A fotográfia története felöleli a fotográfia , mint a képzőművészetek egyikének fejlődését a 19. század közepétől napjainkig.
A fotográfia első évtizedében fő technológiái a dagerrotípia és kisebb mértékben a kalotípia voltak ; az 1850-es években fokozatosan kiszorította őket a kollódiumos eljárás , amely lehetővé tette a záridő jelentős csökkentését a felvételkészítés során (ha Daguerre expozíciós ideje 1839-ben 10 perc vagy több volt, 1840-1841-ben pedig már 10-re csökkent másodpercre, majd a kollódiumi folyamat során a zársebesség néhány másodpercre, sőt kevesebb mint egy másodpercre csökkent [1] ). Az európai festészet hagyományai és a hosszú expozíció vezetett a pózolás szükségességéhez, vagyis a korai fényképezés színpadiasságához, ha az emberek jelen voltak benne [2] [3] .
A legelső években rohamos fejlődésnek indult a kereskedelmi fotózás, elsősorban a portré- és tájfotózás. Számos fotóstúdiót nyitottak portrék készítésére (már 1841-ben is több mint tíz volt belőlük csak Párizsban).1854-ben Dizderi szabadalmaztatta a „névjegykártyák” – kis formátumú fényképek – készítésének technológiáját, amelyek olcsóságuk miatt gyorsan rendkívül népszerűvé váltak; Megkezdődik a hírességkártyák gyűjtése. A fotósok, mint például a híres Felix Beato , távoli vidékekre mennek tájképeket készíteni – Olaszországtól, Görögországtól és Egyiptomtól Japánig – és még stúdiókat is nyitnak ott; fényképeiket tájakkal , építészeti emlékekkel , műfaji jelenetekkel a helyszínen értékesítik az idelátogató turistáknak, vagy az expedícióról hazatérve könyv formájában adják ki.
Az alkalmazott fényképezés is fejlődik - tudományos (például Anna Atkins „British Algae” albuma , 1843), orvosi, rendőrségi, építészeti (például az 1851- es Heliographic Expedition ) és mások. [négy]
Az 1855-ben a krími háborút megörökítő Roger Fentont az első háborús fotósnak nevezik , és az amerikai polgárháború Matthew Brady , Alexander Gardner , Timothy O'Sullivan erőfeszítéseinek köszönhetően az első, amely a jelentős mennyiségű fényképészeti dokumentumot. Technikai korlátok miatt nem magukat a harci cselekményeket veszik fel, hanem csak azok következményeit, mint például O'Sullivan híres fényképén, "A halál betakarítása" (1863), valamint a katonai tábor képeit, a résztvevők portréit. stb. [4] Érdekes, hogy néhány híres katonai fényképen a történészek a jelenettel végzett manipuláció nyomait találják, hogy kifejezőbbé tegyék azt (például A. Gardner „A lázadó mesterlövész háza” (1863) című fényképén , a testet és a puskát elmozdították [5] , R. Fenton „ A halál árnyéka völgye ” (1855) fényképén pedig ágyúgolyókat szállíthattak át).
Nehéz egyértelmű határvonalat húzni a fényképezés pusztán információs („protokoll”, a tényleges képet a néző felé közvetítő) és esztétikai funkciója között; így az említett manipulációk a katonai jelenetek forgatása során már a művészi hatás vágyáról beszélnek. A lényeges kritérium itt a fotós szándéka. J. E. Mayall és Gabriel Harrison az 1840-es évek második felében az elsők között próbáltak megvalósítani egy ilyen szándékot , Gustave le Gres pedig 1852-ben ezt írta: „Áldott vágyam az, hogy a fotózás helyett az ipar és a kereskedelem hatalma alá kerülése a művészetek közé kerülne. Ez az egyetlen hely, amely méltó hozzá , és mindig ebbe az irányba fogom őt irányítani . Az 1850-es években már nem számít ritkaságnak a fényképésznek ez a hozzáállása munkáihoz.
A korai művészi fényképezés műfajai között, valamint a kereskedelmi és alkalmazott fotózásban is megtisztelő helyet foglal el a fotóportré - különösen a hírességek. Tájképeket filmeznek - természeti és városi nézeteket , építészeti struktúrákat. Nem ritkák a zsánerfestészetből örökölt, többé-kevésbé színpadra állított zsánerjelenetek sem . A viktoriánus Nagy-Britanniában az 1850-es évek második felében a népszerű „ élő képek ” [6] a fotózás felé vándoroltak , színházi portrék és jelmezes jelenetek születtek: kialakult – színpadra állította a „photography as high art” ( High art photography ) irányzatot. formában és a keresztény erkölcs felé vonzódva.tartalom szerinti allegória [2] .
A 19. század első jelentős fotóművészei: Nadar , Gustave le Gré Franciaországban; a high art fotográfia képviselői OG Reilander , Henry Peach Robinson , Julia Margaret Cameron Angliában; David Hill Robert Adamsonnal Skóciában . Oscar Reilander volt az elsők között, aki 1855-ben alkalmazta a fotómontázs korai formáját , több negatívról kompozit nyomtatást , majd később összetett, többfigurás kompozíciók készítésére használta, amelyek közül a leghíresebb, Két életút (1857), 30 vagy 32 negatívval nyomtatták. Gustave le Gré különösen híres volt tengeri tájképeiről, amelyeket rendszerint két negatívról nyomtatott a fényképezési szélesség növelése érdekében. A pszichológiai portré mestere, Nadar 1858-ban elsőként fényképezett léggömbről, 1860-1862-ben pedig fotósorozatot készített a párizsi katakombákról és csatornákról .
Az intézményes elismerés nem könnyű a fotózás számára. A fényképeket általában a kiállítások tudományos és műszaki részében mutatják be. Így az 1859-es Szalonban Gustave le Gré kalotípusait először a litográfiákkal együtt állítják ki, majd ha a készítés technikája tisztázódik, átkerülnek a tudományos osztályra. Az 1862-es világkiállításra készülve a fotográfusok ragaszkodnak a képzőművészeti szekció helyéhez, de csak azt érik el, hogy "a fotózást általában külön mutassák be - sem mint technika, sem mint művészi alkotás, hanem mint önálló tevékenységi terület " [2] . A fotográfia elismeréséért a század végéig tart a küzdelem. [2]
Az 1880-as években az Eastman Kodaknak köszönhetően a tekercses celluloid filmnek és a Kodak No. amatőr dobozkamerának . 1 » (1888), amely lehetővé tette, hogy a nem profik azonnal éles fényképeket kapjanak a kezükből: „Ön megnyomja a gombot, a többit mi csináljuk” – ez volt a reklámszlogen [1] . Egy egyszerű „dokumentumfilm” beszerzése már nem jelent problémát, ami művészi keresésre ösztönöz.
PictorializmusAz 1880-as és 1910-es évek a piktorializmus virágkorát élték meg – egy nemzetközi mozgalom, amelynek képviselői hirdették a fényképezés festészethez való közelségét, és igyekeztek festői technikákat és hatásokat bevezetni a művészi fotográfiába. A festészet korábban jelentős hatást gyakorolt a fotográfiára, de ma már nem az akadémikus festészet és a preraffaeliták a modell , hanem „ az impresszionizmus (a kép elmosódásának értelmében) és a szimbolizmus (a cselekmény-műfaj értelmében)” . 7] . A festői hatás eléréséhez lágy fókuszú lencséket, például monoklit (néha szűrőket is), negatívok retusálását és speciális nyomtatási módszereket használnak.
1892-ben a veterán képzőművészeti fotós, H. P. Robinson és társai megalapították a The Closed Ring ( The Closed Ring ) pictorialista közösséget Nagy-Britanniában 1902-ben Alfred Stieglitz megalapított egy hasonló csoportot , a Photo-Secession és a befolyásos Camera Work magazint az Egyesült Államokban . Ausztriában 1897-ben a mozgalom támogatói Heinrich Kuhn , Hugo Henneberg és Hans Watzeck a "Trefoil" ( latinul "Trifolium" , németül "Kleeblatt" ) csoportban egyesültek . A legnagyobb képírók az angolok Frank Meadow Sutcliffe , a teoretikus és gyakorló Peter Henry Emerson , a Photo-Secession tagjai Alfred Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Coburn , Clarence White , a stílus szélsőségeit képviselő francia Robert Demachy . [8] . 1910-ben a Photo-Session nagyszabású "Nemzetközi Képi Fénykép Kiállítást" rendezett az Albright Művészeti Galériában , amelyen 65 szerző több mint 600 alkotását mutatták be [9] .
Oroszországban a piktorializmus kicsit később alakult ki, de tovább fejlődött - a 20. század elejétől az 1930-as évek második feléig ( Szergej Lobovikov , Alekszej Mazurin , Anatolij Trapani , Nyikolaj Andrejev , Nyikolaj Petrov , Moses Nappelbaum portrémester , Vaszilij Ulitin , Alekszandr Grinberg , Jurij Eremin , Nyikolaj Szviscsev-Paola és mások). [7] [10] [11]
P. G. Emerson . Lövés szalonkák, publ. 1886
A. Stiglitz . Állomás, 1892
E. Steichen . Vasház , 1904. Humbikromát nyomat
R. Demachy . Birkózás, publ. 1904. Gumbikromát nyomat
Az Egyesült Államokban az 1910-es években [13] a festészetet a direkt fényképezés kezdte kiszorítani , amelynek első hívének Paul Strandet tartják . A fotózás egyáltalán nem imitálhatja a festészetet, ez a megközelítés azt vallja: a lágy fókuszú lencséket éles fókusz váltja fel, a fotós munkájában a hangsúly a nyomtatási folyamatról a filmezésre kerül át. Stiglitz támogatja Strandet: „A fotósoknak meg kell tanulniuk, hogy ne szégyelljék magukat amiatt, hogy fényképeik fényképeknek tűnnek” [14] – írja 1913-ban, és ő maga is fokozatosan tér át a piktorializmusról erre a módra.
Itt nem a korai fotográfia naiv naturalizmusához való visszatérésről van szó, hanem a modernizmusról : az absztrakt formák feltárulnak a városi nézetekben és a természeti tárgyakban, megerősítik az ipari és gépi esztétikát ( Charles Sheeler ).
A direkt fényképezés az 1920-as években tovább fejlődött, és az F / 64 csoport (1932-1935) képviselőinek - Edward Weston , Ansel Adams és mások - munkájában érte el csúcspontját . Weston feltárja a természeti tárgyak textúráját és formáit ( Sink , 1927 , Pepper No. 30 , 1930 ), aktokat forgat ( Naked , 1936 ). Adams klasszikus fekete-fehér tájképeket hoz létre, és kifejleszt egy zónarendszert, amely lehetővé teszi az expozíció és a filmfeldolgozás paramétereinek a kreatív szándéknak megfelelő beállítását.
Európai modernizmusAz 1920-as évek európai fotográfiáját is átvette a modernizmus .
Olaszországban az 1910-es években A. J. Bragaglia futurisztikus irányzatot hozott létre a művészi fotózásban - a fotodinamizmust.
Németországban az " Új tárgyilagosság " művészeti mozgalom sok tekintetben közel áll az amerikai modernizmushoz [7] , amelyet a fotográfia területén Albert Renger-Patch , Karl Blossfeldt [16] és August Sander képvisel . Megkülönböztetik őket a tárgy tárgyilagos és részletes átvitelének vágya, Ranger-Patch és Blossfeldt esetében - a forma hangsúlyos odafigyelésével.Sander az 1910-es és 1920-as években a „XX. század emberei” című monumentális fotóprojekten dolgozott, és a német társadalom minden osztályának és rétegének képviselőit kívánta megörökíteni egy dokumentumportrésorozatban; első albuma, A Face of Our Time 1929-ben jelent meg. [17]
A német dadaisták – John Heartfield és Georg Gross 1916-ban, Raul Hausmann pedig Hannah Höch 1918-ban – felfedezik a fotokollázs technikáját [18] , amelyet hamarosan a szovjet fotósok is átvehetnek .
A „ New Vision ” nemzetközi avantgárd mozgalom a német Bauhaus és a szovjet konstruktivizmus hatását fejezte ki a fényképezésben . Ennek az iránynak a alkotásait szokatlan előrövidítések , átlós kompozíció („kosina”), nagy kivágás, a kép absztraktsága felé irányuló gravitáció jellemzi; nem szabványos technikákat tárnak fel: szolarizáció a Man Ray -nél ; fotogram in Christian Schad , Man Ray, Moholy-Nagy ; Mohoy-Nagy, Alekszandr Rodcsenko és mások fotómontázsa és kollázsa , többszörös expozíció . [7]
A szürrealisták elsősorban Man Ray , valamint Maurice Tabar , Raoul Yubak , Hans Bellmer , Paul Nouget , Jacques-André Bouffard , Claude Caon , Philippe Halsman és mások - aktívan alkalmazzák az említetteket és néhány mást nem szabványos technikákat, színpadi képeket hoznak létre, harmadik féltől származó fotóanyagot vonnak be művészi terükbe [19] .
Germaine Krul , aki az 1910-es években a piktorializmussal indult, az 1920-as években közelebb kerül a modernizmus különféle áramlataihoz; 1928-ban jelent meg híres "Fém" fotókönyve.
Frantisek Drtikol , Josef Sudek , Jaromir Funke , Yaroslav Rössler Csehországban dolgoznak .
1929- ben Stuttgartban nagyszabású FiFo ( Film und Foto ) kiállítást rendeztek , amely bemutatta a különböző országok fényképezése során felhalmozott tapasztalatokat; később ez a kiállítás Ausztriában és Svájcban, 1931-ben pedig Japánban látható.
Latin-AmerikaAz 1920-as évektől a század végéig folytatódik a mexikói Manuel Alvarez Bravo , Latin-Amerika egyik legnagyobb fotósának pályafutása .
Edward Weston barátnője , Tina Modotti dolgozott vele az 1920-as években Mexikóban, és érezhető hatást gyakorolt Mexikóváros kulturális életére, beleértve a fiatal Alvarez Bravót is.
A dokumentumfotózás előfutárai közé tartoznak az 1850-1860-as évek katonai fotósai, akik a krími háborút és a polgárháborút forgatták az Egyesült Államokban , bár a kényszerű hosszú expozíció miatt fényképeiket többnyire színpadra vitték, ráadásul a szerzők is. nem mindig tudta, hogyan kell, és törekedett arra, hogy a pusztán riportképnek esztétikai dimenziót adjon.
Korai utcai fotózásUgyanezen technikai ok miatt voltak olyan színpadi és utcai jelenetek, amelyeket az 1850-es években Charles Negre forgatott , de az 1880-as években már jelentősen csökkent az expozíció.
Az utcai fotózás úttörőinek a holland Georg Breitnert tartják, aki az 1890-es években dolgozott , az olasz Giuseppe Primoli , a brit Paul Martin (aki rejtett kamerával fényképezett, és éjszakai képeket is megörökített a London by Gaslight sorozat, 1895-1896). [húsz]
Társadalmi fotózásA 19. században a technikai korlátok ellenére (például a lassú zársebesség miatti állványról fényképezés) kezdett fejlődni a társadalmi dokumentumfilm . John Thomson 1876-1877-ben kiadja a Street Life of London folyóiratot, 1878-ban pedig egy azonos nevű könyvet. Jacob Riis New Yorkban filmre vette a város nyomornegyedeinek életét az 1880-as években, és kiadott egy könyvet.Hogyan él a másik fele (1890), ő az első fotóriporter, aki vakut használt . Lewis Hine veszi át az irányítást, az 1900-as és 1910-es években amerikai bevándorlók és iparos gyerekek nehéz életét fotózza ; az 1920-as és 1930-as években továbbra is optimistább módon fényképezte a munkásosztályt, és egy jól ismert felvételsorozaton dokumentálta az Empire State Building építését .
Walker Evans , Dorothea Lang és kilenc másik fotós részt vett a Farm Protection Administration (1935-1942) hatalmas társadalmi projektjében Roy Stryker irányítása alatt , és dokumentumfilmet készítettek a vidéki Amerikáról a nagy gazdasági világválság idején . több ezer fénykép (a leghíresebbek között: D. Lang "Migrant Mother ", W. Evans "Ellie Mae Burroughs, Sharecropper felesége" [2] , "Porvihar" [3] és egy ökör kifehéredett koponyája [4 ] ] A. Rothstein - mind 1936).
1935-1951 között működik a befolyásos New York Photo League , a baloldali fotósok egyesülete és iskolája.
Propaganda fotóA Szovjetunióban az 1920-as és 1930-as években a dokumentum- és propagandafotózás gyorsan fejlődött [21] . Az idők legnagyobb fotósai, akik többsége az Oktyabr művészeti egyesület tagja volt - Alekszandr Rodcsenko , Borisz Ignatovics , Arkagyij Sajhet , valamint Abram Shterenberg , Borisz Kudojarov , Dmitrij Debabov , Eleazar Langman és mások - az avantgárd konstruktivista vallják. az "Új látomás" esztétikája (szögletű felvétel, ferde, nagy keretezés).
Az 1930-as évek eleje óta a fotóriportok vezető szerepet töltenek be a szovjet fotózásban . A fényképek narratív kombinációinak különféle formáit fejlesztik ki: fotómontázs (beleértve a fényképes képek kombinálását plakáttipográfiával és egyéb dizájnelemekkel [22] , - Alexander Rodchenko , El Lissitzky , Gustav Klutsis ), fotósorozat [23] és fotókönyv .
Ennek az időnek a legnagyobb kiállításai a „Szovjet fotóművészet kiállítása 10 éve” (1928), „Az első szövetségi fotóművészeti kiállítás” (1937). [húsz]
Németországban a fotómontázs poszter esztétikáját John Heartfield dolgozza ki [24] .
FotóriporterAz 1880-1890-es években a féltónusnyomtatás , az 1900-as években pedig az ofszetnyomás megjelenése lehetővé tette a fényképek folyóiratokban történő jó minőségben történő sokszorosítását (ezelőtt fényképből metszet készült, amelyből már nyomtatás is készült), század elejére pedig "minden bizonnyal szinte minden folyóiratban volt "A világ képekben" általános elnevezésű rovat, ahol hírességekről, politikai személyiségekről, a felsőbbség képviselőiről készült fényképek, ünnepi események jelentek meg. fedett” [25] . A fototávíró bevezetése és fejlesztése az 1910-es és 1930-as években lehetővé tette a képek gyors átvitelét. Az 1925-ben piacra dobott Leica fényképezőgép óriási sikere a kis formátumú fényképezés elterjedéséhez vezetett – a könnyű, mobil, gyengén megfigyelhető fényképezőgépek. Az 1920-as évek végén a zajos és füstös magnéziumvillanókat villanólámpák váltották fel . Ez a négy technológiai tényező – és természetesen a hírsajtó iránti növekvő kereslet – vezetett oda, hogy az 1930-1950-es évek a " fotóriporterek aranykorává" váltak (később a kezdeményezés átkerül a hírtelevízióba). Illusztrált hetilapok milliós példányszámban jelennek meg: német Berliner Illustrirte Zeitung (1892-1945), Münchner Illustrierte Presse (1924-1944), francia Vu (1928-1940), American Life (1936-1972), British Picture Post (1938-1957).
A német fotóriporter , Erich Salomon páneurópai hírnévre tett szert , az 1920-as évek végétől egészen 1940-es nácik letartóztatásáig filmezett - gyakran kalapba, aktatáskába, könyvbe stb. rejtett rejtett kamerával - diplomáciai találkozókon és bíróságokon. . Az 1920-as évek vége óta Alfred Eisenstadt Németországban, majd az Egyesült Államokban forgat . Az ikonikus nemzetközi fotóriporter , Robert Capa , aki a "Ha a képeid nem elég jók, akkor nem voltál elég közel" szavakkal fejezte ki hitvallását, az 1930-as évek elejétől 1954-ben bekövetkezett haláláig mindenhol megjelenik, ahol háború van. Vidzhi amerikai fotóriporter az 1930-as és 1940-es években New York-i éjszakai bűnügyi krónikájával vált híressé; stílusa hatással volt az amerikai fotográfiára a 20. század második felében.
A második világháború tragédiája a fotóriporter kimeríthetetlen anyagforrásává válik ; sok jelentős fotós katonai akciókat és azok következményeit fényképez, és néhányan – mint például Jevgenyij Khaldej , Dmitrij Baltermants – mára éppen háborús munkáikról ismertek. A híres fényképek közé tartozik: 11 felvétel a normandiai partraszállásról, amelyeket Robert Capa és mások golyói alatt készítettek .
A szerző dokumentumfilmjeiA francia fotográfus, Eugene Atget még a piktorializmus virágkorában is egészen más módon dolgozott, mint ő : a régi, a haussmann-i Párizsba [26] visszaszoruló város mindennapjait fotózta 1888-tól, de az elismerés csak őt érte. az 1920-as évek második felétől a szürrealistáknak [27] és Berenice Abbottnak köszönhetően , akik sokat tettek Atget munkásságának megőrzéséért és népszerűsítéséért, és megközelítését az 1930-as évek New York -i forgatásában testesítették meg.
A 20. század eleje óta Jacques-Henri Lartigue gyermekkora óta fotózik ; korai fényképeinek kiállítása a MoMA -ban 1963-ban hozta meg neki a hírnevet.
A dokumentumfotózás legnagyobb mestere André Kertész volt , aki 1912 óta Magyarországon, majd Franciaországban, majd az USA-ban dolgozott. Kertész "művében elsőként ötvözte a funkcionális (magazin-fotó-riport) [28] és a szerzői fotográfia vonalait, amelyek dialektikája klasszikus korszakának szinte fő intrikája" [20] . Ahogy később Cartier-Bresson mondta , "bármit csináltunk, Kertész csinálta először" [20] .
Külön kiemelkedik August Sander , akinek az 1910-1920-as évek alkotásai egyaránt tartalmaznak dokumentumfilmes - utcai és társadalmi, valamint portré-színpadi fotózás elemeit.
A dokumentumfotózás az 1930-as években tovább fejlődött Európában, ötvözve a szerzői és a riportozási (újságírói) elveket: számos illusztrált magazin szolgált a képek nyilvánosságra hozatalának módjaként. A legjelentősebb fotósok közül, akiknek alkotói útja ebben az évtizedben indult: a francia Brassai – együttműködve a szürrealistákkal, de megjegyzi, hogy „mindig a valóság kifejezésére törekedett, mert nincs szürreálisabb” [7] , Henri Cartier - Bresson a médium történetének legbefolyásosabb alakja, Robert Doisneau - a lírai, sőt szentimentális utcafotózás mestere, Willy Roni -, akit Cartier-Bressonnal és Doisneau-val [29] a "humanista" megalapítóinak tartanak. fotózás" ; az angol Bill Brandt . Népszerű az utcai fotózás , Germaine Krul „ 100x Párizs ” (1929 ), Brassai „ Párizs az éjszakában ” (1929), „ Párizs Andre Kertész szemével ” (1934), „ Éjszaka Londonban ” (1938) című könyvei. Bill Brandt által publikált.
Az USA-ban 1938-1941. Walker Evans diszkréten filmezte az utasokat a New York-i metrón, a kamerát a kabátja alá rejtve [5] ; ezek a fényképek azonban csak 1966-ban jelennek meg. Az 1930-as és 1940-es évek kiemelkedő amerikai fotóriporterére, Margaret Bourke-White -ra a szovjet fotóesztétika hatott [20] . Az 1930-as és 1970-es évek egyik legnagyobb amerikai fotóriportere, a fotóesszé műfajának alapító mestere Eugene Smith volt . Ugyanakkor Philadelphia utcáin és a háború után New Yorkban Louis Faurer [ , akit a nagyközönség kevéssé ismert, de kollégái nagyra értékelték, megjelenésében és stílusában részben a költészetet is megelőlegezte és a technikai szabadság fotózás 1950- x - 1960-as évek.
Edward Steichen , a MoMA 1947 óta kurátora 1955- ben rendezi meg a fotográfia történetének egyik legjelentősebb kiállítását, az Emberi fajt, amely a 20. század első felének humanista dokumentumfotózását foglalja össze.
USA. Az 1940-es évek eleje óta az amerikai formalizmus hagyományait az absztrakt-minimalista kompozíció felé hajló, a fényképezést spirituális gyakorlatként alkalmazó Harry Callahan , Minor White és Aaron Siskind , aki szorosan kötődik az absztrakt expresszionizmushoz . . [harminc] Az 1940-es évek vége óta a színes fényképezés úttörői Saul Leiter és Ernst Haas absztrakt-festői minőséget adnak New York utcai képeinek; hosszú expozíciót és kameramozgást, amihez a Haas gyakran folyamodik, a fekete-fehér utcai fotózásban sikeresen alkalmazza a New York School of Photography egy másik képviselője, Ted Kroner . Az 1950-es években Callahan és Siskind a Chicago New Bauhausban tanít ; Ray Metzker és Kenneth Josephson (utóbbi szintén Minor White alatt) tanult náluk , az 1960-as évek óta a „dokumentumkép absztrakt mintává alakítása” [31] felé haladnak , fejlett fekete-fehér fényképezéssel. messze ugyanabban az irányban, mint Leiter és Haas - szín.
Németország. A háború sújtotta Európában nem volt idő formális kísérletezésre, és csak a negyvenes évek végén-1950-es években Otto Steinert és az általa vezetett Fotoform művészcsoport elevenítette fel a New Vision és a Bauhaus hagyományait " Szubjektív fényképezés" .Ezzel a jelenlegivel ellentétben Berndt és Hila Becher az 1950-es évek vége óta fotózik ipari struktúrákat, örökölve az Új Objektivitás iskola objektivista megközelítését . 1976-1996-ban Bernd Becher a Düsseldorfi Képzőművészeti Akadémián tanít fényképezést , tanítványai pedig a Düsseldorfi Fotográfiai Iskolát képezik . [harminc]
Olaszország. Az 1940-es és 1950-es években Giuseppe Cavalli forgat , akinek munkáit könnyed tónus jellemzi . Az 1950-es évektől kezdve Mario Giacomelli , akire hatással volt, különféle fényképezési és nyomtatási technikákhoz folyamodott, hogy rendkívül nagy kontrasztú képeket készítsen (különösen népszerűek a papokkal készült sorozatok [6] ).
A szürrealizmus továbbra is befolyásos mozgalom. Esztétikája megmutatkozik Bill Brandt munkáiban , aki a háború után eltávolodott a dokumentarista stílustól, és az 1950-es években aktokat forgatott, amelyeket egy nagy látószögű objektív furcsán torzított [32] [31] . A fotogram technikát , amelyet a szürrealisták vezettek be a művészeti gyakorlatba, az 1950-es évek második felétől Németországban fejlesztette ki Floris Neususs . Az első amerikai szürrealistának nevezett K. J. Laughlin még az 1930-as években kezdett forgatni az USA-ban (leghíresebb könyve, a Ghosts Along the Mississippi 1948-ban jelent meg); Az Európából elköltözött Frederic Sommer 1938 foglalkozik a fotózással . Az 1950-es években az amerikaiak, Ralph Eugene Mityard és Jerry Welsman át a stafétabotot , akik szürreális hatást értek el a fotómontázs segítségével.René Magritte és más szürrealista művészek hatására Dwayne Michaels mind a formalisták, mind a domináns dokumentarista [ 33] közül kiemelkedik az 1960-as évek [34] között: képregényszerű narratív fotósorozatokat készít, és a következő évtizedben (1970-es években) az egyes fényképeket és sorozatokat is elkezdte kézzel írt szöveggel kiegészíteni. Michaels és más szürrealisták hatása Francesca Woodman 1970-es évekbeli tapasztalataiban látható.
A televíziózás fejlődésével az 1950-es években a dokumentumfotózás riportkomponense kezd fokozatosan elveszíteni jelentőségét, és előtérbe kerül a szerzői elv: az USA-ban a fotográfia formálódik "anyagilag és individualista-művészi jellegű dokumentumfilmmé. értelmezésének" [30] , miközben a közösségi anyag lefedettsége néhány marginális és korábban tabunak számító területre bővül.
Az utcai fotózás fejlődik , sok korábbi kánon alól fokozatosan szabadulnak fel. Az 1930-as években Európában, majd az 1940-es évek eleje óta az Egyesült Államokban Lisette Model többek között a híres művek között dolgozott – a nizzai Promenade des Anglais heverői gazdag lakóiról készült korai portrésorozaton 1934-ben [35] , majd az üveges "Reflections" és a modernista töredezett "Running Legs" a korai években New Yorkban; közeli, "egyenes és brutális" [30] stílusa hatással volt az amerikai fotósok következő generációjára.
Az 1950-es években a Model megközelítését William Klein és Robert Frank fejlesztette ki és radikalizálta . Fényképeiket az amatőr fénykép esztétikája különbözteti meg : természetes fény, gyakran szemetes horizont, elmosódás , szemcsésség . Mondjuk Cartier-Bressontól eltérően Klein és Franck nem törekednek láthatatlanok maradni: olykor belekerülnek a cselekménybe, rögzítve magukhoz a résztvevők reakcióit. 1956-ban Párizsban adták ki W. Klein New York-i fényképeket tartalmazó könyvét, amely gyorsan klasszikussá vált; 1960-ban - egy hasonló könyv Rómáról, 1964-ben - könyvek Moszkváról és Tokióról. 1958-ban szintén Párizsban jelent meg R. Frank "Az amerikaiak " című könyve, amely 83 fényképet tartalmaz, amelyeket az Egyesült Államok útjain tett utazás során készítettek. Klein és Frank is a fotózás időszaka után a mozi felé fordul.
Lisette Model és Robert Frank, valamint Vigi és Walker Evans az 1960-as évek amerikai fotósai referenciapontjai lettek – a „társadalmi táj” vagy „új dokumentumfilm” [37] fotózásának képviselői : Lee Friedländer , Harry Winogrand és Diane Arbus . Elődeikhez hasonlóan ezek a fotósok is kifejezett társadalmi érdeklődésről tesznek tanúbizonyságot (Diane Arbus esetében különösen a marginálisban), még egyénibb megjelenést, formai oldalról pedig az amatőr fénykép esztétikájához való erős ragaszkodást [38]. .
1947-ben Cartier-Bresson, Robert Capa és több kollégájuk megalapította a Magnum International Agency -t , egy szövetkezetet , amely fotóriportereket tömörített, akik munkája során „a szenzációs, pusztán hírhatásról az esemény személyes értelmezésére” helyezték át a hangsúlyt [20] . Hamarosan olyan jelentős fotósok csatlakoznak az ügynökséghez , mint Werner Bischof , Ernst Haas , Elliott Erwitt , Marc Riboud , René Bourri , Bruce Davidson
Az 1960-as években a riportfotózás az Egyesült Államokban válságos időszakba lépett, és a televízió támadása miatt fokozatosan elvesztette információs jelentőségét. [30] Európában a fotóriporter, különösen a hotspotokról még mindig kiemelkedő szerepet tölt be, a Magnum ügynökség stílusában készült szerzői fotóriporter hagyományát az olaszok Gianni Berengo Gardin és Romano Cagnoni , a francia Raymond Depardon ill . Gilles Caron (meghalt 1970-ben), a brit Don McCullin , a cseh Josef Koudelka és mások. Általánosságban elmondható, hogy az 1960-as évek európai fotóriportere az 1950-60-as évek amerikai dokumentumfilmjéhez hasonlóan fokozatosan „megszabadul a humanista pátosztól, az őszintén szubjektív művészi kifejezés felé halad” [20] . Vladimir Lagrange az 1960-as évek eleje óta a Szovjetunióban dolgozik . A sportfotózás mestere Lev Borodulin volt, aki az 1950-es és 1960-as években az Ogonyok folyóiratban dolgozott .
Vivian Mayer az 1950-es évek eleje óta forgat New York és Chicago utcáin , de nem publikálta fényképeit, és a hírnév csak a 21. században érte el, amikor halála után hatalmas fotóarchívumot fedeztek fel. Barcelona hátrányos helyzetű területeinek utcai életét Joan Colom az 1950-es évek vége óta diszkréten filmezte .
A Szovjetunióban az 1950-es évek végén és az 1960-as évek elején, az „ olvadás ” beköszöntével megtört a félhivatalos fotóriporter 1930-as években létrejött monopóliuma: fotóklubok nyíltak meg országszerte, és az amatőr mozgalom lett a fő. kreatív erő a fotózás fejlődésében. Az 1960-as években a dokumentumfilmes utcai fotózás dominált az amatőr fotósok körében; az 1970-es években a szerzők stíluskeresésbe kezdtek, aktívan folyamodtak a negatív és pozitív nyomtatási feldolgozásához, valamint a fotómontázshoz , és az általános társadalmi és dokumentarista irányultság megtartása mellett az időszak alkotásaiban, az egyéni szerzői elv, a „önkifejezés elve” [39] (így éppen úgy, mint az 1950-1960-as évek amerikai dokumentumfilmjeiben ).
Anatolij Boldin az 1950-es évek vége óta forgat Moszkvában , Borisz Szmelov és mások pedig az 1970-es évek eleje óta Leningrádban . Vjacseszlav Tarnoveckij , Borisz Szaveljev , Szergej Lopatjuk és Alekszandr Szljuzarev – az utolsó kivételével az ukrán Csernyivciből származó – fotózás támogatói megalakították a „Négyek csoportját”, amelynek kiállítását 1978-ban a Fotográfiai Múzeumban rendezték meg. Siauliai . Különösen erős iskolák alakulnak a szabadabb Baltikumban: Litvániában - Antanas Sutkus , Aleksandras Macijauskas , Rimantas Dikhavičius ( akt műfajban dolgozik ), Vitaly Butyrin (szürreális fotómontázsok) és mások; Lettországban - Gunars Binde és mások. [40]
Az orosz piktorializmus hagyományát az 1960-as évek közepe óta Anatolij Jerin , a hetvenes évek végétől pedig Georgij Kolosov , a Novator Moscow fotóklub tagjai folytatják . [41]
A 20. század harmadik negyedében a színes fényképezés fokozatosan elnyeri helyét a művészetben . A színes film 1930-as évekbeli sikeres fejlesztése ellenére magas költsége, mesterséges megvilágítás melletti feldolgozási és felvételi nehézségei, reklámeszközként való hírneve [42] , valamint a fotóstársadalom általános esztétikai preferenciái hosszú ideig megakadályozták a megjelenést. a színes fényképezés a művészet birodalmába.
1948-1949 között. Saul Leiter (New Yorkban) és Ernst Haas (világszerte) jelentős színes fényképek korpuszát hoz létre . 1962-ben a MoMA 10 éves retrospektívet rendez Haas munkásságáról, a múzeum első színes fotós egyéni kiállítását [43] , nem számítva Eliot Porter amerikai természettudós 1943-as kiállítását [44] . Az 1950-es évek vége óta René Bourri fotóriporter színesben forgat fekete-fehér filmmel [45] . A színes munkák azonban egyelőre kivételt képeznek.
William Eggleston , aki az 1960-as évek közepe óta készít gondosan kivitelezett stilizációkat amatőr pillanatképhez , színekkel telített és minden drámától mentes mindennapi élettel teli, 1976-ban a MoMA kiállításával jutalmazták , amely annak ellenére, hogy kritikák özöne – megszilárdítja az intézményi elismerést a színes fényképezést. Az "Új topográfia" képviselője (az 1975-ös kiállítás címe után ) Stephen Shore az 1970-es évek eleje óta fényképez színesben, nagy formátumú fényképezőgéppel , ugyanolyan hétköznapi képeket; színes munkáiból kiállítást rendeznek a MoMA -ban ugyanebben 1976-ban.
A színes dokumentumfotózás úttörői közé tartozik a japán Ihei Kimura , aki a francia főváros utcai életét mutatta be a Párizs című fotókönyvben (1974), valamint Ragubir Singh : „Singh volt az, aki visszahozta a színeket a műfajba. és az utcai fotózás az 1970-es években. Az indiai mester európaiakhoz képest kisebb hírneve azonban elgondolkodtat a „nyugati kánon” határainak átjárhatóságán” [46] .
Az 1970-es évek eleje óta a fotográfia mind kreatív környezetben, mind intézményileg közelebb került a kortárs művészethez . Az Egyesült Államok a mozgalom élén áll. Még 1940- ben nyílt meg a philadelphiai L.W. Sipley American Museum of Photography és a MoMA fotográfiai részlege , 1949-ben a George Eastman Photography Museum , a hetvenes évek eleje óta a fotográfiai részlegek máshol is megjelentek. jelentős múzeumok különböző országokban, nemzetközi fotófesztiválokat szerveznek, egyre több fotógaléria jelenik meg (korábban ritka kivételek), a fotózás aukciókra kerül. Ami az alkotói attitűdöket illeti, akkoriban - elsősorban az USA-ban - a fotóriporter társadalmi jelentősége hanyatlóban volt, ugyanakkor elméleti kételyek fogalmazódtak meg a dokumentumfotózás objektivitásával kapcsolatban - valójában már az amerikai dokumentumfilmesek számára is. 1950-1960-as évek a kamera inkább az egyéni művészi látásmód, mintsem az objektív rögzítés eszköze volt, a hetvenes években ez a szemlélet elmélyül; mindez, a kortárs művészek fotográfia iránti megnövekedett érdeklődésével párosulva, a dokumentarista szakításhoz vezet: a fotó összeolvad a posztmodernizmussal és a konceptualizmussal .
…A fényképek mostantól eredetiek nélküli másolatok . Ha korábban valóság és fénykép volt belőle, most már csak egy fénykép maradt. [47]
Az 1990-es években a digitális képfeldolgozás széles körben elterjedt . Megkezdődik a digitális fényképezésre való fokozatos átállás .
Több mint egy évszázados körök után az 1970-es évekre a művészi fotográfia visszatér a színpadi jelenetekhez, amelyekből a festészetet imitálva egykor kiindult. A híres Leika helyett manapság sok fotós – a múlt dagerrotüpíróihoz hasonlóan – nemcsak állványt és kiegészítő lámpát, hanem nagy formátumú fényképezőgépeket is használ a nyomatok óriási méretűre nagyítására, amelyeket már nem újság- és magazinoldalra terveztek. , hanem múzeumnak és galériának.
A fényképezés többféle stratégiát követ a posztmodern arzenáljából: saját természetére reflektál, utal a korai és nem hagyományos fényképészeti technológiákra vagy dokumentumfilmet játszik ; kisajátítja a kész műveket és kölcsönvesz más vizuális művészetek módszereit és témáit – és maga válik ezek anyagává és módszerévé ( fotorealizmus ); ellenkezőleg, kivonul saját vizualitásából, eszmeközvetítő eszközzé válik .
A korabeli művészi fotográfia (a konceptualisták alkotásai kivételével) legtöbbször színes.
Mozi, festészet, installáció mint módszerekMegközelítéseiben és módszereiben a posztmodern fotográfia gyakran más, régi és új vizuális művészetek útjait követi.
Film. Az 1970-es évek vége óta a kanadai Jeff Wall , aki maga is " filmesnek " nevezte módszerét [48] , gondosan megrendezett jeleneteket forgat nagy formátumú kamerával , amelyek első pillantásra dokumentumfilmnek tűnnek; Fényképeit áttetsző filmen, lightboxban jeleníti meg , és a 90-es évek óta alkalmaz digitális képalkotási technológiát. Az 1970-es évek második fele óta az amerikai Philip-Lorca Di Corsia keveri a dokumentumfilm és a színpadi fényképezés stílusát, „egyensúlyozva a kötetlen felvétel és a színpadi kompozíció figurativitása között, játszva a természetes és mesterséges fénnyel” [49]. : első sorozatának (" Egy mesekönyves élet ", " Család és barátok ", 1970-es évek—) felvételei színpadra kerültek, de dokumentumfilmnek stilizálva, majd később, véletlenszerű járókelők forgatásakor rejtett fényforrásokat használt, így a fotónak egy hangulatot ad. festői-filmes hatás (" Streetwork ", 1993-1999) és egyének kiragadása a tömegből (" Heads ", 2000-2001). [50] Az amerikai Gregory Crewdson az 1990-es évek óta rendez és forgat nagy formátumú kamerával jeleneteket Amerika külvárosi életéből - csipetnyi szürrealitással, filmes cselekményekkel és gondos megvilágítással, olykor híres színészek bevonásával - a szerző, "filmek egy képkockában" ; a 2000-es évektől digitális feldolgozási technológiákhoz is folyamodott, A rózsák alatt című sorozatát (2003-2005) pedig technikában és stílushatásban az 1850-es években kompozit nyomtatást alkalmazó O. G. Reilander munkáihoz hasonlítják . [51]
Festmény. Az amerikai Joel-Peter Witkin az 1970-es évek óta készít megrázó , testiséggel, deformációval és halállal teli fotófestményeket, örökölve a szürrealistákat, a 19. század fotóit és a barokk kor festészetét .
A fotósok a festészet hagyományos műfajait fedezik fel , amelyekre ez utóbbiak nagy hatással vannak. Az 1990-es évek eleje óta a holland Rineke Dijkstra nagy formátumú fényképezőgéppel és vakuval egészalakos portrésorozatot készít, amelyet August Zander , Diana Arbus, régi mesterek munkáihoz hasonlítottak ; különösen híres a korai "Beach Portraits" című sorozat tinédzserekkel [52] . A német Loretta Lux a 2000 es évek óta készít eredeti gyermekportrékat, fényképeket digitálisan dolgoz fel és manipulál, és esetenként festett hátterekkel egészíti ki. Az 1990-es évektől a csendéleteket a kanadai Laura Letinsky fényképezte , akire hatással volt a flamand és olasz festészeti hagyomány [53] ; a 2000-es évek óta - Uta Barth Németországból. A városi, mesterséges, mesterséges kilátások a táj uralkodó formáivá válnak. 1975- ben az Egyesült Államokban rendezték meg a "New Topography" című nagy hatású kiállítást , amely ezt a tendenciát jelezte. Az emberi kéz által átalakított tájakat az 1980-as évek óta a kanadai Edward Burtinsky távolította el .Andreas Gursky , a düsseldorfi fotográfiai iskola képviselője az 1990-es évek óta készít hatalmas, gondosan számítógépes fényképeket, amelyek általában magasról készültek, és "a modern globalizált mindennapok világát" ábrázolják [54] , ami rekordot döntött. árak az aukciókon. [55] Andreas Gefeller megközelítése közel áll , számítógépes feldolgozást használva olyan ember alkotta tájak nézeteit hozza létre, amelyek a hétköznapi látás számára hozzáférhetetlenek: például az Observations sorozatban (2002-2009) [7] , összefűzve. sok, a földről számítógéppel készített kép, felülnézetet kap "egy a valóságban nem létező pontról" [56] . A 2000-es évek eleje óta a német Michael Wolf és az olasz Olivo Barbieri fotózza a városi környezetet, és az objektív eltolásával és megdöntésével miniatűr modellek megjelenését kölcsönzi a magasból készített jeleneteknek .
Festői hatást ad a tájnak a hosszú expozíció : akár 20 perces záridővel, nagy formátumú fényképezőgéppel, éjszaka kihalt városképeket lő a kilencvenes évekből Ruth Blis Luxembourg [57] ; A brit Darren Almond 1998-ban indította el a Full Moon sorozatot , hagyományos tájképeket fényképezett telihold alatt 15 perces vagy hosszabb expozícióval [58] . Még lassabb záridőt és egyéb nem szokványos technikákat az 1990-es évek óta alkalmaznak a tájkép, portré és csendélet hagyományos műfajaiban Michael Wesley , Chuck Close , Gary Schneider , Richard Learoyd , Chris McCaw és mások.
A fotográfia sem akar lemaradni az absztrakt festészet mögött . Az absztrakt képek létrehozásának népszerű módszere az életlen lövés: ezt az utat követte az 1990-es években a német Uta Barth , aki így szétbontja a természet és a belső nézeteket (" Háttér ", 1992-1997), Az amerikai Bill Armstrong és Mondrian által befolyásolt Gaston Bertin [ 8 ] , akik reprodukciókból és színes papírból faragják kompozícióikat ; [59] Egy másik megközelítés a kép elmosása lassú záridővel, például Gabor Oz [60] [61] . Az absztrakt színes képek - kemigramok és kemogramok , luminogramok és cianotípiák - kamera használata nélkül jönnek létre .
Telepítés. Egy másik irány a térbeli objektumok és jelenetek létrehozása ezek későbbi fotózásához. Sandy Skoglund az 1970-es évek óta a szürrealizmushoz közel álló módon dolgozik az Egyesült Államokban: összetett installációkat készít, majd fényképez , gyakran ismétlődő tárgyakkal. Az 1970-es évek közepe óta James Kasebere belső terek és egész városrészek modelljeit tervezi és forgatja A német Thomas Demand az 1990-es évek óta készít papírból és kartonból - általában valamilyen magazin fényképéből -, majd nagy formátumú kamerával természetes belső tereket, gyakran történelmileg jelentős helyiségeket fényképezett (például az 1994-es fényképhez). "Szoba" - egy felrobbantott szoba modellje, ahol az összeesküvők Hitlert kísérelték meg ). Vladislav Efimov művész és fotós az 1990-es évek óta fotózza szeszélyes tárgyait és installációit. A brazil Vik Munis az 1990-es évek óta fotózza rövid életű "hulladékfestményeit".
A fotózás land art tárgyak , valamint performanszok , történések és a kortárs művészet hasonló jelenségeinek megörökítésére szolgál; például az amerikai Spencer Tunick az 1990-es évek óta szervez és fényképez meztelen emberek százait és ezreit tömörítő flash mobokat .
Idézés, kisajátítás, konceptualizmusA fényképezés szívesen folyamodik a posztmodern olyan általános stratégiáihoz, mint az idézet, a kisajátítás és a konceptualizmus .
Idézet. Nemcsak a módszerek, hanem a témák, a konkrét tartalmak is, a fotózás gyakran adósa híres vásznaknak, ritkábban filmeknek vagy fotós alkotásoknak. A már említett Jeff Wall művei gyakran tartalmaznak utalásokat a klasszikus festményekre. Az amerikai Cindy Sherman „ Állóképek cím nélküli filmekből ” (1977-1980) fotósorozaton forgatja magát, amelyeket nem létező filmek képkockáinak stilizálnak.A " Történelmi portrék " (1988-1990) fotósorozatban pedig a hamis testrészeket használó Sherman régi mesterek festményeiből [62] modellként jelenik meg (a japán Yasumasa Morimura is készít hasonló műveket ). Az 1990-es években Andrey Chezhin forgatja a "Gomb és modernizmus" című ciklust – utalva a klasszikus festményekre és fényképekre. Az amerikai Sharon Core a 2000-es évek Raphael Peel csendéleteit , Wayne Thiebaud és más festők vásznait alkotja újra fényképein. Vadim Gushchin a 2010-es években minimalista csendéleteket – az ő szavaival élve „szubjektum absztrakciókat” – forgat, megtestesítve a szuprematizmust a színes fényképezésben [63] .
Előirányzat. Gyakori stratégia, hogy a „talált” névtelen (amatőr vagy archív) fényképeket, sőt más szerzők műveit is beépítik saját művészi kontextusba . [64]
A már említett –mellett]enLevineSherriésPrinceRichard,Barbara KruegerkisajátítókCindy Sherman, After Walker Evans sorozatában (1981) – valaki más fényképeit. Bill Armstrong az 1990-es évek óta kollégiálja híres festmények vagy fényképek reprodukcióinak töredékeit, és életlenül fényképez újra; ugyanezen 1990-es években az Egyesült Királyságban Emmanuel Perdon (sz. 1965) életlen női arcokat fényképez régi festményekről. [66] A 2000-es évek óta egy másik brit , Idries Khan egyetlen többrétegű képpé tömöríti a kölcsönzött képeket – Becherek összes gömb alakú gáztartályát [ ⇦ , a Korán összes oldalát stb. az absztrakt és a figuratív határvonal . Az underground szovjet fotográfiában is találunk kisajátítást : például Borisz Mihajlov kézzel színezett amatőr fotókat talált, új jelentést rétegezve (Luriki, 1971-1985) [67] . A tiszta kisajátításra példa Alexei Shulgin Alien Photos (1987) című filmje [68] . Andrey Chezhin az 1990-es években nyomtatáskor átalakítja a talált amatőr negatívokat, képeket készítve kedvenc karakterének, a gombnak a közreműködésével .
A digitális forradalom új lehetőségeket nyit meg .Az 1980-as évek vége óta Thomas Ruff , a düsseldorfi fotográfiai iskola képviselője digitálisan átalakítja mások képeit – az űrről készült tudományos képektől az internetről származó pornográfiáig. 1998 óta a francia művész, Orlan Self-Hybridization sorozatában digitálisan egyesíti arcát indiánok portréival, afrikai maszkokkal, szobrokkal és a Kolumbusz előtti Amerika maszkjaival. A 2010-es évek fordulóján, a Google Street View szolgáltatás megjelenésével néhány fotós – Michael Wolf , John Rafman – elkezdett kölcsönözni képkockákat automatikusan rögzített utcaképekből.
konceptualizmus. A kisajátítás a konceptuális művészet egyik módszere , amelynél fontosabb a megtestesült ötlet, mint a közvetlen esztétikai benyomás.
Kenneth Josephson az 1960-as és 1970-es években forgatja legnépszerűbb sorozatát " Fotók a fényképekben ".San Diegóban megalakult egy befolyásos csoport : az 1960-as évek végén Martha Rosler feminista és háborúellenes fotókollázsokat készített kisajátított magazinok képei alapján (" A szép test, vagy a szépség nem ismer fájdalmat " sorozat, 1966-1972; " Gyönyörű ház: háború házhoz szállítással ", 1967-1972) [69] ; Eleanor Entin 50 pár csizmát tartalmazó képeslap-sorozatot [70 ] küld ki egy epikus utazásra az Egyesült Államokban (" 100 Boots ", 1971-1973).
A fotográfiát a radikális konceptualista kijelentések eszközeként is használják. Így Ed Ruscha művész az 1960-as években egyszerű tárgyakat katalogizál a 26 benzinkút (1962) és mások című fotókönyvében. Douglas Huebler 10 fényképből álló sorozatot készített 1969-ben: a Central Parkban állt, és valahányszor madárcsicsergést hallott, a hang irányába készített képet; a következő évben 12 fényképből álló sorozatot állított ki, amelyek kétpercenként készültek, miközben az úton haladt. Christopher Williams „ Angolától Vietnamig sorozata (1989) a Harvard Természettudományi Múzeumból származó üvegvirágok 27 fényképéből állt , amelyek olyan országokban honosak, ahol 1985-ben politikai eltűnések történtek [71] . A német Wolfgang Tillmans 56 alkalommal forgatta a Concorde -ot 1997-ben .
A fényképek párosulnak szövegekkel – például John Baldessari " Wrong " (1966-1968), Keith Arnatt (" Trouser-Word Piece ", 1972-1989 [10] ) [72] című sorozatában , a híres műben. Martha Rosler: " Bowery in two inadekvát leírási rendszerben " (1974-1975), Duane Michaels ; videószekvenciával - mint Eleanor Entin (" Caught Red-handed ", 1973) [73] .
Az 1980-as években a konceptualizmus a szovjet fotográfiában is elterjedt: a fényképek és a fotós keze által talált vagy beírt szövegek kombinálásának különféle lehetőségei találhatók például Vlagyimir Kuprijanovnál („In Memory of Puskin”, 1984; „Ne utasíts el engem az arcod ...”, 1990; stb.), a moszkvai " Indirect Photography " csoport tagjainak munkáiban Borisz Mihajlov , Ilja Piganov , Igor Mukhin és mások. [74] Ennek a csoportnak egy másik tagja, Szergej Leontyev forgatja a "Tapasztalatok a kemény fotózásban" című programsorozatot (1988) [75] .
Az 1990-es és 2000-es években konceptualista művek is megjelentek, például Gillian Waring ("Jelek, amelyek azt mondják, amit te akarsz mondani, és nem azt, amit mások hallani akarnak tőled" sorozat, 1992-1993; "Album", 2003).
Fotóalapú művészetAz 1950-es és 1960-as években a kortárs művészet képviselői a fényképezést más anyagokkal és technikákkal kezdték kombinálni műveikben, például Robert Rauschenberg , Andy Warhol , Gerhard Richter , az 1970-es évektől Gilbert és George és mások. Az 1960-as évek óta Robert Heineken konceptualista a tömegkultúráról alkotott képeket – magazin- és televízióképeket – kollektív: "Átfedés, egymás mellé helyezés és más kontextuális változtatások segítségével vizuális gerillaként viselkedem" 76] . Lucas Samaras , a " Phototransformations " sorozatban (1973-1976) Polaroid fényképeket dolgoz fel úgy, hogy a fejlesztés során az emulzióra hat; David Hockney az 1980-as években hatalmas kubista kollázsokat állít össze több tucat polaroidból. A már említett Barbara Krueger az 1970-es évek vége óta a konstruktivisták szellemében alkalmaz tipográfiát a reklámból és a médiából kölcsönzött fényképeken , plakátstílusban . Oroszországban Ilja Piganov , Mihail Ladeiscsikov , az AES+F művészeti csoport és mások az 1980-as évek óta készítenek fényképeken alapuló alkotásokat .
Közeledés a dokumentumfotózáshozNémileg elmosódnak a határok a művészi és a dokumentumfotózás között. Először is, a színpadi fényképezést dokumentumfilmnek stilizálják ( Jeff Wall , Philip-Lorca Di Corsia ) . Joan Fontkuberta és Waleed Raad konceptualista áldokumentum alkotásokat hoz létre. [77] Másodszor, művészi technikákat használnak az utcai lövöldözésben : ugyanaz a Philip-Lorca Di Corsia rejtett mesterséges fényt használ; Alexey Titarenko lassú zársebességet és kameramozgást használ [78] ; Paul Graham az " American Night " című sorozatában (1998-2002) erősen túlexponált képeket a szegény városrészekről, stílusos kommentárt adva a társadalmi egyenlőtlenségről [79] . A riportfotó oldaláról észrevehető a szembejövő forgalom.
Korai és nem szokványos technológiákSzéles körben elterjedt a fényképezés fényképezőgép segítsége nélkül. A belga Pierre Cordier 1956-ban feltalálja és elkezdi használni a kemigramot absztrakt képek készítésére – a fotópapír különféle vegyszerekkel történő feldolgozásának folyamatát ; 1974-ben a német Josef Neumann a folyamat módosítását kemogramnak nevezi . Robert Rauschenberg még 1950-1951-ben. kísérletezés a cianotípiával ; a 2000-es években Christian Marclay visszatér hozzá – egy elvontabb változatban . A fekete-fehér és színes fotogramok művészi lehetőségeit az 1970-es évektől az amerikai James Welling , a 80-as évektől a brit Susan Durges (a fotópapírt holdfényben folyóvízbe meríti) és Adam Fass , az 1990-es évek óta – a brit Christopher Bucklow és még sokan mások. Az absztrakt színes luminogramokat - egyfajta fotogramot - az 1990-es évektől Harry Fabian Miller , a 2000-es évektől pedig Wolfgang Tillmans és Walid Beshti készítette . [80]
Az 1990-es években érezhetően újjáéledt az érdeklődés a különböző korai és nem hagyományos fényképészeti technológiák iránt. A rajongók újjáélesztik a dagerrotípiát , mivel az erős fényforrások lehetővé teszik a hosszú záridő nélkül, mint korábban – például Chuck Close művész portrékat készít ezzel a technikával [81] ; mások a nedves kollódiumhoz fordulnak , például Sally Mann tájképekhez. És Abelardo Morell , Vera Lutter és Gabor Oz elkezdik rögzíteni azokat a képeket, amelyeket egy még ősibb camera obscura ad , az elsötétített szobákat az utolsókká változtatva; A 2000-es évek óta a brit Richard Learoyd ugyanazt a technikát alkalmazza , így nagy formátumú portrékat és rendkívül éles csendéleteket készít [82] .
Kísérleteznek az objektív nélküli fényképezőgéppel való fényképezéssel is . [83]
Az 1970-es és 1980-as években a japán Hiroshi Sugimoto és Hiroshi Yamazaki ( lásd ) Bresson „döntő pillanata” helyett hosszú expozícióval forgattak , és az idő múlását örökítették meg a képen. Az 1990-es években a német Michael Wesley ezt a megközelítést alkalmazza a szélsőségekhez, csendéleteket, természeti és városi tájakat fényképez egy speciálisan kialakított, falra szerelt felvétellel , ultrahosszú, több naptól több éves expozícióval. A dél-afrikai Gary Schneider , aki az 1990-es és 2000-es években az USA-ba költözött, 8 perc (Heads sorozat, 1989-től) egy órás expozíciós portrékat készít egész alakos portrékhoz (Aktok, 2001-2005) , teljes sötétségben, lassan mozgatva egy gyenge fényforrást a modell körül. A 2000-es évektől fotós, Chris McCaw [11] lehetővé teszi a napnak, hogy néhány óra alatt szó szerint égesse el a pályát egy fotóemulzióban, és használja a szolarizációs hatást . [84]
Az 1970-es évekre az Egyesült Államokban a riportos fotóriporterek nagyrészt kimerültek, leálltak, elveszítették a tévét a közönség és a reklámbevételek miatt, a Life és más fotóriporterek. A galériák, múzeumok és könyvkiadványok válnak a dokumentumfotózás fő felvevőjévé. [85]
Ennek az időszaknak a dokumentarista fotográfiája sokrétű: különböző arányban keveri a szerzői és riportszerű, és esztétikai elveket, kisebb-nagyobb mértékben felhasználja és fejleszti az 1950-1960-as évek leleteit, üdül vagy nem folyamodik a színekhez (feketéhez). és a fehér kép ugyanolyan népszerű, mint a színes, legalábbis a digitális kor megjelenéséig).
Dokumentumfilm válságMegkérdőjeleződik a fénykép dokumentumszerű tisztasága, „igazsága”.Az USA-ban a The San Diego-i csoport [86] tagjai kreatív gyakorlatban ( Martha Rosler , " Bowery in two inadekvative system of description ", 1974-1975; Eleanor Entin , " Red-handed ", 1973) [73] ) és elméleti cikkek [87] bírálták a hagyományos dokumentumfotózást, amely magát humanisztikusnak és tárgyilagosnak vallja, különösen a társadalmi dokumentumfilm készítést azzal a tendenciával, hogy „szembeszálljon a mi felünkkel és a másik felünkkel , középosztálybeli és alsóbbrendű . osztály , én és mások” [ 88] ; Valójában a fényképezés – írják – nem annyira protokoll, mint inkább kifejező, a fényképezés megértését az a kulturális kontextus határozza meg, amelyben készítették és észlelték, és „az absztrakt emberiség diadala minden politikai helyzetben a fotográfia diadalává válik. passzív áldozat méltósága” [89] . Ezt a dokumentumkritikát Susan Sontag folytatta a fényképezésről című gyűjteményben (1977) és különösen a későbbi , Mások szenvedéseit nézve (2003) című művében.
A valódiság kérdését a maga részéről súlyosbította a digitális forradalom , amely a személyi számítógépek megjelenésével kezdődött az 1970-es évek végén és az 1980-as évek elején, és korlátlan lehetőséget biztosított a kép manipulálására . A digitális manipuláció első nagy horderejű esete Gordon Gahan 1982. februári National Geographic fényképe , amelyen két egyiptomi piramis egymáshoz tolva, hogy elférjen egy függőleges burkolaton . A prominens mexikói dokumentumfilm-rendező , Pedro Meyer , aki az 1960-as évek eleje óta forgat, az 1990-es évek elején áttér az anyagának digitális manipulálására, és ragaszkodik ahhoz, hogy az „tapasztalatot” [91] dokumentáljon , ne pedig tényeket, és hogy a fotózás, amelyben például egy utcai jelenet két egymást követő felvételének elemeit ötvözi, nem több és nem kevésbé „igaz”, mint a hagyományos dokumentumfilm, keretkonstrukciójával, pózolási és színpadi elemeivel, keretezéssel , nyomdai feldolgozással stb. [92 ] .
Elkötelezett dokumentumfilmekA humanista dokumentarista fényképezés hibáinak leküzdésének egyik változata őszintén szubjektív, bevont dokumentumfilmmé válik. 1963-tól Larry Clark fotózta szülővárosa fiataljait – a barátait, akikkel időt tölt –, és drogok, fegyverek és szex tölti be elismert fotókönyvének, a Tulsa 1971) lapjait. Nan Goldin az 1970-es évek óta fejleszti ezt a megközelítést: amatőr stílusú fényképei egyfajta naplók, az LMBT közösségben , a kábítószer-függők körében megélt személyes tapasztalatok tükröződése. Az 1980-as évek végén és az 1990-es évek elején a német ifjúsági kultúrát a német Wolfgang Tillmans írta meg .
A családi fotózás is ehhez az irányhoz köthető, és ha az 1960-as évek második felétől fotózkodó Emmett Gowin , vagy a nyolcvanas évek második felében készült Sally Mann képein gyűjtötte Az " Azonnali család " című könyvben a modellek gyakran a kamerába néznek, majd a gyermekeit a 2000-es évek második fele óta filmező Alain Laboile " Család " című nagyszabású sorozatában a fotós beavatkozása minimális.
Közeledés a művészi fotózáshozEgy másik irányzat, amint már említettük , "túllép a riport- és művészi fényképezésre való felosztáson" [31] .Az 1970-es évektől napjainkig a dokumentumművészet hagyományát, beleértve a szociális művészetet is, a legnagyobb brazil fotós , Sebastian Salgado folytatta , akinek lencséje alatt egy fekete-fehér riportfotó epikus „fotó-képpé” alakul át. ” [31] ; Susan Sontag az említett 2003-as könyvben szemrehányást tesz neki az erőszak esztétizálásáért és az impotencia kijelentéséért, "hamisan humanista retorikával". Ezzel szemben az ironikus brit Martin Parr , aki rendkívül távol áll mind az esztétikai, mind a humanista pátosztól, az 1980-as évek óta feltűnő színben mutatja meg „az emberi lét csúnya és nevetséges oldalát” [93] .
vonalát folytatva a színes dokumentumfotózás formaesztétikáját az 1960-as évektől Harry Gruyer , a hetvenes évektől Georgy Pinkhasov szovjet-francia fotós fejleszti . Az 1990-es évek óta az ausztrál Trent Park színes és fekete-fehér alkotásokat is készít hasonló stílusban .
Adam Brumberg és Oliver Chanerin a 2000-es évek eleje óta a dokumentarizmus és a konceptualizmus határán dolgoznak ; a katonai fotóriporter elfogultsága elleni konceptualista tiltakozásul fényképezőgépek nélkül utaztak Afganisztánba , és egy 6 méteres tekercs fotópapírt 20 másodpercre napfénynek tettek ki (The Day No One Died, 2008) [94] .
A 2000-es években Alec Soth országszerte tett utazásai során egy nagy formátumú kamerával "sajátos, bájosan hétköznapi képeket készít a modern Amerikáról" [95] . A fényképezéshez való közeli és az anyaggal ellentétes megközelítést bizonyítja a dél-afrikai Peter Hugo , aki ugyanezekben az években utcai portrékat készít, afrikai országokban „marginális vagy szokatlan embercsoportokat” [96] forgat . amit éppen abban a kukkolásban és egzotikusságban rónak fel neki [97] , amely ellen például Erik Prasetya felszólal . A szintén Dél-Afrikában forgatott amerikai Roger Ballen az 1970-es és 1990-es években egyre nagyobb érdeklődést fedez fel a marginális karakterek iránt Diana Arbus stílusában , mígnem a 2000-es évek fordulóján teljesen felhagy a dokumentumfilmmel, és a szürreális képek felé fordul.
FotóriporterAz elméleti viták ellenére a hagyományos riportfotózás új neveket szül. Az 1970-es évek óta dolgozik Antonin Kratochvil cseh-amerikai fotóriporter – merész kísérletező a társadalmi , katonai és más dokumentumfilmek, valamint a portréfotózás területén. A háborúkat és konfliktusokat az 1970-es évektől a francia Gilles Perez , a nyolcvanas évektől az amerikai Steve McCurry , az 1990-2000-es évektől a francia Alexandra Bula forgatja . Az 1980-as években a társadalmi és katonai dokumentumfilmesek sorát a francia Luc Delaier , az amerikai James Nachtwey , a 90-es években pedig az amerikai Stanley Greene egészítette ki . Az 1990-es évek óta az amerikai Fazal Sheikh (általában portrékat készít), a 2000-es évektől az amerikai Manuel Rivera-Ortiz foglalkozik társadalmi dokumentumfilm készítéssel a világ problémás vidékein . Szergej Maksimiszin fotóriporter a 2000-es évek óta dolgozik Oroszországban .
A divat- és celebfotózás, amely önmagában is kommersz, egyes szerzők munkáiban együtt él, és olykor határos a képzőművészeti fotózással. 1854- es megjelenéséből ered , a divatfotózás a 20. század eleje óta alakult műfajként. A kereskedelmi fotózást minden létező irányzat befolyásolta – a festészettől a modernizmusig, a szürrealizmusig, majd a fotóesszéig stb. A nagy divat- és hírességfotósok közül többek között Edward Steichen (1923-1938 között) és Man Ray shot . A műfaj további mesterei: a 19. század vége óta Adolf de Meyer báró festőművész , az 1920-as évektől — Georges Goyningen-Hühne báró , Cecil Beaton , az 1930-as évektől Horst P. Horst , Erwin Blumenfeld , Martin , az 1940-es évektől - Irvine Penn , Richard Avedon , az 1950-es évektől - Guy Bourdain , az 1960-as évektől - David Bailey , az 1970-es évektől - Helmut Newton (aki korábban is forgat, de a hetvenes évek eleje óta - radikálisan erotikus módon) . [98] Az 1940-es évektől élete végéig Arnold Newman a portréfotózás műfajában dolgozott, természetes környezetben, amit ő talált ki . A portréművészet mestere az 1940-es és 1980-as években Yusuf Karsh volt .
Ahová a fotózás fősodora került, mindig is akadtak olyan mesterek, akik Susan Sontag szavaival élve „megszállottságukba zárkóztak (mint Lewis Carroll a lányokkal vagy Diana Arbus a halloween-ünnepekkel)” [99] . Wilson Bentley (és Oroszországban - Andrey Sigson ) a 19. században mikroszkóp alatt fotózta a hópelyheket. Karl Blossfeldt egy saját készítésű fényképezőgépet használva növények makrofotózásával foglalkozott; munkája először 1928-ban jelent meg az Urformen der Kunst című könyvben . Lennart Nilsson az emberi test ereit és belső üregeit vizsgálta meg lencséjével; az emberi embriókról az anyaméhben készült fényképeit az A Child Is Born (1965) című könyvben gyűjtötték össze. Harold Egerton kifejlesztett egy technikát a nagysebességű fényképezéshez, amellyel megörökítette egy csepp tej esését, egy golyó repülését, egy nukleáris robbanás első ezredmásodpercét és még sok mást; az 1930-as évek végétől Gyen Mili együttműködött vele , valamint Edgerton, aki a stroboszkóppal készített fényképekről ismert .
Az 1970-es évek eleje óta dolgozik Abbas Attar iráni fotóriporter
Shahidul Alam fotóriporter az 1980-as évek eleje óta forgat Bangladesben
Nick Ut vietnami fotóriporter1972-ben készítette a híres fotót "The Horror of War" ("Napalm in Vietnam").
Alex Baluyat filippínó fotóriporter az 1980-as évek óta dolgozik. [100]
Erik Prasetya indonéz utcai fotós 1997-ben dolgozott Salgaduval , és miután sokat tanult, jórészt ellentétes megközelítéshez jutott – a „banális esztétikájához” [101] ; Jakarta című könyvének előszavában. A Banal esztétikája" (2011) Firman Ishsan azt írja, hogy Prasetya "kritizálta a hagyományos esztétikai megközelítést, megjegyezve, hogy a legtöbb fotós középosztálybeli esztétikája a kukkolás vagy romantika felé hajlik , ha nem egzotikumra, olyan helyzetre, amelyet a fotósnak le kell küzdenie, amikor lövöldözés az "igazsághoz" [102] .
Che' Ahmad Azhar maláj fotós Kuala Lumpurban a 2000- es évek.
A szingapúri konceptualista , John Klang az „Idő” című sorozatban (2009) szakadt és ragasztott fényképekből készít kollázsokat.
A közvélemény és a művészettörténészek érdeklődése a történelmi és művészi értékű régi fényképek hamisításának problémája iránt 1978-ban pert indított Graham Ovenden művész és Howard Gray fotós ellen. A korai viktoriánus fényképezés stílusában és technikájában készítettek fényképeket, és egy soha nem létező fotósnak tulajdonították, aki állítólag az 1840-es években élt, Francis Hetlingnek . Ezeket a fényképeket a Londoni Portré Galériában állították ki, majd magángyűjtőknek adták el. A bíróság felmentette a hamisítókat [103] .
A fotótörténészek és a szakértők kénytelenek voltak beismerni, hogy Francis Hetling esete a régi fényképek hamisításának könnyűségét bizonyítja: „Nincs olyan történelmi fényképezési folyamat, amelyet ma ne lehetne reprodukálni” – mondta Isabelle Anscombe művészettörténész [103] .
![[2]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Allie_Mae_Burroughs.jpg){kind=link}
![[3]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Farmer_walking_in_dust_storm_Cimarron_County_Oklahoma2.jpg){kind=link}
![[4 ]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Arthur_Rothstein_-_The_bleached_skull_of_a_steer,_South_Dakota_Badlands,_1936.jpg){kind=link}
![[6]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Giacomell_series_Priests.jpg){kind=link}
![[1]](https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carleton_E._Watkins,_Late_George_Cling_Peaches,_1889,_Albumen_silver_print,_32.8_x_50.3_cm,_MoMA,_896.2010.png){kind=link}
