelték, hanem hangszeresen adták elő. Erről tanúskodnak a kortársak tanúságai, valamint a hangszeres darabok kéziratainak száma, amelyek száma meghaladta a világi vokális zenét reprezentáló művek számát [9] . A 16. századi énekpolifóniától eltérő, tiszta hangszeres stílus fokozatos megjelenése volt az egyik legfontosabb lépés a reneszánszból a barokkba való átmenetben. A 16. század végéig a hangszeres zene alig különbözött az énekes zenétől, és főként táncdallamokból, ismert népszerű dalok és madrigál-feldolgozásokból (főleg billentyűkre és lantokra ), valamint többszólamú, motettának minősíthető darabokból állt. , canzones , madrigálok költői szöveg nélkül.

Bár régóta ismertek különféle variációs feldolgozások, tokkáták , fantáziák és prelúdiumok lant- és billentyűs hangszerekre, az együttes zene még nem nyert önálló létet. A világi énekkompozíciók gyors fejlődése Olaszországban és más európai országokban azonban új lendületet adott a hangszeres kamarazene megalkotásának.

Például Angliában széles körben elterjedt a brácsajáték  , a különféle hangterjedelemű és méretű húros hangszerek . A hegedűsök gyakran csatlakoztak az énekcsoporthoz, és pótolták a hiányzó hangokat. Ez a gyakorlat általánossá vált, és sok kiadás a „Fit for Voices vagy Violas” címkét kapta.

Hangszeres darabként számos énekáriát és madrigált adtak elő. Így például Orlando Gibbons Ezüst hattyú - madrigálját gyűjtemények tucatjaiban jelölik meg és mutatják be instrumentális darabként [9] .

A barokk és a klasszicizmus különbségei

A barokkot követő klasszicizmus korszakában [10] csökkent az ellenpont szerepe (bár az ellenpontozás művészetének fejlődése nem állt meg), és előtérbe került a zeneművek homofon textúrája [11] . Kevesebb az ornamentika a zenében . A művek szerkezete letisztultabb, univerzálisabb lett, különösen a szonátaformában írottaknál . A modulációk (kulcsváltás) strukturáló elemmé váltak, hangsúlyozva a mű drámai tartalmát. A klasszicizmus korának kompozícióiban gyakran sok érzelem tárult fel egy-egy műrészen belül, míg a barokk zenében az egyik rész egy, jól nyomon követhető érzést hordozott magában. És végül a klasszikus művekben általában egy érzelmi csúcspontot értek el, ami a mű végére megoldódott. A barokk művekben a csúcspont elérése után az utolsó hangig enyhén érezhető volt a fő érzelem. A barokk formák sokasága adta a kiindulópontot a szonátaforma fejlődéséhez , számos variációt kidolgozva az alapkadenciákra .

A barokk zene egyéb jellemzői

• basso continuo  - folyamatos basszus, általános basszus, digitális basszus - egyszerűsített módja a harmóniák rögzítésének basszushanggal és az alatta lévő számokkal, jelezve a felső hangok konszonanciáit, valamint magát a basszushangot a harmónia rögzítésének ebben a módszerében használt számokkal [12] ;
• monody  - a szólóéneklés stílusa homofon kísérettel (hangszeres kíséret), amely Olaszországban alakult ki a 16. században. és számos új formát és műfajt keltett életre ( ária , recitatív , opera , kantáta stb.) [13] ;
• homofónia  - a többszólamúság egy fajtája, amelyet a hangok fő és kísérő felosztása jellemez. Ez a „homofónia” különbözik a többszólamúságtól ;
• bel canto ;
• drámai kifejezés;
• hocket ;
• zeneművek színpadi formái ( opera , zenés dráma );
• kombinált ének-hangszeres formák, például oratórium és kantáta ;
• új technikák a hangszereken való játékhoz, mint például a tremolo és a pizzicato ;
• tiszta és lineáris dallam ;
• notes inégales ("egyenetlen játék", "újrapontozás") - olyan játéktechnika, amelyben az azonos időtartamban írt hangjegyek ritmikailag egyenetlenül játszódnak;
• ária ;
• ritornello  - rövid hangszeres szakaszok, amelyek bevezető, közjáték vagy kóda funkcióit látják el;
• concertato  - olyan stílus, amely a zenekari csoportok, kórusok stb. "versenyét" jelenti.
• a zene pontos lejegyzése (a reneszánsz idején a hangszerek hangjegyeinek részletes lejegyzése nagyon ritka volt);
• hangszeres részek idiomatikus rögzítése: az adott hangszerek jellemzőinek legjobb kihasználása ;
• zenei komplikáció, virtuóz előadásra tervezett művek komponálása;
• díszítés ;
• a modern nyugati zenei módok ( dúr és moll ) fejlődése.

A barokk műfajai

A barokk zeneszerzők különféle zenei műfajokban dolgoztak. Az opera , amely a késő reneszánsz idején jelent meg, az egyik fő barokk zenei formává vált. Felidézhetjük a műfaj olyan mestereinek munkáit, mint Alessandro Scarlatti (1660-1725), Händel , Claudio Monteverdi és mások. Az oratórium műfaja J. S. Bach és Händel műveiben érte el csúcspontját ; operák és oratóriumok gyakran használtak hasonló zenei formákat (például a széles körben használt aria da capo ).

Az olyan szakrális zenei formák, mint a mise és a motetta kevésbé népszerűek, de a kantátaforma számos protestáns zeneszerző, köztük Johann Bach figyelmét is felkeltette. Olyan virtuóz kompozíciós formák alakultak ki, mint a tokkáták és a fúgák .

Hangszeres szonátákat és szviteket egyaránt írtak egyéni hangszerekre és kamarazenekarokra. A concerto műfaj mindkét formájában megjelent: egy hangszerre egy zenekarral, és egy concerto grossoként , amelyben a szólóhangszerek kis csoportja kontrasztot alkot egy teljes együttessel. Számos királyi udvar pompáját és pompáját a francia nyitány formájú művek is adták , kontrasztos gyors és lassú részeikkel.

A billentyűs darabokat gyakran zeneszerzők írták saját szórakoztatásukra vagy tananyagként. Ilyenek például J. S. Bach kiforrott kompozíciói, a barokk kor általánosan elismert szellemi remekei: „ A jól temperált klavier ”, „ Goldberg-variációk ” és „A fúga művészete ”.

A barokk zene rövid története

Barokk zeneszerzők

Korai barokk zene (1600–1654)

Claudio Monteverdi (1567-1643) olasz zeneszerző recitatív stílusának megteremtése és az olasz opera következetes fejlődése a barokk és a reneszánsz kor közötti feltételes átmenetnek tekinthető . Az operaelőadások kezdete Rómában és különösen Velencében már az új műfaj elismertségét és országszerte való elterjedését jelentette [14] . Mindez csak része volt egy nagyobb folyamatnak, amely az összes művészetet megragadta, és különösen az építészetben és a festészetben volt hangsúlyos.

A reneszánsz zeneszerzők különös figyelmet fordítottak egy-egy zenemű egyes részének kidolgozására, e részek egymás mellé helyezésére alig vagy egyáltalán nem. Külön-külön mindegyik rész kitűnően hangozhatott, de az összeadás harmonikus eredménye inkább a véletlen, mint a szabályosság kérdése [15] . Az általános basszus megjelenése jelentős változást jelez a zenei gondolkodásban - nevezetesen, hogy a harmónia , amely "a részek egy egésszé adása", ugyanolyan fontos, mint a dallamrészek ( polifónia ) önmagukban. A polifónia és a harmónia egyre inkább úgy nézett ki, mint az eufonikus zeneszerzés ugyanazon gondolatának két oldala: harmonikus szekvenciák komponálása során a disszonancia létrehozása során ugyanazt a figyelmet fordították a tritonusokra . A harmonikus gondolkodás az előző korszak néhány zeneszerzőjénél is létezett, mint például Carlo Gesualdo , de a barokk korban általánosan elfogadottá vált. Hozzá kell tenni, hogy a "harmónia" kifejezést itt a "hangok összecsengése és szabályos egymásutánja" értelemben használjuk, vagyis hierarchikus, akkordális, tonális harmónia. A tonális harmónia előtt létezett az úgynevezett modális harmónia , amely olyan módokon alapult, amelyek hangösszetételében nem voltak különbségek, és nélkülözték a központosított hangsúlyt. Robert W. Wienpahl zenetudós  több mint 5000 kompozíciót vizsgált meg az 1500-tól 1700-ig tartó időszakból, és összeállított egy táblázatot, amely bemutatja a zeneszerzők átmenetét a modális harmóniákról a tonális harmóniákra.

A művek azon részeit, ahol nem lehet egyértelműen elkülöníteni a modalitást a tonalitástól, vegyes dúrnak, illetve vegyes mollnak jelölte meg (később ezekhez a fogalmakhoz vezette be a „mondúr”, illetve a „monál-moll” fogalmakat) [17] . A táblázat azt mutatja, hogy a tonális harmónia már a kora barokk korszakban szinte kiszorítja az előző kor harmóniáját.

Olaszország egy új stílus központjává válik. A pápaság , bár a reformáció elleni harc fogságába esett , de hatalmas anyagi forrásokkal, amelyeket a Habsburgok hadjáratai pótoltak, a kulturális befolyás kiterjesztésével kereste a katolikus hit terjesztésének módjait. Az építészet, a képzőművészet és a zene pompájával, nagyszerűségével és összetettségével a katolicizmus mintegy vitába szállt az aszkéta protestantizmussal . A gazdag olasz köztársaságok és fejedelemségek a képzőművészetben is erőteljesen versenyeztek. A zeneművészet egyik fontos központja Velence volt , amely akkoriban világi és egyházi védnökség alatt állt .

A korai barokk kor jelentős alakja, aki a katolicizmus oldalán állt, szembeszállva a protestantizmus növekvő ideológiai, kulturális és társadalmi befolyásával, Giovanni Gabrieli volt . Munkássága a " magas reneszánsz " stílushoz tartozik (a reneszánsz virágkora ). Egyes hangszerelési újításai (egy-egy hangszerre meghatározott feladatok kijelölése) azonban egyértelműen arra utalnak, hogy egyike volt azoknak a zeneszerzőknek, akik befolyásolták egy új stílus megjelenését.

Az egyház által a szakrális zene kompozíciójával szemben támasztott egyik követelmény az volt, hogy az énekes művek szövegei olvashatók legyenek. Ehhez a többszólamúságtól a zenei technikák felé kellett elmozdulni, ahol a szavak kerültek előtérbe. Az ének a kísérethez képest összetettebb, díszesebb lett. Így alakult ki a homofónia .

Monteverdi lett a legkiemelkedőbb a zeneszerzők generációja között, akik érezték ezeknek a változásoknak a világi zenére gyakorolt ​​hatását. 1607-ben Orpheus című operája mérföldkővé vált a zenetörténetben, bemutatva számos eszközt és technikát, amelyek később az új zeneszerzési iskolához, a seconda praticához kapcsolódnak , szemben a régi iskolával vagy prima praticával . Monteverdi, aki Luca Marenzio és Jacques de Werth eszméinek kidolgozójaként a régi stílusban kiváló minőségű motettákat komponált , mindkét iskola mestere volt. Ám éppen az általa új stílusban írt művek nyitottak meg számos, a késő barokk korban is felismerhető technikát.

Heinrich Schutz (1585–1672) német zeneszerző, aki Velencében tanult, nagyban hozzájárult az új technikák elterjesztéséhez . Munkája során új technikákat alkalmazott Drezdában kórusvezetőként . Angliában, ahol a korai barokk idején alapvető változások mentek végbe az államban és a társadalmi rendszerben, új irányt és stílust alakított ki a zene I. Károly William Lowes udvari zeneszerzője által , aki mindvégig hű maradt a trónhoz, meghalt a Cromwell katonáival vívott csaták egyikében .

Az érett barokk zenéje (1654-1707)

A legfelsőbb hatalom központosításának időszakát Európában gyakran abszolutizmusnak nevezik . Az abszolutizmus a francia XIV. Lajos idején érte el tetőpontját . Lajos udvara egész Európa számára példakép volt, beleértve az udvarban előadott zenét is. A hangszerek (különösen a billentyűk ) megnövekedett elérhetősége lendületet adott a kamarazene fejlődésének .

A késő barokk az új stílus mindenütt jelenlétében és a zenei formák fokozott elkülönülésében különbözik a korai barokktól, különösen az operában. Az irodalomhoz hasonlóan a zeneművek streaming-nyomtatásának megjelenése a közönség bővüléséhez vezetett; felerősödött a zenei kultúra központjai közötti csere.

A zeneelméletben az érett barokkot a zeneszerzők harmóniára való összpontosítása és koherens zenei tanulási rendszerek létrehozására irányuló kísérletei határozzák meg. A következő években ez számos elméleti munka megjelenéséhez vezetett. Az ilyen tevékenység figyelemre méltó példája a késő barokk korszak műve - " Gradus ad Parnassum " ( oroszul. Lépések a Parnasszusba ), amelyet 1725-ben adott ki Johann Joseph Fuchs (1660-1741), osztrák teoretikus és zeneszerző. Ez az ellenpontozás elméletét rendszerező munka szinte a 19. század végéig az ellenpontozás tanulmányozásának legfontosabb eszköze volt [18] .

XIV. Lajos udvarának udvari zeneszerzőinek kiemelkedő képviselője Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Már 21 évesen megkapta az "hangszeres zene udvari zeneszerzője" címet. Lully alkotói munkája kezdettől fogva szorosan kötődött a színházhoz. Az udvari kamarazene megszervezése és az „ airs de cour ” komponálása után kezdett balettzenét írni. XIV. Lajos maga is balettben táncolt, amelyek akkoriban az udvari nemesség kedvenc szórakozásai voltak. Lully kiváló táncos volt. Véletlenül részt vett produkciókban, táncolt a királlyal [14] . Molière - rel való együttműködéséről ismert , akinek darabjaihoz komponált zenét. De Lully munkájában a fő dolog még mindig az operák írása volt. Meglepő módon Lully egy teljes típusú francia operát alkotott; az úgynevezett lírai tragédiát Franciaországban ( fr.  tragedie lyrique ), és operaházi munkája legelső éveiben ért el kétségtelen alkotói érettséget. Lully gyakran használta a zenekari szekció fenséges hangzása és az egyszerű recitativók és áriák kontrasztját. Lully zenei nyelve nem túl bonyolult, de mindenképpen újszerű: a harmónia tisztasága, a ritmikus energia, a forma artikulációjának tisztasága, a textúra tisztasága a homofon gondolkodás alapelveinek győzelméről beszél [14] . Lully sikerét nem kis mértékben annak is köszönhette, hogy tudott zenészeket kiválasztani a zenekarba, és a velük végzett munkának (a próbákat ő maga vezette). Munkásságának szerves része volt a harmóniára és a szólóhangszerre való odafigyelés.

Arcangelo Corelli (1653–1713) zeneszerző és hegedűművész a concerto grosso műfaj fejlesztéséről szóló munkáiról ismert . Corelli volt az egyik első zeneszerző, akinek műveit Európa-szerte kiadták és előadták. Lully operaműveihez hasonlóan a concerto grosso műfaj is erős kontrasztokra épül; A hangszereket a teljes zenekar hangzását és egy kisebb szólócsoportra osztják. A zene a hangos és a halk részek éles átmeneteire épül, a gyors átmenetek szemben állnak a lassúkkal. Követői közé tartozott Antonio Vivaldi , aki később több száz művet komponált Corelli kedvenc formáira: triószonátákra és versenyművekre . Az Angliában működő olasz hegedűiskola kiemelkedő képviselője Matthijs Nicola volt . Nevéhez fűződik az olasz stílus érvényesítése az angol vonóshangszeres zenében.

Angliában a kiforrott barokk Henry Purcell (1659-1695) briliáns zsenije fémjelezte. Fiatalon, 36 évesen halt meg, rengeteg művet írt, és élete során széles körben ismertté vált. Purcell ismerte Corelli és más olasz barokk zeneszerzők munkáit. Mecénásai és megrendelői azonban más fajtából álltak, mint az olasz és francia világi és egyházi nemesség, így Purcell írásai nagyban különböznek az olasz iskolától. Purcell a műfajok széles skálájában dolgozott; az egyszerű vallási himnuszoktól a menetzenékig, a nagyformátumú énekkompozícióktól a színpadi zenékig. Katalógusa több mint 800 művet tartalmaz. Purcell lett az egyik első billentyűs zeneszerző, akinek hatása a mai napig terjed. A maga idejében tehetséges és híres volt testvére, Daniel Purcell (1664-1717).

A fenti zeneszerzőkkel ellentétben Dietrich Buxtehude (1637-1707) nem volt udvari zeneszerző. Buxtehude orgonistaként dolgozott először Helsingborgban (1657–1658), majd Elsinore -ban (1660–1668), majd 1668-tól St. Mária Lübeckben . Nem műveinek kiadásával, hanem előadásával keresett pénzt, az egyházi szövegek helyett inkább a zeneszerzést, saját orgonaművek előadását választotta, mint a nemesi pártfogást. Sajnos ennek a zeneszerzőnek nem minden művét őrizték meg. Buxtehude zenéje nagyrészt az eszmék, a gazdagság és a képzelet szabadságának skálájára épül, a pátoszra, a drámaiságra és némileg oratórikus intonációra hajlamos [14] . Művei nagy hatással voltak olyan zeneszerzőkre, mint J. S. Bach és Telemann .

Hollandiában ekkoriban a legjelentősebb zeneszerző Sibrand van Noord (az ifjabb) volt , aki hangszeres műveivel szerzett hírnevet.

A késő barokk zenéje (1707-1760)

Az érett és a késő barokk pontos határvonala vita tárgya; Valahol 1680 és 1720 között található. Meghatározásának összetettsége nagyrészt az a tény, hogy a különböző országokban a stílusok nem szinkronban változtak; az egyik helyen már szabályként elfogadott újítások máshol friss felfedezések voltak. Arcangelo Corellinek és tanítványainak, Francesco Geminianinak és Pietro Locatellinek köszönhetően Olaszország lesz az első olyan ország, ahol a barokk az érett korszakból a késői korszakba lép át. Fontos mérföldkőnek tekinthető a tonalitás , mint a zeneszerzés strukturáló elvének szinte abszolút dominanciája. Ez különösen nyilvánvaló Jean Philippe Rameau elméleti munkájában , aki Lully helyét vette át a fő francia zeneszerzőként. Ugyanakkor Fuchs műveinek megjelenésével a reneszánsz polifónia adta az alapot az ellenpontozás vizsgálatához. A modális ellenpont és a kadenciák tonális logikájának ötvözése azt az érzést keltette, hogy a zenében két írásmód létezik - homofonikus és többszólamú, imitációs technikákkal és ellenpontozással.

Az előző időszak által felfedezett formák érettséget és nagy változékonyságot értek el; versenyműnek , szvitnek , szonátának , concerto grossónak , oratóriumnak , operának és balettnek már nem voltak kifejezett nemzeti sajátosságai. A művek általánosan elfogadott sémáit mindenhol kialakították: ismétlődő kétrészes forma (AABB), egyszerű háromrészes forma (ABC) és rondo .

Antonio Vivaldi (1678-1741) olasz zeneszerző, Velencében született. 1703-ban katolikus papi rangot kapott. Ugyanezen év december elsején a velencei " Pio Ospedale della Pieta " lányárvaházban maestro di violino lesz . Nem a koncertelőadások vagy az udvari kapcsolatok hoztak Vivaldi hírnevet, hanem a trió-szonátáit , hegedűszonátáit és versenyműveit tartalmazó művének publikálása . Amszterdamban adták ki és széles körben terjesztették Európa-szerte. Vivaldi ezekhez az akkor még fejlődő hangszeres műfajokhoz (barokk szonáta és barokk versenymű) járult hozzá a legjelentősebb mértékben. Vivaldi zenéjére jellemzőek bizonyos technikák: a concerto grosso háromszólamú ciklikus formája és a ritornello használata gyors részekben. Vivaldi több mint 500 versenyművet komponált. Néhány művének programszerű címet is adott, mint például a híres " A négy évszak ". Vivaldi pályafutása a zeneszerző megnövekedett önálló létezési lehetőségét mutatja: a koncerttevékenységből és kompozícióinak kiadásából származó bevételből.

Domenico Scarlatti (1685-1757) korának egyik vezető billentyűs zeneszerzője és előadója volt. Pályáját udvari zeneszerzőként kezdte; először Portugáliában , majd 1733-tól Madridban , ahol élete hátralévő részét töltötte. Apját, Alessandro Scarlattit a nápolyi operaiskola alapítójának tartják . Domenico komponált operákat és egyházi zenét is, de hírnevét (halála után) billentyűs művei biztosították. Ezen művek egy részét saját örömére, néhányat előkelő megrendelői számára írt.

De talán a leghíresebb udvari zeneszerző Georg Friedrich Handel (1685-1759) volt. Németországban született, három évig Olaszországban tanult, de 1711-ben Londonba távozott , ahol független operaszerzőként kezdte ragyogó és kereskedelmileg sikeres pályafutását, előadói megbízásokat teljesítve a nemesség számára. Fáradhatatlan energiával, Händel más zeneszerzők anyagát dolgozta át, és folyamatosan dolgozta át saját szerzeményeit. Például arról ismert, hogy a híres Messiás -oratóriumot annyiszor dolgozta át, hogy ma már nincs hitelesnek mondható változata. Bár anyagi vagyona gyarapodott és hanyatlott, Händel hírneve a billentyűs hangszerekre, szertartásos zenékre, operákra, concerto grossókra és oratóriumokra kiadott művek alapján tovább emelkedett. Halála után Európa vezető zeneszerzőjeként ismerték el, és a klasszikus korszak zenészei tanulmányozták. Händel zenéjében az improvizáció és az ellenpont gazdag hagyományait keverte. Műveiben igen magas fejlődési szintet ért el a zenei díszítőművészet . Beutazta Európát, hogy más zeneszerzők zenéjét tanulmányozza, ezért igen széles ismeretségi körrel rendelkezett más stílusú zeneszerzők között.

A francia zeneszerzők közül kiemelkedik Otteter , a fuvolajátékról szóló híres értekezés (1707), az improvizációról szóló értekezés (1719) és a musette játék útmutatója (1737) szerzője, kiváló fuvolaművész. Otteter leghíresebb szerzeményei a furulyára és basszusra szóló szvitek, a szólófuvolára és a két furulyára írt darabok, valamint a triószonáták.

1802 - ben Johann Nicolai Forkel kiadta Johann Sebastian Bach első legteljesebb életrajzát . Felix Mendelssohn 1829 -ben Berlinben adta elő Bach Szent Máté-passióját . A koncert sikere óriási érdeklődést váltott ki Bach zenéje iránt Németországban, majd egész Európában.

Johann Sebastian Bach 1685. március 21-én született a németországi Eisenachban . Élete során több mint 1000 művet komponált különböző műfajokban, kivéve az operát. De élete során nem ért el jelentős sikereket. A sokszor költözött Bach egyik nem túl magas pozíciót a másik után váltotta: Weimarban a weimari herceg , Johann Ernst udvari zenész volt , majd a Szent István-templom orgonafelügyelője lett. Bonifác Arnstadtban néhány évvel később elvállalta az orgonista állást a Szent István-templomban. Vlasia Mühlhausenben , ahol csak körülbelül egy évig dolgozott, majd visszatért Weimarba, ahol udvari orgonista és koncertszervező helyet foglalt el. Ezt a pozíciót kilenc évig töltötte be. 1717-ben Lipót , Anhalt-Köthen hercege felbérelte Bachot Kapellmeisternek, és Bach Köthenben kezdett élni és dolgozni . 1723-ban Lipcsébe költözött , ahol 1750-ben bekövetkezett haláláig maradt. Élete utolsó éveiben és Bach halála után zeneszerzői hírneve hanyatlásnak indult: stílusa a feltörekvő klasszicizmushoz képest ódivatúnak számított. Inkább előadóművészként, tanárként és a Bachs Jr., elsősorban Carl Philipp Emmanuel atyjaként ismerték és emlékeznek rá, akinek a zenéje híresebb volt.

Csak a Passió Máté szerint Mendelssohn előadása, 79 évvel J. S. Bach halála után keltette fel az érdeklődést munkája iránt. Mára J. S. Bach minden idők egyik legnépszerűbb zeneszerzője (például a Cultureciosque.com oldalon megtartott "Az ezredforduló legjobb zeneszerzője" szavazáson Bach végzett az első helyen [19] ).

A késő barokk további vezető zeneszerzői: Georg Philipp Telemann (1681-1767), Jean Philippe Rameau (1683-1764), Josse Boutmy (1697-1779).

A barokk hatása a későbbi zenére