A holland festészet aranykora

A holland festészet aranykora
Tevékenységi köre festmény
Állapot
Hatással volt rá Kálvinizmus , olasz reneszánsz , Caravaggio és a korai holland festészet
a kezdés dátuma 1600
lejárati dátum 1699
 Médiafájlok a Wikimedia Commons oldalon

A holland festészet aranykora a holland festészet legkiemelkedőbb  korszaka , amely a 17. századra esik . Az akkori holland festészet híres képviselői Rembrandt , Frans Hals , Jan Vermeer , Pieter de Hooch , Jan Havikzoon Steen , Gerard Terborch , Jacob van Ruysdael , Willem Cornelis Deister , Paulus Bohr , Jan Lievens , Jacob Duk és mások voltak.

Az aranykori festészet sok művészre hatással volt a 17. századtól napjainkig. Inspirációként szolgál íróknak ( Marcel Prousttól Donna Tarttig [1] ) és különféle műfajú fotósoknak (a realistától Bill Gekastól a szürrealista Ellen Cooy-ig ). A holland festészet széles körben képviselteti magát a világ múzeumi gyűjteményeiben, a művészeti piacon és a magángyűjteményekben, és a magángyűjtemények kedvelt tárgya [2] .

Történelmi viszonyok

1579-ben Hollandia hét lázadó tartománya Utrecht városában létrehozta az úgynevezett Hét Egyesült Tartomány Köztársaságát . A Spanyolországgal vívott háború alatt sikerült megvédenie függetlenségét. A spanyol hódítók megtorlásként megölték Antwerpen város 10 000 polgárát , ami tömeges kivándorláshoz vezetett a spanyolok által ellenőrzött Flandria területeiről az "Egyesült Tartományokba". Az 1648-as vesztfáliai béke elismerte az "Egyesült Tartományok" függetlenségét, amelyek Hollandia néven váltak ismertté.

Hollandia művészete értelemszerűen a 15-16. századi holland művészetben nőtt ki, amikor egyetlen állam volt. A 17. századtól elmúlt az az állami és művészeti elhatárolódás, amely két, eredetében azonos, de jellegzetességeiben eltérő nemzeti művészeti iskola megalakulását késztette. A konfesszionális különbségek is hozzájárultak a művészi megkülönböztetéshez. Flandria a katolicizmus kebelében maradt, ahol a vallásos művészet a 17. században új virágzásnak indult.

A 17. században a holland nemzet éppen csak megkezdte történelmi útját. Ebben az időszakban történt a holland művészet döntő szakítása az előző korszak művészetével. A holland polgárok egyszerű életútja primitív és hétköznapi művészeti ízlést szült, a művészek alkotásaiban saját életük tükrét igyekeztek látni, amely nélkülözi a nemesség, a széles műveltség, a kifinomult ízlés és a sok hagyomány tisztelete.

De a 17. század elején a tendencia megváltozott. Sikeresen befejezték a saját függetlenségükért folytatott küzdelmet a hatalmas spanyol birodalomtól. Az önmegerősítés benne volt mind a lakosok viselkedésében, mind a nemzeti művészetben, amely aktívan megszabadult a katolikus Spanyolországból származó vallási korlátozásoktól. A protestantizmus dominanciája a vallásos festészet rendeléseinek jelentős csökkenéséhez, és ezzel egyidejűleg a világi műfajok robbanásszerű terjedéséhez vezetett. A holland művészetben a portré, a tájkép , a hétköznapi műfaj , a csendélet olyan jelentős erőre és fejlődésre tett szert , amihez hasonlót még az olaszországi vagy franciaországi kiemelkedő művészeti központok sem ismertek. A 17. századi holland művészet a 17. századi Európa művészeti helyzetének sajátos jelenségévé vált. A holland művészek útját Európa más nemzeti művészeti iskoláinak művészei követik majd.

Ez a vízió vezette a holland festőket egy újfajta művészi realizmushoz, amely fokozatosan megjelent minden művészeti műfajban - portrékban, enteriőrökben, tájképekben, csendéletekben. Ezeknek az alkotásoknak a divatja példátlan méreteket öltött a társadalom minden szektorában, ami óriási keresletet teremtett a festmények iránt. Ezek az események vezettek oda, hogy a 17. század a holland művészet számára "aranysá" vált.

A tudományos kutatás aktív asszimilációja, a technikai készségek, a természeti jelenségek tanulmányozása, az óceánok természeti erőforrásai és a világ távoli szegletei, a gyarmati háborúk és az országból való kivándorlás a 17. század jellemző vonásai. A kelet-indiai hadjárat admirálisainak és tisztjeinek képei portré műfajban jelentek meg . Ha a 16. században az alkimistákat kigúnyolták , akkor a 17. században előkelő helyet foglaltak el az olyan irodák képei, ahol teológusok, botanikusok, csillagászok dolgoznak – most már a nevetségesség maró jelei nélkül. Elterjedtté vált az anatómiai színházak látogatása . Mindezekre az eseményekre a holland festészet is reagált. A holland művészek festményeinek cselekményei a kelet-indiai kampány, a bálnaolaj feldolgozására szolgáló manufaktúrák , a botanikus társaságok találkozói is lesznek. Számos "anatómiai leckét" készített Michiel Mierevelt , Rembrandt , Cornelis Trost , Cornelis de Man , Jan van Neck .

Jan van Neck portrésorozatot készített Frederick Ruysch orvosról és az anatómiai készítmények gyűjtőjéről . Gyűjteményét jól ismerték Hollandiában, helyiek és külföldiek egyaránt felkeresték. Fantasztikus áron, 30 000  guldenért ezt a gyűjteményt 1717 -ben vásárolta meg Szentpétervárnak I. Péter orosz cár . A gyűjtemény a Kunstkamerában kötött ki .

"Kis holland"

A 17. században mintegy 2000 művész élt és alkotott Hollandiában [3] . Legtöbbjüket általában a "kis hollandok" feltételes kifejezéssel illetik, ami egyszerre tükrözi műveik kis méretét és kamara jellegét. A kis hollandok főként három műfajban – tájkép , csendélet és háztartási műfajban  – dolgoztak, és szűk specializáció jellemezte őket.

Utrechti karavagisták

A 17. századi holland művészetben egy külön csoportot foglaltak el az úgynevezett „ utrechti karavagisták ”. Utrecht lakói, ellentétben a protestáns Hollandia legtöbb művészével, katolicizmust vallottak, és továbbra is kapcsolatot tartottak az akkori kulturális és vallási központtal - Rómával. Itt többek között az előző korszak, vagyis a 16. század holland manírjának képviselői dolgoztak. A Rómában évtizedekig élt és alkotó művészek közé tartozott Honthorst , Dirk van Babuuren , Paulus Bohr , Terbruggen . Utóbbi Rómában találkozott magával Caravaggióval , és lenyűgözték művei.

Olaszországban telepedett le és egész életét itt töltötte Matthias Stom , akinek művei két ország - a 17. századi Olaszország és Hollandia - kultúrájának tulajdonába kerültek.

Rézkarc a 17. században

A 16. századi metszet hollandiai fejlődése ( Leideni Lukács , Hieronymus Wierix, Idősebb Pieter Brueghel ) készítette elő a holland rézkarc technika virágzását a 17. században. Ezen az úton a Haarlemi Szent Lukács Céh művészei – Esaias van de Velde , Willem Beiteweg és Hercules Seghers (vagy Gerard Seghers) újoncok voltak.

Esaias van de Velde a holland vidéki táj témáját rézkarcra alapozta. A naiv nézetek rosszabbak voltak honfitársa követőinek ( Jan van Aken , Adrian Ostade , Antoni Waterloo ) panorámaképeinél , de időben elsők voltak.

Tehetségesebb volt Willem Beiteweg művész. Jelentős művészi tehetsége különböztette meg festményeit, rajzait és rézkarcait egymástól. A retorkamrákhoz (az akkori holland színházhoz) való ragaszkodása, a túlzások és a groteszk ragaszkodása jellemezte, barátságban volt Bredero komikussal . Kortársai "Ravasz Willemnek" nevezték. 1621-ben jelent meg tájkarc-sorozata. Alapvetően tájképeinek egyszerű motívumait vagy ritka szereplők, vagy a fák tetejét megbillentő széllökés elevenítette meg. A telkek egyszerűek, parasztiak - az út, a bokrok a csatorna közelében, a parasztok kunyhói a fák között. Beiteweg rézkarcainak hangulata nem kapkodó, néhol némi unalommal. Willem Beiteweg festményei azonban előrelépést jelentenek az Eyas van de Velde rézkarcain szereplő tájképek leegyszerűsített opuszaihoz képest. Willem Beiteweg 30 éves korában meghalt, és nélküle fejlődött ki a további holland rézkarc. Beitewegnek a holland metszethez való hozzájárulását bizonyítja Seghers és Rembrandt művei iránti érdeklődés. Utóbbi gyűjtötte rézkarcait, és tanulmányai során másolta azokat.

Hercules Segersnek (1589-1638) sikerült új szintre emelnie a holland rézkarcot . Nincs béke, nincs lassúság – tudta, hogyan lehet más és váratlan. Panorámás tájai a kékre hívnak, hosszas töprengésre buzdítanak, megijesztenek az ismeretlen jövőtől, távol a veszélytől. Van de Velde vagy Beiteweg rézkarcainak egyszerű motívumai csak tapintással keresték a cselekményeket és azok megfelelését magának a rézkarctechnikának a technikai lehetőségeinek. A Segers rézkarcmintái cselekményüket tekintve függetlenek, és már összevethetők a holland festészet mintáival. Lehetnek egy konkrét táj pontos reprodukciója ("Amersfoort Panorama"), vagy a hegyi völgyek valódi elemeinek feltételes kombinációja a távoli öblökben lévő kunyhókkal, fákkal és csónakokkal ("Folyó a hegyi völgyben"), vagy teljesen fantasztikus, nyugtalanító fantazmagoria („Sziklás völgy folyóval és úttal”). Néha Seghers fáradtnak érezte saját tájainak felkavaró fantazmagóriáit, majd rézkarcok-csendéletek („Könyvek”) keletkeztek. A gravírozásnak fanatikusan elkötelezett művész hajlamos volt az újításokra, kísérletekre, amelyek nem mindig vezettek a kortársai számára kellemes és elfogadható leletekhez. Nem volt népszerű, rézkarcait sem őrizték meg. Grafikai munkái közül megközelítőleg 50 darab maradt meg, és néhány - általában egy példányban, ami a mester rézkarcainak kis példányszámát és jelentős számú megsemmisült művét egyaránt jelzi.

Ha a nagyközönség nem értékelte Seghers leleteit, akkor a művészek éppen ellenkezőleg, énekeltek és fejlődtek tovább, munkái nyomasztó, drámai hangulata ellenére. A kreativitás ínyencei között Segers maga Rembrandt is volt. Rembrandt, aki nem volt gyakorlaton Olaszországban, érdekelt készségeinek fejlesztésében, egy aukción vásárolta meg Hercules Seghers mátrixtábláit, és saját rézkarcává alakította át a Szent Család menekülése Egyiptomba mátrixot. Segers rézkarcainak fő ismerője és egy tehetséges tájfestő, Jacob van Ruisdael is néha a rézkarctechnika felé fordult.

Rembradt harminc éves volt, amikor Hercules Seghers meghalt. 10 éve foglalkozott rézkarcokkal, bár sem nem volt fanatikusan elkötelezett a rézkarctechnika iránt (mint Segers), sem magával a technikával nem volt hajlandó jelentős kísérletekre. De a művész bevitte a rézkarcba az emberi érzések sokszínűségét és mélységét, a kétségbeesett törekvéseket, a keresések pátoszát és a sors tragédiáját, sőt a tettek hősiességét, az öregség és a világtól való búcsú drámáját. Rembrandt annyi ügyességet és lélektani mélységet hozott a rézkarcba, amely addig csak egy volt a 16. század számos grafikai technikája közül, hogy a különc művészek számára megszűnt technikai érdekességnek és szórakozásnak lenni. Ezenkívül Rembrandt szinte egész életében rézkarcolással foglalkozott, mintegy kétszázkilencven mintát hagyva hátra. Ezért rézkarcai magába szívták a cselekmény mozdulatait, a technikai tudás növekedését és élete utolsó drámai éveinek művészi lazaságát. A Rembrandt rézkarcok szerint más művészek rézkarcainak magas színvonalát és művészi színvonalát kezdték el mérni, ha ehhez a technikához fordultak.

A Rembrandt utáni holland rézkarc színesebb, témában szélesebb és nyugodtabb. A mesterek szívesen vállalnak topográfiai térképeket, portrékat, különböző városok tájait, hétköznapi műfajt . Ennek ellenére a 17. század végén a rézkarc némileg elvesztette a magas művészet státuszát.

A rézkarc segédtechnikává válik könyvek, anatómiai vagy botanikai értekezések illusztrációinak elkészítésében, címlapok ( frontispieces ) készítésében, amellyel a kiadást elkezdték. Történelmi és művészeti szempontból érdekes, hogy 1616-ban Lipcsében egy metszetsorozatot készítettek Gustav Selenus (ezen az álnéven a Brunswick-Wolfenbüttel August hercege) könyvének nyomtatott kiadásához: "Sakk, avagy a Királyi játék", Jacob van der Heyden művész . A rézkarc egyszerre szolgálja az arisztokráciát, és egy gyakorlati eszköz, amely távol áll az emberi szellem dicsőítésének céljától, általában a művészet fő céljától. A rézkarc háztartási mesterséggé válik kisebb művészek kezében, akik csekély összegért bármilyen stílus (késői modor, realizmus, barokk) használatára méltók.

A művészet arisztokratizálódása a 17. század végén

Az arisztokratizálás elemei korábban is jelen voltak Hollandia művészetében, de nem domináltak. Ezek a jellemzők rejlenek Rembrandt korai portréiban és a kevésbé tehetséges művészek munkáiban. Még Frans Hals is arisztokrataként ábrázolja a gazdag vállalkozókat és kereskedőket. Különösen szembetűnőek a finom, arisztokratikus vonások a helyi és külföldi nemesek (és a maguknak nemesi címet vásárló újgazdagok) portréin. A szertartásos, reprezentatív portré típusa még a 16. században kezdett kialakulni Olaszországban - pápák portréi, kis olasz fejedelemségek uralkodói, velencei arisztokraták portréi. Különösen szembetűnőek voltak az arisztokrácia jegyei Flandria (Brabanti Hercegség) művészetében, és a flamand művészek, Rubens és Godfrey Neller, és különösen Anthony van Dyck , hozzájárultak egy reprezentatív portré kidolgozásához és kialakításához Olaszországban és Angliában. Nagy-Britannia gyorsan fejlődött, és új nagyhatalommá vált Nyugat-Európában, kiszorítva a befolyási övezetekből Hollandiát, Spanyolországot és Franciaországot. Anthony van Dyck annyira befolyásolta a reprezentatív portré kompozícióit és figurális szerkezetét, hogy modellekké váltak. Számos holland művész kezdett dolgozni van Dyck leleteinek fejlesztésén. A hollandiai régi és új arisztokráciát is főleg portréfestők szolgálják, köztük:

A 17. század végén készült portrékon a gazdagok divatos ruhákat és tollas sapkákat, értékes fegyvereket mutatnak be, és büszke pózokat vesznek fel. A holland Adriaan Hanneman olyan tökéletesen utánozza van Dyck képeit, hogy portréit összetévesztik magának a flamand alkotásaival. Simon Peters Verelst egy francia stílusú arisztokrata értelmiségi módjára írja Rupert német herceget, figyelmen kívül hagyva kegyetlenségét, harciasságát és erkölcstelenségét. Az arisztokrácia jegyei annyira dominálnak a 17-18 . század fordulójának holland művészetében, hogy a műfaji festészetet is befolyásolják, amely (a holland portréhoz hasonlóan) elveszti demokratikus vonásait (Cornelis Trost, "Szórakozás a parkban", "Portré" Jerome Tonnemann fiával").

Jegyzetek

  1. ↑ Boyd Tonkin. A holland művészet aranykora Marcel Prousttól Donna Tarttig ihlette meg az írókat  . The Independent (2014). Letöltve: 2017. október 31. Az eredetiből archiválva : 2017. november 7..
  2. ↑ Zatyupa S. V. A középkortól a barokkig. A nyugat-európai művészet története. Festészet és művészet és kézművesség. Magángyűjtemény anyagai alapján. - Moszkva: Művészeti Központ. Moszkva, 2021. - ISBN 978-5-604-5971-3-2 .
  3. ↑ Getashvili N.V. A világfestészet atlasza . - OLMA Médiacsoport, 2006. - 170. o.

Lásd még

Források

Irodalom

Linkek

  Ugrás a Wikidata elemre  Szótárak és enciklopédiák
Bibliográfiai katalógusokban