Bölcs, Robert

Az oldal jelenlegi verzióját még nem ellenőrizték tapasztalt közreműködők, és jelentősen eltérhet a 2022. április 10-én felülvizsgált verziótól ; az ellenőrzések 8 szerkesztést igényelnek .

Robert Wise
Robert Wise
Születési név	angol  Robert Earl Wise
Születési dátum	1914. szeptember 10.( 1914-09-10 ) [1] [2] [3] […]
Születési hely	Winchester , Indiana , Egyesült Államok
Halál dátuma	2005. szeptember 14.( 2005-09-14 ) [2] [4] [3] […] (91 éves)
A halál helye	Los Angeles , Kalifornia , USA
Polgárság	USA
Szakma	filmrendező , filmproducer
Karrier	1942-2003
Díjak	Az Amerikai Rendezők Céhe díj AFI Career Achievement Award [d] ( 1998 ) Sztár a hollywoodi Hírességek sétányán Irving Thalberg-díj ( 1967 )
IMDb	ID 0936404
Médiafájlok a Wikimedia Commons oldalon

Robert Earl Wise ( Eng.  Robert Earl Wise , 1914. szeptember 10. [1] [2] [3] […] , Winchester , Indiana – 2005. szeptember 14. [2] [4] [3] […] , Los Angeles , California ) amerikai filmrendező, producer és filmvágó. Hosszú, 1933-tól 2000-ig tartó filmes karrierje során Wise négy Oscar-díjat nyert a West Side Story (1961) és a The Sound of Music (1965) című filmekben, és mindegyik film két-két díjat hozott neki – mint a legjobb rendező és producer . a legjobb képért . Ezen kívül Wise három Oscar-jelölést is kapott: a " Citizen Kane " (1941) című filmért a legjobb filmvágónak, az " Élni akarok!" "(1958) - mint a legjobb rendező, és a " Gyúscsónak " (1966) film esetében - producerként a legjobb filmért.

Wise többi filmje közül a legjelentősebbek a "The Body Snatcher " (1945), a " Born to Kill " (1947), a " Setup " (1949), " The Day the Earth Stood Stood " (1951), " Adminisztratív hatalom ". (1961), " Valaki fent szeret engem " (1956), " Gyenlj, menj mélyre " (1958), " Fogadás a holnapra " (1959), " The Haunting of Hill House " (1963), " The Andromeda Strain " " (1963) és a Star Trek: The Movie (1979).

Munkája során Wise-t a gondos felkészülés, a szigorú fegyelem, a szervezettség és az a törekvés jellemezte, hogy a megállapított költségvetésen belül a legjobb eredményt érje el. Wise munkásságára jellemző volt a sokféle műfaj, amelyben sikereket ért el, legjobb filmjei között vannak horrorfilmek, noir filmek, westernek, katonai szalagok, sci-fi filmek, musicalek és melodrámák. Egyes festményei akut társadalmi-politikai kérdésekkel foglalkoznak, beleértve a háború- és gyarmatiellenes irányultságúakat, érintik a faji kapcsolatok, a menekültproblémák, az utcai bűnözés, a nők társadalmi helyzete és attitűdök témáit. a halálbüntetés felé.

Wise 1971 és 1975 között az Amerikai Rendezők Céhének elnöke volt , 1985 és 1988 között pedig az Academy of Motion Picture Arts and Sciences elnöke volt .

Korai élet

Robert Earl Wise 1914. szeptember 10-én született Winchesterben , Indiana államban , egy hentes fiaként [5] [6] [7] [8] [9] . Nem sokkal később a család az Indiana állambeli Connersville - be költözött , ahol Wise középiskolába járt. Kedvenc időtöltése ebben az időszakban a mozi volt, hetente három-négy alkalommal járt moziba [10] [7] . Különösen kedvelte az idősebb Douglas Fairbanks közreműködésével készült kalandfilmeket [6] . Ezenkívül Wise szerette az újságírást. Gimnáziumban humoros és sportrovatot írt az iskolaújságba, emellett tagja volt az iskolai évkönyv szerkesztőbizottságának és tagja volt a versmondóklubnak is [11] [6] [7] .

Az iskola befejezése után 1931-ben Wise az Indianapolis melletti Franklin városában lévő főiskolára ment , ahol újságírást kezdett tanulni [7] [6] [12] . A nagy gazdasági világválság 1933-as kitörése miatt azonban Wise kénytelen volt otthagyni a főiskolát, és munkát keresni [5] [7] [8] [6] . Ugyanebben az évben bátyja, David, aki néhány évvel korábban Hollywoodban dolgozott az RKO Pictures számviteli osztályán , talált Wise-nak egy futár állást [5] [6] [7] [13] [8] [9] .

Filmes karrierjének kezdete az RKO Picturesnél 1933-1942

1933-ban Wise az RKO Picturesnél kapott állást futárként a hangszerkesztő osztályon heti 25 dolláros fizetésért, ahol "elkezdte szállítani a filmeket a néző- és vágóstúdiók között" [6] [7] . Wise új szakmájának tökéletes elsajátítására törekedett, és alaposan tanulmányozni kezdte a hangeffektusokat és a zeneszerkesztést [14] [5] [7] [6] [8] . 1934-1935-ben hangszerkesztőként (nem hitelesített) részt vett a " The Burden of Human Passions " (1934) című drámában, Bette Davis -szel a címszerepben és John Ford " Informátor " című filmjének politikai drámájában. (1935). Miközben Fred Astaire -rel és Ginger Rogersszel a „ Merry Divorce ” (1934) és a „ Cylinder ” (1935) musicaleken dolgozott , Wise találkozott a stúdió vezető szerkesztőjével, William „Billy” Hamiltonnal , és hamarosan komolyan elkezdett foglalkozni a filmvágással az ő felügyelete alatt. [15] . 1935-ben kísérletként Hamilton a Wise-zal együttműködve elkészített egy 10 perces filmet, az Utazás a Fidzsi-szigetek országán címmel, amely teljes egészében egy befejezetlen játékfilm felvételeiből állt, és ezt a munkát nagyra értékelte a stúdió vezetése [14] ] .

Wise első filmje Hamilton alatt a Winter's Threshold (1936) volt, egy krimi melodráma Maxwell Anderson Broadway-darabja alapján . Ezt követően Hamilton tanítványaként (nem hitelesített) Wise olyan filmek vágásában vett részt, mint a Stage Door (1937) című vígjáték Katharine Hepburnnel és Ginger Rogersszel, a romantikus vígjáték Rogers Having a Wonderful Time -val (1938), musicalek Astaire és Rogers „ Carefree ” (1938) és „ The Story of Vernon and Irene Castle ” (1939) [14] [7] . Wise először szerepelt szerkesztőként Hamilton mellett William Dieterle The Hunchback of Notre Dame (1939) című történelmi drámájában és Rogers A lány a Fifth Avenue-ról című romantikus vígjátékában (1939) [16] [7] . Wise első önálló munkája szerkesztőként a „ Szingli anya ” (1939) romantikus vígjátékok voltak Rogers és David Nivennel , „ Kedvenc feleségem ” (1940), Cary Grant és Irene Dunn közreműködésével , a „ Tánc, lány, Tánc ” (1940) Maureen O'Harával és William Dieterle The Devil and Daniel Webster című politikai fantasy drámájával (1941) [17] [7] .

1940-ben a fiatal, de már híres Orson Welles megérkezett Hollywoodba , hogy rendezze első filmjét, a Citizen Kane -t (1941). Az RKO Pictures stúdiójában kapott egy idős szerkesztőt, aki nem értette Wells forradalmi elképzeléseit, a rendező pedig felkérte Wise helyett, aki "néhány év alatt a stúdió egyik vezető szerkesztője lett" [8] [14 ] ] [5] . Egy 2001-es interjúban Wise így emlékezett vissza: "Felhívott valaki a stúdióból, és megkérdezte, hogy szeretném-e megszerkeszteni Wells filmjét, aki már ismert volt a Mercury Theatre -ben és a Világok háborúja című rádióműsorban . '. Találkoztunk, és emlékszem, borzasztóan lenyűgözött” [7] . Wise szerint azonnal megkedvelték egymást [18] . Ahogy Ronald Bergan filmtudós megjegyzi: "Wise csak egy évvel idősebb Wellsnél, ezért elengedhetetlen volt a debütáns rendező számára, és vágása jelentősen hozzájárult a film művészi sikeréhez." Bergan szerint a "News on the March" című filmhíradó különösen erős pillanata volt a filmnek, amelyben különféle régi archív felvételeket imitáltak. Az ókor hatásának fokozása érdekében Wise szándékosan megkarcolta a filmet úgy, hogy végighúzta a vágóstúdió cementpadlóján. "Wise merész szerkesztése abban a híres szekvenciában is megmutatkozott, amely Kane házasságát közvetíti három reggeli jelenet egymás utáni bemutatásán keresztül, amelyek több év különbséggel játszódnak, miközben a pár egyre távolodott egymástól" [8] . A Citizen Kane megszerezte Wise-t a legjobb filmvágó Oscar-jelölésére , de azt állította, hogy a filmet könnyű volt összerakni Gregg Toland zseniális operatőri munkájának köszönhetően : a munkának, a szögeknek és a nagyszerű jeleneteknek a színészekkel, akik újak voltak a filmben. képernyő – az egész valami különleges volt” [5] [6] . Wise bevallotta, hogy sokat tanult Wellstől és Tolandtól, saját filmjeiben felhasználva tapasztalatait, amikor rendező lett [19] .

Egy évvel később Wise vágóként dolgozott Wells következő filmjében, a The Magnificent Ambersonsban (1942) [8] . Amint azt a The New York Times is megjegyzi , Wells és Wise sajnos ellentmondásban voltak a film utolsó szakaszával . [5] Wells egy 37 oldalas utasításkészletet hagyott Wise-nak a kép végső keveréséhez, míg Brazíliába indult, hogy új projektjén, az It's All True-n dolgozzon [8] . Ekkorra a film már jelentősen túllépte költségvetését és gyártási ütemtervét, és túl hosszú is volt [8] [5] . Az első zárt vetítéseken a kaliforniai Pomonában a közönség elhagyta az előadást, és többnyire negatív kritikákat hagyott hátra [8] . Ahogy Wise később elmondta, az előzetes „teljes katasztrófa volt. A közönség tömegesen távozott... A film is rettenetesen hosszú volt akkoriban, több mint két óra. Wise azt is megjegyezte, hogy "az őrület és vérfertőzés baljós témái ", amelyek a filmben megjelentek, "visszataszítóak voltak a háborús közönség számára" [6] . Ahogy a The New York Times írta: "A második világháború elkezdődött , és az amerikaiak menekülő filmeket akartak, nem pedig a haldoklásról és a haldoklásról és egy vénlány szexuális frusztrációjáról szóló történeteket . "

Az előzetesek után a stúdiófőnökök megparancsolták Wise-nak, hogy vágja és vágja újra a képet [8] . Wise táviratot küldött a brazíliai Wellsnek: "Úgy tűnik, a festmény lenyomja az embereket." Wells azt válaszolta, hogy új vágást fog készíteni, ha Wise Rióba jön egy másolattal . Az RKO vezetése azonban megparancsolta Wise-nak, hogy „Wells utasításai ellenére vágja újra és újra a filmet” [5] [6] . Wise a szerkesztést aszerint végezte el, ahogy ő fogalmazott: "a valóság, amit a stúdió akart" [6] . Ő és a hamarosan leendő rendezőasszisztens, Mark Robson éjjel-nappal azon dolgoztak, hogy a jelenetet jelenetről jelenetre levágják, lecseréljék és átrendezzék, kétségbeesett erőfeszítésükben, Wise kifejezésével, „a közönséget a mozikban tartani” [5] [8] . Végül – írja Bergan – a filmet 132 percről 88-ra vágták, és a jeleneteket átrendezték vagy lecserélték, hogy "sűrűbbé, gyorsabbá és világosabbá tegyék a történetet" [8] . Emellett Wise munka közben megbízást kapott néhány további jelenet forgatására is a filmhez [20] . Wells elutasította Wise szerkesztését, mondván, hogy a filmet „megcsonkították”, „egy stúdiókertész csonkította meg” [5] [6] , és Wise-t és másokat munkája „áruló megszentségtelenítésével” vádolta meg . Wise elismerte, hogy "műalkotásként" Wells eredeti vágása jobb volt, de megvédte a vágást, mondván, hogy "megmentette a filmet egy még rosszabb sorstól a stúdiótól" [5] [6] . Ahogy Bergan írja: "Sajnos Orson Welles számtalan rajongója számára Wise örökre az az ember, aki a vágószobában lekicsinyelte és majdnem elpusztította a filmet a mester háta mögött . " Wise később azt mondta: "Mivel az Ambersons klasszikussá vált, azt hiszem, most már világos, hogy nem csonkítottuk meg Orson filmjét." Bergan szerint "csak azok tudják megítélni, akik látták az eredeti verziót, hogy Wise szerkesztése nélkül még csodálatosabb lett volna" [8] . Wise szerkesztését különösen Martin Scorsese csodálta , aki 1998-ban nagy szerepet játszott a Wise 1998-as AFI életműdíjában. Ahogy Scorsese mondta: "Wise filmjei a vágási stílus miatt váltak számomra egyre érdekesebbé, egy nagyon élénk, világos vágási stílus miatt, amely megmondja a nézőnek, hogy egy adott jelenetben merre nézzen" [5] .

Welles stúdióból való elbocsátása után Wise folytatta a filmek szerkesztését, köztük a Hét nap vakáció című zenés vígjátékot (1942) Lucille Balllal , a The Bombardier című háborús drámát (1943) Pat O'Briennel és a Fallen Sparrow című spy noirt. (1943) John Grafielddel [21] .

Rendezői karrier az RKO Picturesnél 1944-1949

Wise rendezőként kezdett dolgozni a pszichológiai horror elismert mestere , Val Lewton keze alatt, aki alacsony költségvetésű filmproducer volt az RKO Picturesnél [7] . 1944-ben Wise a Günther von Fritsch által rendezett The Curse of the Cat People (1944) filmvágója volt . Lewton, aki elégedetlen volt von Fritsch munkájával, aki messze elmaradt a forgatási ütemtervtől, és túlköltekezett a költségvetésből, kirúgta a rendezőt. A helyére kinevezett Wise azonnal levezényelte a forgatás nagy részét, és a neki szánt tíz nap alatt befejezte a filmet [7] [22] [6] [5] [8] .

Bár a filmet formálisan a stúdió sikeres pszichológiai horrorja, a Cat People (1942) folytatásának tekintették, valójában önálló film volt, mindössze néhány szereplővel, ami az előzőhöz köthető. A film egy ötletes, hatéves Amy Reidet ( Anne Carter ) követi nyomon, aki összebarátkozik egy szellemmel, aki Irenaként, az első filmben meghalt macskasszonyként jelenik meg. Az apa ( Kent Smith ) különféle módokon próbálja visszavezetni a lányt a fantáziavilágból a való világba, de ez oda vezet, hogy elszökik az erdőbe, és csak egy szellem beavatkozása menti meg [23] . Ahogy Bosley Krauser filmkritikus írta a The New York Timesban : "Az RKO producerei horror elemeket vittek be a filmbe, és megpróbálták a Cat People folytatásaként bemutatni. A valóságban azonban a film jelentősen eltér a hagyományos horrorfilmektől, és a gyermek érzékeny elméjének működésének furcsa és megható feltárásaként mutatja be magát. A kritikus szerint "kár, hogy kereskedelmi megfontolások kényszerítették a horror bevezetését ebbe a filmbe, melynek legjobb pillanatai azok voltak, amikor a producerek a gyerek lelkiállapotát próbálják átadni" [24] . Hal Erickson kortárs filmtörténész, aki a filmet "lebilincselő és végtelenül elbűvölő fantáziának nevezte, amelyet egy gyermek szemével mesélnek el", arra a következtetésre jutott, hogy "a gyermeki fantázia csodálatos, határtalan birodalmába való lebilincselő bepillantásként a film hatalmas siker" . 25] . A kortárs bírálók megjegyzik, hogy "a filmet a Val Lewton által készített egyik legjobb pszichológiai thrillerként fogadták, és mára 'kultuszklasszikusnak' számít", és Wise-t nagyrészt ennek a filmnek köszönhetően léptették elő rendezővé .[5] [7] [26] Ahogy Goering írta: "ezzel a filmmel Wise elérte a nagy áttörést, hiszen először számolták be rendezőként" [27] .

Lewton és Wise második együttműködése a Mademoiselle Fifi (1944) volt, egy történelmi háborús dráma Guy de Maupassant „Mademoiselle Fifi” és „Pumpkin” című novellái alapján, amely „az emberi személyiség sötét oldalait tárta fel politikai kontextusban. " [28] . A festmény az 1870-es francia-porosz háború idején játszódik . Útban Rouen felé egy postakocsi különböző osztályú franciákkal megáll egy kis faluban, amelyet a porosz hadsereg irányít . A Fifi ( Kurt Kreuger ) becenévre hallgató porosz hadnagy a postakocsin követett francia nemesek és polgárok beleegyezésével, sőt ösztönzésére egy gyönyörű mosónőt ( Simon Simon ) kényszerít a lakásába szerelmi kényelemért. Amikor egy idő után Fifi nyilvánosan sértegetni és megalázni kezdi Franciaországot, a hazafias mosónő összetörik és késsel megöli [29] . Ahogy Roger Fristow filmtörténész írta: „Lewton és Wise nagyon szűkös költségvetéssel készítette el a filmet, maximális atmoszférát teremtve minimális költséggel… A film figyelemre méltó párhuzamot von Franciaország 1940-es náci hatalomátvételével, és csodálja az egyszerű embereket, akik hűek maradtak a hazájuk alapelveit, és elítélik azokat, akik önző okokból kezdtek együttműködni az ellenséggel. Lewton és Wise 22 nap alatt forgatták a filmet 200 000 dolláros költségvetéssel, ami rekord egy stúdióban készült kosztümös filmhez az Egyesült Államokban. Ahogy Wise később felidézte, "mivel ezek alacsony költségvetésű filmek voltak, meg kellett feszítenünk a fantáziánkat, és úgy kellett elérnünk az eredményt, hogy nem volt elég dolgunk." A színészekkel való együttműködés, a fények és a kamera beállítása „minden arra irányult, hogy erős, hatékony eredményt érjünk el a szükséges anyagok nélkül” [30] .

Adam Bernstein filmkritikus szerint ezek után "Val Lewton producer egy másik projekttel, a Body Snatcherrel (1945) jutalmazta Wise-t, amelyből feszült thrillert készített" [6] . A film Robert Louis Stevenson azonos című, 1881-es novelláján alapult , amely viszont valós eseményeken alapult, amelyek 1928-ban Edinburgh -ban történtek. A kép középpontjában a külsőleg tekintélyes Dr. Wolfe MacFarlane ( Henry Daniel ) áll, akit a városi temetőben ásott friss emberi holttestekkel lát el tudományos kísérletekhez John Gray taxis ( Boris Karloff ). Amikor problémák merülnek fel az új holttestekkel, Gray embereket kezd gyilkolni azáltal, hogy eladja testüket az orvosnak. Amikor ezt megtudja, Macfarlane felháborodik, de Gray megzsarolja az orvost, hogy folytassák bűnözői üzletüket. A végén McFarlane összetörik és megöli Grayt, de nem sokkal ezután egy taxis szellemétől üldözve ő maga is meghal [31] [8] . A film bemutatása után Bosley Crowser azt írta, hogy a hátborzongató kép, "bár nem annyira idegtépő, mint a szereplőktől elvárható, mégis elég feszültséget és hangulati horrort tartalmaz ahhoz, hogy műfajának legszebb példái közé sorolhassa". A kritikus szerint "bizonyára nem ez a legzavaróbb horrordráma – de valahogy hitelesebbé varázsol, mint a legtöbb ilyen film, és vérfarkasok és vámpírok nélkül is sikerül elérnie a maga módján" [32] . A kortárs kritikusok, Roland Bergan és Dennis Schwartz a képet "Stevenson történetének kiváló adaptációjának" nevezték. Schwartz szerint bár a film "túlságosan kötődik az irodalomhoz ahhoz, hogy nagyszerű legyen", mégis van benne "feszültség, hátborzongatóság, dinamika és meggyőző". Schwartz Wise-nak tulajdonítja a „történelem halálos borzalmát és a 19. századi skót Edinburgh baljós hangulatát”. Vannak lovas kocsik, macskaköves járdák, skót utcai énekesek és baljóslatú utcák . Goering szerint ez egy "jelentős horrorfilm", amelyet Wise a kedvenc filmjének tartott, és "a kritikusok dicsérő kritikái segítettek megszilárdítani rendezői pozícióját" [34] .

Ahogy Bergan megjegyzi, Wise rendezett „néhány kemény, feszült melodrámát”, mint például a „ Halál játéka ” (1946), amely az 1932-es „ The Most Dangerous Game ” [8] című film remake-je volt, amely „modern” címet kapott. csavar". A film hőse, Rainsford író ( John Loder ) egy hajótörés után egy távoli szigeten találja magát a náci őrült Krieger ( Edgar Barrier ) kezében. Krieger egy órát ad neki és két másik foglyának, hogy elbújjanak a szigeten, majd vadászni kezd rájuk. Hal Erickson szerint a film "nem olyan lenyűgöző, mint az 1932-es verzió", ennek ellenére "Robert Wise sok feszültséggel tölti meg a történetet, különösen a kép végén" [35] . A kortárs kritikus, Craig Butler szerint a film problémái a „kínos forgatókönyvben, valamint a színészi játékban rejlenek, ami Edagar Barrierát, mint brutális német gonosztevőt leszámítva nem megfelelő... A film hasznot húz Wise rendezéséből, ami , bár egyenetlen, egyértelműen a rendezésben újonc munkája, mégis megteremti a szükséges atmoszférát és feszültséget ad a kulcsjelenetekben” [36] .

A Tom Conway főszereplésével készült Büntetőbíróság (1946) szerény krimi melodráma után Wise hozzálátott a Born to Kill (1947) "klasszikus film noir"-hoz [37] . A film egy vizuálisan vonzó fiatal pszichopata ( Lawrence Tierney ) történetét meséli el, aki kész megölni mindenkit, aki ellenkezik az akaratával. Feleségül vesz egy gazdag örökösnőt, miközben kapcsolatba kezd annak féltestvérével ( Claire Trevor ), aki annyira megszállottja gyilkos elméjének, hogy teljesen elveszíti erkölcsi iránytűjét, és cinkosává válik. Amint azt a TimeOut magazin egyik bírálója megjegyezte , ez "az egyike azoknak a B-filmeknek , amelyeket Wise még azelőtt rendezett, hogy karrierje az egekbe szökkent volna... Távolról sem meggyőző, mindazonáltal magával ragad a kegyetlenség, a lealacsonyítás és a kettősség könyörtelen hangsúlyozásával, és a jelenet, ahol a két holttest hátborzongató leírása a vágy paroxizmusát idézi Tierneyben és Trevorban, az valami klasszikus." Ráadásul egy korabeli filmhez képest elképesztő mennyiségű "piszkos" nyelvezet és "átható nőgyűlölet" [38].

Wise következő filmje a Rejtély Mexikóban (1948) című B kategóriás krimi melodráma volt, William Lundigan főszereplésével . Dennis Schwartz szavaival élve: "Ebben a gyémántlopásos filmben nincs túl sok rejtély, de van benne néhány üdítő, mulatságos eszmecsere, és néhány elfogadható fekete-fehér mexikóvárosi helyszínkép (bár többnyire forgatták). stúdióban)" [39] .

Ahogy Dennis McLellan filmkritikus írta a Los Angeles Times -ban, a Wise a B-kategóriás filmsorozat után a Blood on the Moon (1948 ) után az A kategóriába emelkedett, a "kiváló, hangulatos western" (1948 ) . A film az utazó cowboyról, Jim Harryről ( Robert Mitcham ) szól, aki egy texasi indián rezervátumba érkezve a gazdag marhatulajdonos , John Loughton ( Tom Tully ) és régi barátja, Tate Railing ( Robert ) halálos ellentét közepén találja magát. Preston ), aki azt állítja, hogy az újonnan érkezett telepesek érdekében cselekszik. Jim kezdetben beleegyezik, hogy segít Tate-nek, miközben összebarátkozik Loughton lányával, Amy-vel ( Barbara Bel Geddes ). Amikor rájön, hogy Tate csak arra használja, hogy ellopja Loughton szarvasmarháját, Jim végül átpártol a szarvasmarha tulajdonosához, ami véres végkifejlethez vezet. Hal Erickson szerint "az 1940-es évek egyik legjobb pszichológiai westernje", amelyet "első osztályú Wise rendezett" [40] . Ahogy Rob Nixon filmtudós írta, a film megjelenése után "a bírálók megállapították, hogy a film eltér a westernekre jellemző általános mintától. Komor és sötét látványvilágával, karaktereivel és témáival a kép inkább a film noirra emlékeztetett, egy olyan műfajra, amelyben Mitchum és Wise akkoriban jelentős sikereket ért el .

Wise utolsó rendezői munkája az RKO - nál a Set Up (1949) volt, "egy valósághű bokszfilm, amelyben Wise a sport brutális és kizsákmányoló oldalát mutatta be" [42] . A film a 35 éves profi bokszolóról, Stoker Thompsonról ( Robert Ryan ) mesél, akinek a legjobb évei már messze vannak hátra, de makacsul hiszi, hogy sikerülni fog. A nyereményjátékot játszó bűnözői osztók a fiatalabb és erősebb ellenféllel vívott vereségre fogadnak. Amikor már a csata közben Stokernek pénzt ajánlanak feladásáért, ő visszautasítja, és mindenki számára váratlanul nyer. A csata befejezése után a banditák súlyosan megverték Stokert a sikátorban, ezzel pályafutása végére ítélve [6] . A kép cselekménye teljes egészében egy éjszaka alatt játszódik, és amint azt számos kritikus megjegyezte, 72 perces időtartama valójában egybeesik azzal az idővel, amely alatt az események a képernyőn zajlanak [8] [6] . Thomas Pryor, a The New York Times munkatársa, aki a képet "pörgős melodrámának" nevezte, továbbá azt írta, hogy "az embereknek, akik elkészítették, nincs semmi jót mondaniuk ennek az üzletnek a piszkos oldaláról, és vándorló, leleplező kamerájuk még feketébb képet fest. a bokszrajongóké." akik gyönyörködnek kegyetlenségében. A rosszul szellőző kis aréna izzadt, füstös hangulatát és a magukat vad őrjöngésbe kergető ringben lévő embereket brutálisan és valósághűen mutatják be a képernyőn. A nagy elvárások és a szertefoszlott remények öltözői drámáját pedig élővé és megindítóvá teszi Wise éleslátó rendezése . Bergan véleménye szerint a „The Set Up” „lenyűgöző metafizikai töprengés volt, amely tökéletesen kapcsolódik a bokszmelodráma nyugtalanító atomoszférájához”, és „Robert Ryan, aki addig a fenyegető szerepeiről volt ismert, tragikus méreteket öltött harmadrangú bokszolóként, aki még mindig úgy véli, hogy a nehézsúlyú bajnoki címet "egy ütés távolságra" kapta tőle " [8] . Goering úgy véli, hogy a film bokszakciója "szaba meg a mércét más bokszfilmek számára", [44] és Adam Bernstein, aki a filmet a Wise legjobb filmjei közé sorolta, megjegyezte, hogy "a film brutális harci szekvenciái később olyan filmekre is hatással voltak, mint a Raging Bull . 1980) Martin Scorsese " [6] . Az 1949-es Cannes-i Filmfesztiválon Wise FIPRESCI - díjat kapott ezért a képért , Milton Krasner pedig a legjobb operatőri munkáért járó díjat [45] [6] . Ezenkívül 1950-ben a The Set Up-ot BAFTA -díjra jelölték a legjobb film kategóriában [46] .

Miután az RKO tulajdonosának, Howard Hughesnek nem sikerült megújítania szerződését 1950-ben, Wise más stúdiókhoz költözött, és végül a sajátjához [6] .

1950-es évek

Wise első filmje, miután elhagyta az RKO -t, a Nyugat két zászlaja (1950) volt. A film az amerikai polgárháború utolsó napjaiban játszódik, amikor Clay Tucker konföderációs ezredes ( Joseph Cotten ) Lincoln elnök jogával élve megmenti katonáit a haláltól egy hadifogolytáborban, és csatlakozik az Unionista hadsereg hűséges katonáihoz . Tuckert és embereit Mark Bradford Unionista kapitány ( Cornell Wild ) kíséretében egy új-mexikói határerődbe küldik szolgálatra . Az erőd parancsnokáról kiderül, hogy egy dühös Kenniston őrnagy ( Jeff Chandler ), aki gyűlöli a szolgálatába lépett egykori konföderációkat és az erődjét körülvevő indián törzseket is. A három férfi nyugtalan kapcsolatát tovább bonyolítja, hogy a gyönyörű fiatal özvegy, Elena ( Linda Darnell ) erődjében tartózkodik, aki az állandó indiai támadások miatt nem mehet haza. Amint Sean Exmaker filmtörténész megjegyzi, ez volt Wise tizedik képe, második westernje és első filmje a 20th Century Fox számára . A forgatás egy kis indiai faluban zajlott, körülbelül 20 mérföldre az új-mexikói Santa Fétől . Exmaker szerint az "okos munkaszemléletéről" ismert Wise "komoly filmet készített, amely olyan férfiak konfliktusait tárja fel, akik egyszerre ellenségek és szövetségesek" [47] .

Aztán a Warner Bros. Wise rendezte : Three Secrets , melodráma a családi értékekről (1950) [48] . A film egy kis magánrepülőgép lezuhanását meséli el Kalifornia távoli hegyeiben , ami után csak egy ötéves kisfiú marad életben. Ezt három nő ( Eleanor Parker , Patricia Neal és Ruth Roman ) tudja meg, mindegyikük öt éve adta fel csecsemő gyermekét örökbefogadásra, és most azt feltételezi, hogy a túlélő gyermek az ő fia lehet. A nők mindegyike keserűen emlékszik vissza a körülményekre, hogyan kellett megválnia fiától [49] . A kortárs kritikus, Craig Butler, miközben kritizálta a filmet annak második természete és zavaros forgatókönyve miatt, egyúttal megjegyezte, hogy a film "a vártnál jobban sikerült, köszönhetően a nagyon képzett szereplőgárdának és rendezőnek, akik együtt jobb eredményt értek el, mint az anyag sugallja. " Butler véleménye szerint "Wise munkája összességében egyenetlen. A gyűrött kezdés után Wise mindegyik nő történetében talál szép pillanatokat, de elszalaszt néhány érdekes lehetőséget is. Azonban "amikor az eltűnt fiú keresésének izgalmasabb epizódjaival foglalkozik, Wise remekel" [50] .

A következő kép, amelyet Wise ismét a 20th Century Foxban rendezett, a House on Telegraph Hill (1951) volt , egy háború utáni film noir . A film egy lengyel bevándorlóról ( Valentina Cortese ) szól, aki egy náci koncentrációs táborból kiszabadult , halott amerikai barátjának adja ki magát, majd a háború után az Egyesült Államokba érkezik, abban a reményben, hogy megkapja barátja gazdag nagynénjének örökségét. . Feleségül veszi egy barátja kiskorú fiának ( Richard Basehart ) gyámját, és nagynénje előkelő házába költözik a San Francisco -i Telegraph Hillen . A nő azonban fokozatosan gyanakodni kezd, hogy valaki meg akarja ölni őt és fiát [51] . A Variety mérsékelten pozitívan értékelte a filmet, "lassú tempójú, de szórakoztató melodrámának nevezve egy pszichopata gyilkosról, amely San Francisco dombjainak egyik szokatlan lakónegyedében játszódik". A magazin megjegyzi, hogy a film "jól karbantartja a sötét hangulatot és a felfokozott feszültséget, Basehart és Cortese pedig előadásaikkal hitelt kölcsönöz a drámának" [52] . A filmet Oscar -díjra jelölték a legjobb művészeti rendezés kategóriában [53] .

Továbbá, ahogy Ronald Bergan filmkritikus írta, "miközben a 20th Century Foxszal kötött nem kizárólagos szerződés alapján Wise egy intelligens, alacsony horderejű, háborúellenes sci-fit rendezett, A nap, amikor a Föld megállt (1951) [8 ] [54] ." A film egy washingtoni parkban landoló földönkívüli hajóval kezdődik , amelyen a krisztusi földönkívüli Klaatu ( Michael Rennie ) és az óriási robot Gort található. Ők a bolygók szövetségének a megbízottai, akik aggódnak a Földön végrehajtott nukleáris kísérletek miatt , amelyek az egész bolygó halálához vezethetnek, és veszélyt jelenthetnek más civilizációkra. Miután a hajót körülvevő egyik amerikai katona megsebesíti Klaatut, egy amerikai kórházban köt ki, és ragaszkodik ahhoz, hogy a Földön élő összes nép képviselőivel beszélhessen. Amikor kiderül, hogy az államok közötti politikai ellentétek miatt ez lehetetlen, Klaatu természetfeletti képességeit felhasználva elhagyja a kórházat, hogy egy hétköznapi ember leple alatt megértse, képesek-e a földiek fenntartani a békét bolygójukon. Egy egyszerű háziasszony ( Patricia Neal ) panziójában száll meg , kapcsolatot létesít vele és családtagjaival, és a világ vezető tudósaival is felveszi a kapcsolatot, végül arra a következtetésre jut, hogy a földiek nem is olyan reménytelenek. Egy sor cselekményfordulat után Klaatu halálosan megsebesül egy lövöldözésben, de aztán Gortnak köszönhetően feltámad, hogy átadja a kulcsötletet a hajón összegyűlt vezető tudósoknak – vagy a földiek csatlakoznak a bolygók szövetségéhez, és békében élnek. , vagy folytatják jelenlegi pályájukat és megsemmisülnek [55] . Ahogy Wise később elmondta: „Mindig azt akarom, hogy a filmjeim valami fontosat közöljenek. Ezt azonban magán a történeten, a cselekmény fejlődésén és a szereplők interakcióján keresztül kell megtenni, nem pedig a közvetlen színészi szövegen keresztül. A nap, amikor a Föld megállt, azonban kivétel ebben az értelemben. A lényeg az volt, hogy Klaatu a végén elmondja a figyelmeztetését." [56] . Wes Gehring filmtörténész szerint "a film naturalista stílusban készült, és a legtöbb sci-fi filmtől eltérően a történet tartalmát hangsúlyozta, nem pedig speciális effektusokat" [54] . A film "elsöprően pozitív" kritikákat kapott, és a történelem egyik "leghatásosabb tudományos-fantasztikus filmjévé" vált [57] . Amint azt a TV Guide filminformációi is megjegyezték , "Robert Wise klasszikus sci-fi filmet készített, erős pacifista üzenettel. Az összes színész kiváló teljesítménye, Wise visszafogott rendezése, valamint Bernard Herrmann briliáns és innovatív zenéje éppoly aktuálissá teszik ezt a filmet ma, mint a bemutató napján . A film Golden Globe -díjat kapott a "Legjobb nemzetközi megértést elősegítő film" kategóriában, Bernard Herrmann pedig Golden Globe-jelölést kapott a legjobb zene kategóriában .

A " City in Captivity " (1952) félig dokumentumfilm film noir Wise úgy döntött, hogy egy sor leleplező cikk befolyása alá helyezi a bűnszövetkezet vereségét az egyik amerikai városban. A film egy közép- nyugati kisváros újságszerkesztőjének történetét meséli el ( John Forsyth ), aki egy szervezett bűnbandával küzd az illegális szerencsejáték üzletágban, amely megrontotta és kihasználta a helyi rendőrség vezetését [59] . A film bemutatásakor a Variety magazin „feszült és lebilincselő drámaként jellemezte egy szerkesztő korrupció elleni küzdelmét egy kisvárosban”, megjegyezve, hogy „a dokumentumfilmes jellemzők hitelességérzetet adnak a filmnek” [60] . A New York Times filmkritikusa, Bosley Crowser , aki általában pozitívan nyilatkozott a képről, "élénk, lakonikus kis filmnek" nevezte, amely "autentikusnak és nyugtalanítónak tűnik" és "egy igazi városi külváros takaros házainak és utcáinak, amelyekkel szemben a A kép cselekménye fejleszti, fokozza a történések hitelességének érzetét, egy meglehetősen súlyos társadalmi rossz problémáját vetve a néző elé” [61] .

Ugyanebben az évben Wise rendezte "első nyílt vígjátékát", a Something for the Birds -t (1952), amelyben egy kaliforniai kondorügyvéd (Patricia Neal) és egy washingtoni lobbista ( Victor Mature ), akik szerelmesek egy gázipari cég ellen. , hamarosan megkezdi a fúrást egy madárköltési területen [62] . Egy évvel később a So Big (1953) a "családi értékekről" szóló melodráma következett, Jane Wyman főszereplésével , Chicago környékén játszódik, és a 19. és 20. század fordulóján két generációt ölel fel .

1953-ban két "kompetens katonai filmet" is bemutattak - a " Célállomás - Góbi " és a " Sivatagi patkányok " [8] . A Richard Widmark főszereplésével készült Destination - Gobi (1953) kalandfilm cselekménye a második világháború idején játszódik , ahol egy amerikai katonai meteorológus különítmény helyi mongol törzsek segítségére támaszkodva a Góbi sivatagon keresztül a Csendes-óceán partvidéke japán támadások alatt Légierő [64] [65] .

A " Sivatagi patkányok " (1953) című film valós eseményeken alapul, és a líbiai Tobruk város 1941. április-novemberi védelméről szól, amelyet a náci Németország előrenyomuló csapatai brit csapatok végeztek Rommel tábornok (James Mason) parancsnoksága alatt. . A kép középpontjában McRoberts ( Richard Burton ) skót kapitány tevékenysége áll, aki a város védelmére érkezett, tapasztalatlan ausztrál katonákból álló századot fogad parancsnoksága alá. A harcok során német fogságba esik, de sikerül megszöknie, és egysége élén folytatja a város védelmét, amíg a szövetséges erők fel nem szabadítják [66] . A The New York Times filmkritikusa, Howard Thompson visszafogottan értékelte a filmet, "a már ismert karakterek, események és a világos történelmi jelek ellenére a hősiesség megnyilvánulásai közönséges összekeverésének" nevezte. A kritikus ugyanakkor megjegyezte Wise „meglehetősen ügyes irányítását”, aminek köszönhetően a film „kompetens és vizuális képet ad” a leírt eseményekről [67] . A filmet Oscar -díjra jelölték a legjobb forgatókönyv kategóriában .

1954-ben a Metro-Goldwyn-Mayer Stúdióban Wise rendezte az Adminisztratív hatalom (néha "A rendező szobája") című drámát (1954), amely egy nagy bútorgyártó cég hatalmi harcáról szólt az alapítója hirtelen halála után. és elnököt. A vezető pozícióért a fő esélyes az uralkodó és ambiciózus Lauren Shaw ( Fredric March ), aki a termelési költségek csökkentését és a marketingre való áthelyezést javasolja, így a cég ismét nyereséges lesz. Fő ellenfele Don Walling alelnök ( William Holden ), egy lelkes újító, aki szenvedélyesen dolgozik új termékek létrehozásán. Bár Don eleinte nem vágyik az elnöki posztra, felesége és közeli kollégái meggyőzik arról, hogy csak az ő vezetésével lesz sikeres a cég. Számos intrika és cselekményfordulat után Donnak sikerül átvennie a cég elnökének helyét [69] . John Houseman filmproducer zseniális szereplőgárdát állított össze a filmhez, amelyben szerepelt még Barbara Stanwyck , June Allison , Walter Pidgeon , Shelley Winters , Paul Douglas és Nina Foch , és a film költségvetésének nagy része az ő honoráriumukra ment el. Ahogy Mark Frankel filmtörténész írja, ilyen szereplőgárdával és remek forgatókönyvíróval Housemannek szüksége volt a megfelelő rendezőre, és azonnal Wise-hoz fordult. Housemannek olyan rendezőre volt szüksége, aki nem tolja előre magát. Nyolc nagy sztárral, minimális akcióval és egy félórás jelenettel, amely teljes egészében az ülésterem asztalánál játszódik, Houseman szerint a filmhez "egy olyan rendezőre volt szüksége, aki mérnöki és oroszlánszelídítő képességekkel is rendelkezik". Wise tökéletes volt a szerepre, és az a tény, hogy a rendezési stílusa tökéletesen megegyezett a forgatókönyvíró Ernest Lehman stílusával, oda vezetett, hogy később még három klasszikus filmet készítettek együtt: " Valaki fent szeret engem " (1956), " West Side Story " " (1961) és "The Sound of Music " (1965) [70] . A kép elemzésekor a kritikák fő figyelme a színészi alakításra irányult, amelyet többnyire pozitívan értékeltek. A kortárs filmtudós, Bruce Eder úgy vélte, hogy "kivétel nélkül minden színész kiváló", megjegyezve, hogy "a kép feszültsége annyira megemelkedik, hogy még Hitchcock is jóváhagyta ", és az utolsó negyedévben érte el a csúcsot. személyes és filozófiai összecsapásokban a tanácsteremben” [71] . A film négy Oscar -jelölést kapott a legjobb női mellékszereplő (Foch), a legjobb operatőr, a legjobb művészeti rendezés és a legjobb jelmez kategóriában . Wise-t jelölték a legjobb rendezőnek az Amerikai Rendezők Céhe díjára a legjobb rendező-játékfilm kategóriában és az Arany Oroszlán díjára a Velencei Filmfesztiválon , ahol a teljes szereplőgárda megkapta a zsűri kollektív különdíját . A film két BAFTA -jelölést is kapott a  legjobb film és a legjobb külföldi színész kategóriában (március) [73] .

Két évvel később a Warner Bros. kiadta a „ Trójai Heléna ” (1956) című történelmi filmet Homérosz „ Az Iliász ” című költemény alapján . Ahogy Dennis Schwartz kortárs filmkritikus írta: „Az olaszországi , nemzetközi (többnyire európai) szereplőgárdával forgatott epikus film gyengén szerepelt a pénztáraknál, és vegyes kritikákat kapott a kritikusoktól. Wise számára (aki a filmet rendezte) ez a fárasztó történelmi kosztümös dráma volt az első film a CinemaScope színesben , és bár a film bukott volt, karrierje ezután az egekbe szökött...Bár ​​hétköznapi értelemben szórakoztató, gyönyörűen felvett csatajelenetekkel , a kép összességében kínosra sikeredett a befogott színészi alakítás, a durva forgatókönyv és az anyag érdektelen bemutatása miatt” [74] .

Wise következő munkája a western In Praise of a Bad Man (1956) volt, amelyet a Metro-Goldwyn-Mayer [8] adott ki.A film az 1870-es években játszódik a Colorado Territory -ban . A fiatal keleti, Steve Miller ( Don Dubbins ) a gazdag, vad Jeremy Rodock ( James Cagney ) félreeső lovas farmján talál munkát , aki gyorsan megöli, ha valaki megzavarja az érdeklődési körét. Amikor Steve kapcsolatba kezd a gyönyörű Jocasta Konstantinnal ( Irene Papas ), akit Rodok tulajdonának tekint, konfliktus alakul ki, melynek során körülötte mindenki fokozatosan elfordul Rodoktól, és ennek következtében egyedül marad önmagával. A filmen való munka során az alkotóknak komoly szervezési problémákkal kellett szembenézniük. Először a főszerepet játszó Spencer Tracy kezdte kihívóan szabotálni a munkát, amiért végül 20 év stúdiózás után kirúgták. James Cagney beleegyezett, hogy lecserélje, de a filmet több hónapot el kellett halasztani. Az ezt követő szünetben a Steve Millert alakító Bob Francis színész repülőgép-balesetben halt meg , Wise-nak pedig az összes jelenetet újra kellett forgatnia az ő részvételével, és új színészt vett fel [75] . Dennis Schwartz szerint azonban "a korai problémák ellenére ez egy jó amerikai western, amely dicséretet érdemel a durva és zűrzavaros cowboyok munkáséletének bemutatásáért", és "Cagney nagyszerű munkát végzett kemény marhabáróként." [ 76]

Wise legnagyobb sikerét azonban 1956 -ban érte el Metro-Goldwyn-Mayer Somebody Up There Loves Me (1956) című filmjével, amely a híres ökölvívó, Rocky Graziano életrajza (akit Paul Newman alakít ) [8] . A film Rocky történetét meséli el, aki rosszul működő családba született, tinédzserként egy utcai banda tagja lett, reformiskolába járt, majd börtönbe került, majd a hadseregbe küldték, ahonnan dezertált. . A megélhetést keresve Rocky elkezdett részt venni a bokszharcokban, és figyelemre méltó tehetséget fedezett fel. Miután több csatát megnyert, a katonaság őrizetbe vette, és egy fegyelmi egységbe küldte, ahol egy évig fejlesztette tudását, majd szabadulása után folytatta ökölvívó pályafutását. Egészen a csúcsig felkapaszkodott, de a végső küzdelmet elveszítette Tony Zale ellen . Ezt követően Rockyt megzsarolta egy volt fogoly, majd megfosztották bokszengedélyétől. A kép fináléjában azonban Rocky visszatér a ringbe, döntő győzelmet aratva Zale felett [77] . Kezdetben Rocky szerepét James Dean számára készítették elő , aki a forgatás előestéjén tragikusan meghalt, ezt követően Paul Newman váltotta fel [8] . Ahogy Wise felidézte: „Folyamatosan arra gondoltam, hogy Dean fizikailag talán nem középsúlyú . És Paul a legjobb munkáját végezte ebben a filmben; tényleg megragadta a férfit." Ahogy Georgell Cole filmtudós hozzáteszi, ezzel a filmmel "Newman végre elérte azt a kereskedelmi sikert, amely korábban elkerülte, megnyitva az utat a nagy hollywoodi sztárgá válás felé . " Ahogy Bosley Krauser filmkritikus írta a The New York Times-ban, a film "ajánlásul szolgál a kemény srácoknak, hogy szálljanak be a profi bokszba, hogy kiadják ingerültségüket, és ne csak pénzt, hanem tapsot és tiszteletet is kapjanak a közönségtől". Krauser véleménye szerint Wise produkciója gyors, lendületes és letisztult, a szerkesztés pedig elképesztő tisztaságot és ütemet ad. Graziano Tony Zale-lel vívott nagy küzdelmének bemutatása az egyik legnagyobb bokszünnep, amit valaha is láthattunk a képernyőn . Ronald Bergan rámutat, hogy "a film laudációja a profi bokszról, mint az amerikai álom része, szinte közvetlen válasz volt a " Beállítás "-ra (amely megmutatta a bokszélet mélypontját). A filmet energikusan és szórakoztatóan adják át, átadva a New York East Side hangulatát, annak ellenére, hogy az MGM stúdióban forgatták. " [8] . A film két Oscar -díjat nyert a legjobb operatőr és a legjobb művészeti rendezés kategóriában, és jelölték a legjobb vágás Oscar-díjára is. Az Amerikai Rendezők Céhe a Wise-t jelölte a legjobb rendező díjára .

1957-ben Wise rendezte az Until They Sailed (1957) című melodrámát, amely Új-Zélandon játszódik a második világháború idején, négy új-zélandi nővér és az amerikai tengerészgyalogság kapcsolatáról. A film főszereplője Paul Newman a tengerészgyalogság kapitánya, aki a helyi lányokat feleségül venni akaró katonákról szóló jelentésekkel foglalkozik, Jean Simmonsszal , akivel kapcsolata van, és Joan Fontaine nővére, aki szintén egy amerikai tiszttel jár. [81] . A kortárs filmkritikus, Craig Butler a filmet "lenyűgöző háborús szappanoperának nevezte, amely lenyűgöző, bár felületes pillantást ad egy meglehetősen valószínűtlen új-zélandi család megpróbáltatásaira". Ahogy a kritikus is írja, a film története "szentimentális és meglehetősen kiszámítható, de az okos forgatókönyvnek köszönhetően határozottan "működik", Wise produkciója pedig "ügyes és hozzáértő, talán az egyik legjobb munkája. Bár valószínűleg a személyes érintettség hiánya miatt néha kicsit gépiesen sikerül is, de ennek ellenére mindig hatásos” [82] . A húgot alakító Sandra Dee a legígéretesebb újoncként nyerte el a Golden Globe -díjat a filmben nyújtott alakításáért .

A Metro-Goldwyn-Mayer vígjátékban , a Régóta várt éjszaka (1957) Jean Simmons Ann Leeds tanárnőt alakította, aki úgy dönt, hogy titkárnőként dolgozik az egykori csizmadia és szerencsejáték-szervező Rocco (Paul Douglas) mellett, aki fiatal partnerével, Tonyval együtt. ( Anthony Franchosa ) egy éjszakai klub tulajdonosa a Broadway -n . Hamarosan Rocco beleszeret Ann-ba, ő pedig a nyájas Tonyba, aki azonban nem viszonozza érzéseit. Végül Ann úgy dönt, hogy kilép, de a klub többi alkalmazottjának ragaszkodására Tony ráveszi, hogy maradjon, és kinyilvánítja szerelmét iránta. A kortárs kritikus, Dennis Schwartz negatívan értékelte a filmet, és azt írta, hogy "Wyse csalódást okoz ennek a megrendíthetetlen és nem meggyőző romantikus melodrámának az elkészítésével, ahol a nyájas rendezés elnémítja a Damon Runion -szerű történetet, amely a Guys and Dolls unalmas változatává válik ... A vígjáték erőltetett, a helyzetek érdektelenek és még a gyémántok is hamisan csillognak” [84] . A filmben nyújtott alakításáért Simmonst Golden Globe -ra jelölték a legjobb musical- vagy vígjáték színésznő kategóriában .

Egy évvel később Burt Lancaster produkciós cége, a Hecht-Hill-Lancaster Productions meghívására Wise vállalta a Go Quiet, Go Deep (1958) katonai akciódráma elkészítését . A film egy amerikai tengeralattjáró-kapitányról, Rich Richardsonról ( Clark Gable ) szól, akit a második világháború alatt egy japán romboló zúdít le. Miután egy évet eltöltött a Pearl Harbor -i haditengerészeti főhadiszálláson , Rich visszatér egy másik hajó parancsnokságához, így elsődleges célja az őt egy évvel korábban elsüllyesztett japán hajó megsemmisítése. Néha érthetetlen, bosszúérzéstől vezérelt viselkedése végül összecsapáshoz vezet Jim Bledsoe első tiszttel (Burt Lancaster), és a lázadás szélére viszi a helyzetet, amikor Rich indokolatlanul kockára teszi a legénység sorsát. Ahogy a kortárs kritikus, Rob Nixon írja: "A kritikusok el voltak ragadtatva Wise rendezői munkájától" [86] . Bergan szerint "Wise-nak sikerült megragadnia a víz alatti klausztrofóbiás feszültséget a tengeralattjárón, és meghatóan felvázolta a Gable-Lancaster karakterkonfrontációt", [ 8] [87] . Mégis, ahogy Nixon folytatja, "annak ellenére, hogy személyes szinten nagyon készségesen szőtt akciót intenzív drámával, és hogy a közönség rajong a két sztárért, a film nem volt kereskedelmi siker . "

Wise eddigi legerősebb munkája Bergan szerint a „dráma valósághű színrevitele” volt, az Élni akarok ! (1958), amelyet Walter Wagner producer stúdiójában készített [8] . A valós eseményeken alapuló film egy idős nő brutális meggyilkolását követi nyomon a kaliforniai Burbankben . A bűncselekmény gyanújával a rendőrség Los Angelesben őrizetbe vett három férfit és egy nőt, Barbara Grahamet (szerepét Susan Hayward játszotta ), akit a rendőrség már ismert, és akit korábban prostitúcióért és hamis tanúzásért elítéltek. Barbarának a gyilkosság idején alibije volt, amit azonban nem tudtak megerősíteni, mivel férje nyomtalanul eltűnt. Barbara az egyik rendőrségen dolgozó rabtól felbuzdulva próbált új alibit gyártani magának, de a rendőrség rögzítette a beszélgetéseit, majd bíróság elé vitték az ügyet. Közvetlen bizonyíték nem volt ellene, és a vád teljes egészében az ő bűnözői múltján, valamint az igazságszolgáltatás megtévesztésére tett kísérleten alapult. Maga a meghallgatás a sajtó által alkalmazott Barbara-üldözés légkörében zajlott. Ennek eredményeként bűnös ítélet született, és a bíró Grahamot halálra ítélte. Az ügyvédek erőfeszítései az ítélet hatályon kívül helyezésére kudarcot vallottak, és végül két évvel a gyilkosság után a San Quentin börtön gázkamrájában kivégezték . Bergan szerint különösen lenyűgöző volt "Barbara halálra való felkészülésének hosszú utolsó epizódja és a gázkamrában lezajlott jelenet" [8] . Schwartz szerint ez az „alacsony költségvetésű, intenzív bírósági dráma a halálbüntetés sokatmondó vádjaként szolgál. Annak ellenére, hogy Grahamet antiszociális személyként ábrázolják, aki egy aljas söpredék csőcselékével lógott, nem ítélhetik el kizárólag múltbeli bűncselekményei alapján, beleértve a prostitúciót, a hamis tanúzást és a hamisítást .

Ahogy Geoff Stafford filmtudós megjegyezte: "A film a kritikusok és a közönség körében is sikert aratott", 1959 egyik legtöbb bevételt hozó filmjévé vált [89] [90] . Különösen Bosley Crowser a The New York Times-ban Bosley Crowser azt írta, hogy "Hayward nagyszerűen játszik Robert Wise kihagyhatatlanul precíz irányítása alatt, aki itt a realista stílus elképesztő mesterét mutatta be" [91] [90] . Hayward a legjobb női főszereplő Oscar -díját nyerte el alakításáért, Wise pedig első Oscar-jelölését a legjobb rendező kategóriában. Ezen kívül a filmet jelölték Oscar-díjra a legjobb forgatókönyv, a legjobb hang és a legjobb vágás kategóriában [89] [92] . Hayward Golden Globe- és BAFTA-jelölést is kapott a legjobb külföldi színésznő kategóriában, a filmet Golden Globe-díjra jelölték a legjobb dráma kategóriában, a Wise-t pedig Golden Globe-ra és az Amerikai Rendezők Céhe díjára jelölték rendezésért .] .

A kép után Harry Belafonte produkciós cége, a HarBel Productions felajánlotta Wise-nak, hogy készítse el és rendezze meg a Bet on Tomorrow (1959) című noir thrillert. A film egy elhibázott bankrablás történetét meséli el, amelyet három férfi próbált végrehajtani – David Burke nyugdíjas rendőrtiszt ( Ed Begley ), egy bűnözői múlttal rendelkező kemény fickó, Eard Slater ( Robert Ryan ) és a fekete jazz zenész, Johnny Ingram ( Harry Belafonte), akinek sürgősen vissza kell fizetnie a versenyeken elvesztett pénzt a maffiának. Burke tökéletes tervet dolgozott ki egy New York melletti kis bank kirablására, amihez egy fekete férfira van szükség, hogy játsszon egy éttermi kézbesítő szerepet. A feldühödött Earl azonban kezdettől fogva megmutatja rasszista ellenszenvét Johnny iránt, és Burke nehezen tudja rávenni, hogy maradjon a szakmában. A rabláskor Earl ismét demonstrálja, hogy elutasítja a feketéket, és a döntő pillanatban nem hajlandó odaadni Johnnynak annak az autónak a kulcsát, amelyben a zsákmánnyal kell megszökniük. Emiatt Burke maga kénytelen kimenni az autóért, ami egy arra járó rendőrjárőr gyanúját kelti fel, aki tudja, hogy az étterem mindig fekete futárt küld a bankba. Ez Burke leleplezéséhez és öngyilkosságához vezet, ami után a megszökött Johnny és Earl meghalnak, miközben megpróbálják elpusztítani egymást [94] . A kritika pozitívan illette a képet. A Variety kritikusa szerint "Egyrészt a film egy feszült krimi melodráma. Másrészt ez egy allegória a rasszizmus, a kapzsiság és az emberi önpusztításra való hajlam témájában. Bár a film a második értelemben nem volt teljesen sikeres, az elsőben mégis sikerült. A bíráló azt is megjegyezte, hogy "Robert Wise rendező rávette a színészeket, hogy jól játsszanak" [95] . Bosley Crowser a The New York Times-ban ezt írta: „A dráma felhalmozódása ebben a krimiben olyan művészi szintre emelkedik, amelyet a vásznon ritkán lehet elérni. Robert Wise lakonikus és hatásos rendezői realizmusával ez a dráma gyors és könnyed letisztultsággal épít energiát, és a mű egészének intenzíven megrendítő, igazán festői minőséget ad. Az úgynevezett „dokumentumfilm stílus” bevált technikáját követve Mr. Wise utcai jeleneteket rendezett közvetlenül New Yorkban és Hudson városában , ami valósághű megjelenést adott Joseph Branagh kiváló operatőri munkájának. Kiváló színészei pedig tiszta és meggyőző képeket alkottak . A filmet Golden Globe -díjra jelölték a "Legjobb nemzetek közötti megértést elősegítő film" kategóriában [97] .

1960-as évek

1957 szeptemberében jelent meg a West Side Story című musical a Broadway -n Jerome Robbins rendezésében és koreográfiájában . Az előadás hatalmas sikert aratott, 1958-ban a " Tony " kategóriában jelölték a legjobb musical kategóriában, és elnyerte a legjobb koreográfiáért járó díjat. A darabot 1959 júniusáig 732 alkalommal játszották a Broadway színpadán, ezt követően országos turnéra indult, majd további 249 előadásra került sor New Yorkban és két évig Londonban is kiadták [98] [99] . Wise úgy döntött, hogy az előadás alapján filmet készít, amelyhez a Mirisch Pictures és a Seven Arts Productions produkciós cégeket bevonta , és úgy döntött, hogy producerként és rendezőként tevékenykedik, társrendezőnek pedig Robbinst hívta meg, aki állítólag az összes rendezőt. a táncszámok [99] .

Shakespeare Rómeója és Júliájának kiindulópontjaként a West Side Story (1961) két fiatal férfi tragikus szerelmi történetét meséli el a mai New York-i, háborús utcai bandákból – Tonyról ( Richard Beymer ), aki egykor egy bandát vezetett. és Maria ( Natalie Wood ), egy Puerto Ricó -i bandavezér nővére . A film megnyitásához Wise előállt a híres Manhattan helikopteres felvételével, amely a várost tömbről háztömbre mutatja madártávlatból, a végén pedig a kamera ráközelít egy ritmikusan csattanó tinédzser csoportra . Ahogy Bergan írja, "a 64. utcai helyszíni forgatás hangsúlyozta az utcákon balettozó banda valószerűtlenségét, ami lehetővé tette a film további forgatását a díszletben" [8] . Egy 1998-as interjúban Wise ezt mondta: "Mivel az egész meglehetősen konvencionális volt, azt hiszem, ez segített a közönségnek elfogadni az utcán táncoló gyerekeket, ami után elhagytuk a játszóteret" [6] . A forgatás egy táncrenddel kezdődött, amelyet Robbins rendezett, aki bár nagyszerű és fontos munkát végzett, súlyosan lemaradt a forgatási ütemtervtől és a túlköltekezéstől. Ekkor Wise kénytelen volt eltávolítani Robbinst a mű befejezéséből, az összes drámai jelenetet, valamint Robbins asszisztenseinek segítségével a megmaradt két táncjelenetet is, amennyire csak lehetséges megőrizte a színházi produkció koreográfiáját [99] . témák, opera, balett és show-biznisz”, koherens és harmonikus képet alkotva [8] .

A Variety szerint a film elkészítése 6 millió dollárba került, és amint azt a The Hollywood Reporter is megjegyezte, a film rendkívüli kereskedelmi és kritikai sikert aratott . Ahogy Bosley Crowser írta a The New York Times-ban írt recenziójában: „Amit a West Side Storyt színpadról vászonra vitték, az az volt, hogy a darab kiváló anyagát filmes remekművé alakították. A mozi dinamikus formáiban a műsor minden aspektusa csodálatos bánásmódban részesül. A dráma megkapja a szélesvásznú színes filmezés skáláját és természetességét... a dráma, a tánc és a zene erős keveréke, amely gazdag művészi egésszé ad hozzá.” [100] . A Variety bírálója a filmet "gyönyörűen megkoreografált, lenyűgöző, érzelmekkel vezérelt és erőteljes musicalnek nevezte, amely egy gyötrelmes társadalmi probléma durva megközelítésével és a történetfejlődés realizmusával a jövő zenei produkcióinak mintájává válhat. A vászon új dimenziót kölcsönöz, és időnként lenyűgöző újramondását egy Broadway musicalnek egy nagyobb moziban... Technikailag kiváló, káprázatos színhasználattal, lélegzetelállító kameramunkával és gyors vágásokkal, drámaisággal közvetíti a kép hangulatát és cselekményét. Kényszerítés. Még jelentősebb Leonard Bernstein zenéje és Robbins lélegzetelállító koreográfiája, aki a filmben mentes a színpad térbeli korlátaitól. Wise színházi és filmes technikákat egyaránt alkalmaz produkciójában, hosszú felvételeket személyes jelenetekről és gyors tempójú akciókról, amelyek hirtelen dinamikus mozgássá változnak, és izgalmas hatást keltenek" [101] . James Powers, a The Hollywood Reporter munkatársa szerint a film „nagyszerű show, mérföldkő a filmmusicalek történetében és lenyűgöző kereskedelmi siker. Annyira jó, hogy bármilyen szuperlatívusz alkalmazható rá. Egyetlen film musical sem volt jobb, mint ez a tisztán amerikai és hollywoodi forma . A film tíz Oscar -díjat nyert , ezzel a második legtöbb Oscar-díjas film akkoriban. A legjobb film díja mellett (amit Wise nyert), a film a legjobb rendező (Wise és Robbins), a legjobb férfi mellékszereplő, a legjobb női mellékszereplő, a legjobb művészeti rendezés, a legjobb operatőr, a legjobb jelmeztervezés, a legjobb vágás Oscar-díját is elnyerte. A legjobb zene és a legjobb hang, valamint a legjobb forgatókönyv jelölése. A film a Golden Globe -díjat is elnyerte a legjobb musical vagy vígjáték, a legjobb férfi mellékszereplő, a legjobb női mellékszereplő kategóriákban, Beimer pedig a Golden Globe-díjra jelölték a legjobb musical- vagy vígjátékban, valamint a Wise és Robbins a legjobb rendező kategóriában. Számos egyéb díj közé tartozik a Directors Guild of America Award , amelyet Robbin, Wise és Robert E. Relia rendezőasszisztens kapott [99] .

Egy évvel később, Walter Mirisch producerrel újra együtt dolgozva Wise elkészítette (nem hitelesítette) és rendezte a Two on the Sesaw (1962) című melodrámát, amely egy Broadway-darabon alapul két színész számára. A film egy omahai , nebraskai ügyvédről , Jerry Ryanről ( Robert Mitchum ) szól, aki feleségével való zaklatott kapcsolata elől New Yorkba költözik. New Yorkban Ryan váratlanul beleszeret a bronxi profi táncosnőbe, Gittel Moscába ( Shirley MacLaine ). Románia tör ki köztük, de a temperamentum, a társadalmi helyzet és az életmódbeli különbségek folyamatosan bonyolítják kapcsolatukat. Amikor Ryan végül elválik, fél elárulni ezt Gittelnek, mivel még mindig érez kapcsolatot volt feleségével. Annak ellenére, hogy nagyszerűek egymásnak, mindketten megértik, hogy a további kapcsolat nem hoz boldogságot, és ennek eredményeként Ryan visszatér volt feleségéhez [103] . Craig Butler kortárs filmtörténész szerint a film számos problémával küzd a kétszereplős színházi előadás mozivászonra vitelével: túl sematikusnak és kiszámítottnak tűnik. Még a színészi szöveg is szenved, mivel a kamera vizuális intenzitása olyan információkat ad a nézőnek, amelyeket nem kap meg a jelenetből, és ezért a szöveg túlságosan kifejezővé, természetellenessé vagy durvává válik." A film „szenved ezektől a problémáktól, bár végső soron magának a történetnek a melegsége és vonzereje, valamint McLain édes, sebezhető színészi játéka váltja meg… Noha Robert Wise rendezése kitartó és nyugodt, nem tudja teljesen legyőzni a mesterségességet. ami gyengíti ezt a filmet." film" [104] . Ahogy Elino Queen filmtörténész írta: „A film vegyes kritikákat kapott. Míg a legtöbb kritikus elégedett volt McLain teljesítményével, Mitcham teljesítményéről szóló vélemények nem voltak olyan kedvezőek. A film azonban két Oscar-jelölést kapott a legjobb eredeti dal és a legjobb operatőr kategóriában .

A Metro-Goldwyn-Mayerrel kötött szerződésének megkötése érdekében Wise úgy döntött, hogy "egy ijesztő kis természetfeletti történetet" rendez The Haunting of Hill House (1963) címmel (más fordításban: "Ördög barlangja"), Shirley Jackson című bestseller-regénye alapján . [8] . A film azt meséli el, hogy egy híres antropológus , aki érdeklődik az okkultizmus iránt ( Richard Johnson ), úgy dönt, hogy nyomozni kezd egy híres kastélyban, ahol megmagyarázhatatlan fizikai jelenségek hosszú története van. A kutatásban való részvételhez meghívja a hagyaték leendő örökösét, Luke Sandersont ( Russ Tamblyn ), valamint két önkéntes asszisztenst - Eleanor Vance-t ( Julie Harris ) és Theodorát ( Claire Bloom ), akinek szokatlan extraszenzoros érzékenysége van . Az események főként a házban zajlanak, megmutatva a kastélyhoz kapcsolódó események félelmetes természetfeletti lényegét [106] . A forgatás az Egyesült Királyságban zajlott brit színészekkel. A Stratford-upon-Avon melletti kastélyt kültéri forgatásra választották, míg az MGM brit stúdióban gazdagon díszített belső tereket építettek beltéri forgatáshoz . Wise a fekete-fehér festést választotta, mivel úgy érezte, hogy ez fokozza a történet sötét pszichológiai aspektusát. Ahogy Andrea Passafiume filmtörténész rámutat, Wise minden lehetőséget megragadott, hogy fokozza a pszichológiai horror kísérteties hangulatát. A korlátozott költségvetéssel dolgozó Wise nagyon finoman teremtette meg a dermesztő atmoszférát, érdekes kameraállásokkal, kontrasztos fekete-fehér fotózással, amelyhez speciális kísérleti objektíveket rendelt, valamint látványosan feltűnő szetteket. Finoman közelítette meg a filmben a leszbikusság témáját is , hisz a Theo és Eleanor közötti szexuális feszültség érdekes réteget ad ehhez a pszichológiai drámához. Amint Passafiume tovább írja, "a csapat minden tagja élvezte a Wise-val való együttműködést, aki az évek során erős rendezőként, nagyszerű intuícióval és az önzés teljes hiányával szerzett hírnevet." A filmet 1963 szeptemberében mutatták be, "halálra ijesztve a közönséget, aki a mozikba merészelt". Passafiume szerint az eredmény "egy mélyrehatóan kidolgozott film lett, amely új mércét állított fel a horror műfajban, és gyorsan a kísértetház alműfajban mérföldkővé vált " [107] . A film megjelenése után vegyes kritikusokat kapott a kritikusoktól. Bosley Krauser a The New York Times-ban különösen ezt írta: „Mielőtt ez a régi horrortörténet ektoplazmatikus fináléjához ér, mindent látni fogsz benne, ami a régimódi horrorfilmekben van, kivéve a gondolatmenetet, amely legalább valami jelentést. Nagyszerű, ahogy Harris és Bloom szereplői egy szobában húzódnak meg ebben a baljós, extravagáns kastélyban, összebújva a sötétben, ijesztő zajokat hallgatva az ajtó előtt, és bénító rémülettel várva, hogy ki tudja, mire. Úgy tűnik, hogy valahova vezet, ahogy Richard Johnson felkergeti Miss Harrist a csigalépcsőn, aki az őrület nyugtalanító jeleit mutatja. Biztos van valami jelentése, valami szimbolikája. Ez azonban csak egy újabb trükk a néző megijesztésére. És ez az egész film lényege. Úgy tűnik, ez a film több lúdbőrt produkál, mint amennyi értelme lenne, ami meglehetősen váratlan és kiábrándító egy olyan film esetében, amelyben két ilyen színésznő is nagyon jó, és amelyet a képzett Robert Wise készít és rendez . A Variety magazin ismertetője megjegyezte: "Wise és stábja ügyes operatőri munkája nem képes teljesen leküzdeni a forgatókönyv fő hiányosságait. Finoman hangolják a nézőt a tudományos következtetések elvárására a mentális jelenségek terén, a film teljesen egy félszeg melodramatikus csúcspontba kerül. A kép pusztán filmes szempontból kiváló, rendkívüli ügyességgel képes vizuális izgalmat és a közelgő horror képeit kelteni. Maga a ház szörnyű személyiségként viselkedik, és határozottan a film sztárjává válik. Csak az a kár, hogy ez a sok találékonyság a műben elpazarolt egy olyan képernyőtörténetre, amely nem képes ilyen erős művészi összetevőt támogatni . A modern filmkritikusok általában magas minősítést adnak a filmnek. Különösen Dennis Schwartz írta: „Wise rendezi ezt a nagyra értékelt horror-thrillert, fenyegető klausztrofóbiás légkört teremtve, és a házat olyan helynek építi, ahol a gonosz lakozik. Ez a film tudja, hogyan kell felidézni a kísértetjárta ház történetétől való félelmet... Határozottan látványos horrorfilm, a maga műfajában az egyik legjobb, hatékonyan adja át a borzongást és a félelmet, ami a horror szerelmeseinek igényeinek kielégítéséhez szükséges . Wise-t ennél a képnél jelölték a " Golden Globe "-ra, mint a legjobb rendező [111] .

Wise rendezte következő filmjét, a The Sound of Music -t (1966), amely Richard Rodgers és Oscar Hammerstein II azonos című színpadi musicalje alapján készült , amely 1959-ben debütált a Broadway-n, hatalmas kereskedelmi sikerrel . A musical története Maria Augusta von Trapp 1949-es, The History of the Trapp Singing Family című önéletrajzából származik. A könyv filmes jogainak megvásárlása után Vincent Jay Donahue -t megkereste a Paramount Pictures , hogy rendezze meg az Audrey Hepburn főszereplésével készült filmet , de ő úgy döntött, hogy vállalja a színházi produkciót . Adam Bernstein, a The Washington Post munkatársa szerint a film produkciója sokáig kétséges volt, mivel a Broadway musical, bár sokáig futott, negatív sajtót kapott. A The New York Times színházi kritikusa, Walter Kerr azt írta, hogy a műsor „túl édes a szavakhoz, és nem kevésbé édes a zenéhez” [6] . 1960-ban a Twentieth Century Fox 1,25 millió dollárért vásárolta meg a film jogait, ami akkoriban a legnagyobb irodalmi anyagokért fizetett összeg. A szerződés egyúttal kikötötte, hogy a filmet csak 1963-ban, azaz a darab Broadway-en történő első bemutatójának befejezéséig adják a képernyőre. A film rendezését William Wyler rendezőnek ajánlották fel , és miután 1963 októberében elutasította, Wise-t nevezték ki a rendezőnek . Wise eleinte megtagadta a film elkészítését, de később kompromisszumra jutott a stúdióval, amelyben kikötötték a film nyereségének százalékos arányát, valamint ígéretet tett a stúdiónak, hogy finanszírozza Gunboat című filmjét , amely költségvetési problémák miatt elakadt [113] . A Broadway-produkció alapján Wise azt javasolta, hogy a film ne legyen túlságosan édes szentimentális történet, eltávolította a kevésbé ismert dalokat, és további hangjátékot adott hozzá, hogy javítsa a jelenetek közötti szemantikai átmeneteket [114] . A darab egy részét is újrafogalmazta, és megszabadította a színpadiasságtól, a képet az osztrák Alpok látképét bemutató helikopteres felvételekkel kezdte [6] .

A film 1938 - ban játszódik az ausztriai Salzburgban . A kolostor az özvegy tengerészkapitány, Georg Ludwig von Trapp ( Christopher Plummer ) otthonába küldi a fiatal noviciátusjelöltet, Maria-t ( Julie Andrews ) hét gyermeke nevelőnőjének. Eleinte a gyerekek barátságtalanul találkoznak vele, de kedves és vidám hozzáállásának köszönhetően Maria gyorsan közel kerül a gyerekekhez, és megismerteti őket az énekléssel. Maga a nevelőnő beleszeret von Trapp-ba, aki egy gazdag bárónő jegyében áll, ő pedig viszonozza Maryt. A bárónő felismerve a helyzetet elengedi a kapitányt, hogy Mariával lehessen. Eközben az Anschluss következtében Ausztria a náci Németország része lesz , von Trappot pedig katonai szolgálatba állítják. Mivel nem akarja a Birodalmat szolgálni , haladékot kér azon az alapon, hogy a von Trappov családi énekegyüttessel együtt részt kell vennie a Salzburgi Zenei Fesztiválon . Közvetlenül az előadás után, anélkül, hogy megvárná az első díjat, von Trapp az egész családjával Svájcba szökik . A filmet a tiroli hegyekben forgatták, csodálatos Todd-AO színformátumban . Ahogy Bergan megjegyzi, "Rodgers és Hammerstein dalai, a lenyűgöző Salzburg környéki helyszínek felhasználása és Julie Andrews egészséges, tiszta színészi játéka segített a filmnek kedvenc kasszasikerré válni" [8] .

A közönség körében való széles körű népszerűsége ellenére azonban a kép vegyes értékelést kapott a kritikusoktól, akik úgy vélték, hogy a színpadi produkcióhoz hasonlóan a film is túlságosan "cukros" és banális. Nevezetesen, Pauline Cale neves filmkritikust kirúgták a McCall's magazinból , miután a filmet "mázas hazugságnak nevezte, amit az emberek látszólag el akarnak fogyasztani", azt állítva, hogy a film érzelmileg manipulálja a nézőt "olcsó és kész válaszokkal" [112] . Bosley Crowser a The New York Times-ban megjelent recenziójában megjegyezte: „Az a tény, hogy annak a könyvnek a nyilvánvaló gyengesége ellenére, amelyen bemutatták, a Broadway musical három és fél évig állt a színpadon, megadta a Robert Wise producer-rendező bízik abban, hogy átveszi azt, ami népszerűvé tette őt a színházban, és ugyanolyan népszerűvé teszi a filmvásznon. Ez az egyszerű családi érzések vidám sokasága és Rodgers és Hammerstein zenéjének dallamos boldogsága. Ennek eredményeként a Wise egy csodálatos színes filmet készített, amely közel áll a színpadi műsor aprólékos megismétléséhez, egészen a mozi korát megelőző operettépítésig. Ennek során Wise „fényképezőgépeivel csodálatos képeket készített Salzburgról és környékéről az osztrák Alpokban. Wise mindent olyan hangulatos szentimentális stílusban állít színpadra, amelyről még a színházi emberek is tudják, hogy elavult. A film a vége felé szenved az ismétlődéstől, de "bőséges az érzése". Ahogy Krauser levonja a következtetést: "Üzleti szempontból Mr. Wise messze nem egyszerű" [115] . James Powers, a The Hollywood Reporter , aki áradozott a filmről, ezt írta: "Ez a 20th Century Fox bejegyzés minden idők filmslágere lesz, minden idők egyik nagy filmje. Feleleveníti a moziba vetett hitét és a humanizmusba vetett hitét. Ragyogó szellemességgel, állandó jókedvvel, egyszerű és valósághű spiritualitással, a szívfájdalom és szívfájdalom romantikájával teszi. Először is köszönetet kell mondanunk Wise producer-rendezőnek a felülmúlhatatlan ügyességéért a film elkészítésében… Wise ezzel a filmmel megmutatja, hogy bármit elbír, és összetéveszthetetlen találékonysággal… A filmnek van ízlése, izgalma, szíve és esze, ami az első hely, amelyet a Wise fektetett be" [116] .

Ahogy Goering megjegyzi, A zene hangja a történelem egyik legtöbb bevételt hozó filmje volt [113] . A 6-7 milliós költségvetésű film 8 millióba került. Ennek ellenére a kép kasszaszenzáció lett, eleinte még az Elfújta a szél (1940) című filmet is felülmúlta a történelem legnagyobb bevételt hozó filmjeként (később a Gone visszaszerezte a vezető helyet). A kép több mint egy évig tartott a mozikban, és a stúdió szélesebb körben is kiadta, további helyi helyszíneken és behajtási helyszíneken is bemutatva . A New York Times felhívta a figyelmet arra, hogy a közönség a "terápia" formájaként gyakran, néha minden nap eljön megnézni a filmet. 2014-ben a The Sound of Music volt a történelem ötödik legtöbb bevételt hozó filmje, amely (inflációval kiigazítva) 2,3 milliárd dollár bevételt hozott világszerte [112] . A film öt " Oscart " nyert - mint a legjobb kép és a legjobb rendező (Wise mindkét díjat megkapta), a legjobb vágásért és a legjobb zenéért. További öt Oscar-díjra is jelölték a legjobb női főszereplő (Andrews), a legjobb női mellékszereplő ( Peggy Wood ), a legjobb művészeti rendezés, a legjobb operatőr és a legjobb jelmez kategóriákban." [112] . A film a legjobb Golden Globe -díjat is elnyerte. Vígjáték vagy musical, és Andrews elnyerte a legjobb színésznő díját.Legjobb rendezőként Wise-t jelölték a Golden Globe-ra és az Amerikai Rendezők Céhére is [117] .

A kép után Wise elkezdhetett dolgozni "hosszú haditengerészeti filmjén", a The Gunboat (más néven Sand Pebbles) (1966) [8] . Ahogy Goering rámutat, Wise a Zene hangját egy múló filmként kezelte, amelyet azért készített, hogy megnyugtassa a stúdióvezetést, és finanszírozást biztosítson ennek az összetettebb filmnek a készítéséhez, amely pénzhiány miatt elakadt [118] . A film 1926-ban játszódik a kínai polgárháború idején [119] . Jack Holman ( Steve McQueen ) szerelőként van beosztva a San Pablo amerikai ágyús hajóra, aki a Jangce folyón járőrözik . Független természete miatt Jack hamarosan kapcsolati problémákba ütközik mind a stáb tagjaival, mind a helyiekkel. Kollégája és barátja, Frenchy ( Richard Attenborough ) beleszeret egy kínai nőbe, Miley-be ( Emmanuelle Arsan ), és Jack segítségével kimenti egy bordélyházból. Frenchy és Miley összeházasodnak, Jack pedig kapcsolatba kezd Shirley amerikai tanárnővel ( Candice Bergen ), aki azonban hamarosan a tartományba távozik, hogy vallási misszióban dolgozzon. Frenchy hirtelen meghal tüdőgyulladásban , ami után egy ellenséges kínai csoport megöli Miley-t, Jacket hibáztatva a gyilkosságért. A feldühödött kínaiakat, akik készen állnak a csónak megtámadására, csak géppuskatűz segítségével lehet megállítani. Amikor a polgárháború közeledik a küldetéshez, a fegyveres csónak megmenti őt. Jacknek sikerül feltennie Shirleyt a távozó hajóra, de ő maga meghal egy véres csatában.

Ehhez a filmhez Wise-nek sikerült egy nagyon erős csapatot összeállítania. Különösen McQueen teljesítményével volt nagyon elégedett, és megjegyezte, hogy "soha nem dolgozott olyan színésszel, aki ennyire tudta, hogy neki dolgozik". Egy jelenet előkészítésekor McQueen gyakran javasolta, hogyan tudná eljátszani, és Wise szerint "nagyon gyakran igaza volt" [6] . Ahogy David Sterritt filmtörténész megjegyezte: „A kiváló operatőrrel , Joseph McDonalddal , aki az új Panavision rendszerben forgatott , és a szintén tehetséges produkciós tervezővel , Boris Levennel együtt Wise négy évet töltött (a forgatás hét hónapig tartott), és több mint 6 évet töltött. millió dollár, köztük 650 000 McQueen díja és 250 000 egy Hongkongban épített ágyús csónak , amivel a film egy háromórás igazán epikus látványt nyújt. A film végül megduplázta költségvetését, de több mint fedezte a költségeket, és több mint 30 millió dollárt keresett .

Sok kritikusnak tetszett a film [120] . Göring szerint a The Gunboat-t a kritikusok "epikus filmként, a vietnami háború allegóriájaként méltatták, háborúellenes rendező rendezte, és ennek üzenetét hordozza." [ 118] Ez volt az egyik első film, amelyet a vietnami háború ihletett, ezt követte a Catch 22 (1970) és a Military Field Hospital (1970) [121] . Így Bosley Crowser a The New York Timesban megjegyezte, hogy "a közönség nem csak egy 1926-ban Kínában tartózkodó amerikai ágyús csónakról szóló történetként fogja látni a filmet", bár ez is "lenyűgöző, egzotikus és összetett képet ad". Valószínűleg azonban a nézők a képen "furcsa utalást fognak látni arra, ami Vietnamban történt és történik ". A film "grafikus és metaforikus kapcsolata a távol-keleti problémánkkal nagy relevanciával és hatással bír. "Ez egy sötét és hektikus film", amely "a legénységgel való összetűzéstől a folyóblokád véres megtöréséig" játszódik. Arra is utal, hogy "az amerikai erők külföldön, érdekeink és polgáraink védelmére történő alkalmazása, különösen a politikai turbulenciák fényében, eredménytelen és nevetséges gyakorlat". A kritikus szerint a filmből az is kiderül, hogy „a régi kezdetleges gyakorlat, miszerint lenézünk egy „alacsonyabbrendű” fajt, arrogáns, képmutató és beképzelt halálhoz vezet” távol otthonról. Ahogy Krauser levonja a következtetést, "ez egy gyönyörűen rendezett film, amelyet Wise gyönyörű színekkel forgatott", amely összekapcsolja "egy különös és egyenetlen kísérletet egy háborús regényre" és "egy hatalmas és elsöprő katasztrófarobbanást a fejünk felett." [ 122] Amint azt a Variety megjegyzi, "az 1926-os kínai politikai és katonai zűrzavar alapján Robert Wise producer-rendező érzéki, személyes drámát hozott létre az akkori amerikai haditengerészet lövegcsónakos diplomáciájának hátterében ". A film "gyönyörűen rendezett, remek színészi játékkal". A bíráló véleménye szerint azonban „túlexponáltságtól szenved”, aminek az az eredménye, hogy bár „önmagában minden jelenet különálló, a drámai intenzitás a vége felé csökken” [123] . Stafford szerint "a kép nem veszítette el jelentőségét zaklatott világunk szempontjából" [120] .

A film számos rangos díjat kapott. Bár a film egyetlen Oscar-díjat sem kapott, nyolc Oscar- jelölést kapott a legjobb film (Wise), a legjobb színész (McQueen), a legjobb férfi mellékszereplő ( Mako ) és a legjobb színes filmes operatőr, a legjobb művészeti rendezés, a legjobb zene, a legjobb vágás kategóriában. és a legjobb hangzás. Attenborough elnyerte a legjobb férfi mellékszereplőnek járó Golden Globe-díjat, a film pedig további hét Golden Globe-jelölést kapott, köztük a legjobb drámai film, a Wise a legjobb rendező kategóriában, valamint a McQueen a legjobb férfi főszereplő kategóriában. Az Amerikai Rendezők Céhe a Wise-t jelölte a kiemelkedő rendezői teljesítményéért a filmben [120] [124] . Ahogy Goering megjegyezte: "A filmről szóló kiváló kritikák Wise hosszú pályafutása utolsó 'kreatív csúcsát' jelentették" [125] .

Ahogy azt Adam Bernstein is megjegyezte, Wise következő filmje a Sztár! (1968), "egy életrajzi film a brit színházi színésznőről , Gertrude Lawrence -ről Julie Andrews főszereplésével, kritikus és kasszakudarc volt a Wise számára" [6] . Bergan szerint "egy könnyű séta után a dombokon, Andrews és Wise, akik alig várták, hogy újra együtt dolgozhassanak, arccal leestek ezzel az elavult életrajzzal" [8] . A kép cselekménye 1940-ben kezdődik, amikor Gertrude Lawrence (Andrews) egy dokumentumfilmet néz az életéről, és emlékszik a múltjára. A cselekmény 1915-re tolódik, amikor elhagyja otthonát, hogy apjával fellépjen egy olcsó zeneteremben London külvárosában . Sikerül bekerülnie a West End -i André Charlot Színház ( Alan Oppenheimer ) statisztái közé , ahol a tömegből való kitűnni vágya felkelti Jack Roper ( John Collin ) rendező figyelmét. Neki adja a főszereplők alultanulmányos szerepét, és hamarosan Gertrude feleségül veszi. Terhesség alatt pótol egy hiányzó sztárt, lelkes reakciót váltva ki a közvéleményből, ami után kiderül, hogy színpadra született. Lánya, Pamela születése után Gertrude kapcsolata Roperrel megromlik, és hamarosan randevúzni kezd Anthony Spencer angol diplomatával ( Michael Craig ), aki hölgyet csinál belőle. Miután Spencer társaságában kirúgták a Charlot Színházból távolmaradások miatt, a világi társadalom kedvencévé válik. Gyermekkori barátja, híres író és színházi figura Noel Coward ( Daniel Massey ) ráveszi, hogy játssza el új produkciójának főszerepét, aminek köszönhetően Gertrude sztárrá válik. Amikor a show New Yorkba költözik, kapcsolatba kerül Charles Frazier színésszel ( Robert Reed ) és Ben Mitchell tőzsdeügynökkel ( Anthony Eisley ), de költekezése hamarosan a csőd szélére sodorja. A végén azonban sikerül kifizetnie hitelezőit, és megőrzi elbűvölő arculatát. Bár színházi karrierje rohamosan halad előre, kapcsolata Pamelával egyre rosszabb, ami idegösszeomláshoz vezet. Miután találkozott Richard Aldrich ( Richard Crenna ) üzletemberrel és színházi producerrel, elfogadja az ajánlatot, hogy játsszon a színházában. A próbán konfliktus alakul ki közöttük, ami után elmegy, és visszatér a Broadwayre. Aldrich megjelenik a próbán, ahol nem bírja a szerepet. Meghívja őt és Cowardot egy szórakozóhelyre, hogy megértse, hogyan játssza ezt a szerepet. A darab sikere után Getruda feleségül veszi Alrichot . Frank Miller filmtörténész szerint Gertrude Lawrence "a 20. század egyik legszebb színházi sztárja volt, és története a temperamentumos viselkedés, a romantikus kitörések és a zenei slágerek tökéletes kombinációját kínálja". Ahogy a kritikus is megjegyzi, a film nagyszabásúan, kora legdrágább musicaleinek szintjén készült. Nevezetesen, hogy az elismert tervező, Donald Brooks 3040 jelmezt készített a filmhez, ebből 125-öt Andrewsnak, ami a legtöbb jelmez egyetlen színésznő számára minden filmben. A filmet 14 helyszínen forgatták szerte a világon, és Boris Leven 185 stúdiódíszletet készített kilenc Fox filmdíszletben [ 127] .

A kritikusok azonban nagyon visszafogottan vették a képet. A Variety beszámolója különösen azt állította, hogy Julie Andrews előadása „néha elakad a zeneszámok között, de a szereplőgárda és a technikusok csodálatos csapata hozzájárult ahhoz, hogy élvezetes tisztelgést adjunk a színház egyik legelismertebb sztárja előtt. A film lenyűgöző bemutatót nyújt Lawrence lenyűgöző show-üzleti sztársággá válásáról, valamint gondosan kidolgozott hátteret egy mára letűnt korszakhoz . Renata Adler a The New York Timesban azt írta, hogy „Julie Andrews ezúttal nem olyan kiváló (mint a The Sound of Music-ban). Van némi ellentét különleges aranyos és ártatlan képe között" és a között, ahogy a film bemutatja a karakterét "kisasszony Lawrence-ként, akit valami szörnyetegként ábrázolnak, anélkül, hogy a csillogás, a báj vagy az okosság stílust adna ambícióinak. ..Azok, akik szeretik a régimódi musicaleket, elégedettek lesznek a képpel. Valamint azok, akik szeretik Julie Andrewst. De azok az emberek, akik szerették Gertrude Lawrence-et, jobb, ha maradnak a lemezgyűjteményüknél és az emlékirataiknál . Hal Erickson kortárs kritikus szerint: „A film időnként előre-hátra ugrik, és az ugrásokat speciálisan elkészített híradóanyaggal köti össze. A film nagyon hosszú, bár a zenei számok kiválóak. Ahogy a kritikus is írja: „Lawrence temperamentumos, szarkasztikus, földhözragadt és időnként önpusztító volt, és Andrews nagyon élvezi ezt a szerepet. Sajnos azonban Andrews rajongói, akik a The Sound of Music folytatását várták, azonnal elutasították új arculatában, és a film hatalmas kereskedelmi kudarcot vallott” [130] . Miller megjegyzi, "az egyre fontosabbá váló fiatalabb közönséget nem érdekelte a film". A stúdió megpróbálta becsábítani a fiatalokat azzal, hogy reklámfelvételt készített Andrewsról egy motorkerékpáron, de semmi sem működött. Wise irányítása alatt a képet 20 perccel 174 percre rövidítették [127] , és új címmel adták ki These Were the Jolly Times (1969) címmel. Miller szerint azonban "a film továbbra is pénzügyi katasztrófa maradt, bár végül hűséges kultuszra tett szert" [130] . A 14 millió dollárba kerülő film végül csak 2,4 millió dollárt hozott az Egyesült Államokban, a nemzetközi eladások pedig mindössze 10 millió dollárt tettek ki [127] . A kép pénztári kudarcának oka Goering szerint az volt, hogy "Andrewst a típusával ellentétben vállalták a szerepre, de Wise rendezőként vállalta a felelősséget a film hiányosságaiért" [131] . Wise a filmet tartotta a legnagyobb csalódásnak, mondván, hogy "az emberek látták Julie Andrewst a Zene hangja című filmben, ahol minden édes és szép volt, és nem akarták olyan lánynak látni, aki mindenkivel lefeküdt, és valami nehéz életet élt. " [6] .

Annak ellenére, hogy kereskedelmi kudarc és hideg sajtó volt, a filmet hét Oscar -díjra jelölték , köztük a legjobb operatőr, a legjobb művészeti rendezés, a legjobb jelmez és a legjobb zene díjára. Daniel Massey színész az Oscar-jelölés mellett a legjobb férfi mellékszereplőnek járó Golden Globe -díjat is elnyerte [127] . Ahogy Miller írja tovább: "A kereskedelmi halála és a nagy költségvetésű hollywoodi musicaleket lezáró filmek kemény sajtója után a képet újra felfedezték szívós rajongói... Majdnem 25 évbe telt, mire felfedte számos erényét. " [ 127]

1970-es évek

Bergan szerint pályafutása hátralévő részében Wise makacsul a hollywoodi fősodorba költözött, az Andromeda-törzs (1971) tudományos-fantasztikus filmjétől a Hindenburg (1975) katasztrófafilmig , az Alien's Daughter (1977) okkultizmusától vissza. a sci-fiig a Star Trek: The Movie (1979) című filmmel, amely a Paramount történetének negyedik legtöbb bevételt hozó filmje lett .

Wise első munkája az 1970-es években a The Andromeda Strain (1971) című sci-fi volt [132] . A film a népszerű sci-fi szerző, Michael Crichton regényén alapul, amelynek filmjogait a Universal 1969-ben szerezte meg 350 000 dollárért . A film producere és rendezője Robert Wise volt, aki a regényhez képest néhány változtatást eszközölt a forgatókönyvön, különösen egy női karaktert mutatott be az egyik férfi tudós helyett [133] . A film azzal kezdődik, hogy egy titkos amerikai űrműhold, amelyet idegen mikroorganizmusok összegyűjtésére indítottak, meghibásodik és lezuhan Piemont városában, Új-Mexikóban , és a város összes lakosát megöli, kivéve a csecsemőt és a részeg várost. A tragédia helyszínén a tudósok megállapították, hogy az emberek halálának oka földönkívüli eredetű. A történések okainak feltárására a hatóságok gyorsan összegyűjtenek egy négy vezető tudósból álló csoportot, akiket a nevadai sivatagba visznek egy mélyen a föld alá rejtett, a legmodernebb berendezésekkel felszerelt laboratóriumba helyezve. A tudósoknak meg kell találniuk annak a halálos mikroorganizmusnak a lényegét, amely megölte a város lakóit, és meg kell találniuk a módját, hogyan kezeljék. A kutatások azt mutatják, hogy a tudósok egy korábban ismeretlen életformával találkoztak – szaporodó és gyorsan mutáló kristályokkal, amelyek bármilyen energiaformát felhasználnak a növekedésükhöz. A törzs gyors terjedésének veszélye miatt a Föld légkörében a tudósoknak a lehető leghamarabb megoldást kell találniuk. A negyedik napon, amikor megtudják, hogy a törzs bizonyos tulajdonságokkal rendelkező vérrel terjed, kikerül az ellenőrzés alól, és elkezd behatolni a laboratórium összes csomópontjába. Vészhelyzetben automatikusan elindul az állomás önmegsemmisítő rendszere nukleáris robbanás segítségével. Felismerve, hogy egy ilyen robbanás a törzs ellenőrizetlen terjedéséhez vezet a bolygón, a tudósoknak az utolsó pillanatban sikerül kikapcsolniuk az önmegsemmisítési módot. Hamar megtalálják a módját, hogy az óceánvíz segítségével semlegesítsék a törzset, és megakadályozzák az emberiséget fenyegető halálos fenyegetést [134] . Ahogy Felicia Fister filmtörténész rámutat, különös gondot fordítottak egy olyan laboratórium létrehozására, amelynek kidolgozott, áramvonalas kialakítása a Stanley Kubrick 2001: Űrodüsszea (1968) belső tereire emlékeztet, és a filmet a sci-fi világába helyezte. bizonytalan jövő. Fister szerint azonban „Ez az időtlen érzés összetörik abban a jelenetben, amikor az egyik tudóst kihívják a házból az éjszaka közepén, és a felesége viccelődik, hogy egy hippi szerelmi buliba megy. Az ilyen időzítési részletek, valamint a nukleáris fegyverek veszélyeivel és a biológiai fegyverek növekvő fenyegetésével kapcsolatos nyilvánvaló paranoia arra utalnak, hogy ez az 1970-es évek sci-fi-je, ahogyan az idegen megszállók hordái is a kommunistákkal szembeni félelem kifejezésére szolgáltak. invázió az 1950-es évek filmjeiben. Ahogy Fister megjegyzi: "Bár a film technológiailag minden bizonnyal elavultnak tűnik a modern sci-fi szabványokhoz képest, csak a tudományos labor építése 300 000 dollárba került, ami akkoriban fenomenális költség volt." Fister szerint még megdöbbentőbb volt a G besorolás , amely lehetővé tette a film korhatár nélküli bemutatását, annak ellenére, hogy "a film rövid meztelenségi pillanatokat és néhány hátborzongató részletet tartalmaz az organizmusok emberi holttestekre gyakorolt ​​hatásáról" [ 135]

A film jelentős kereskedelmi sikert aratott. A 6,5 millió dolláros költségvetéssel [133] a film hazai színházi bevételei egyedül meghaladták a 12 millió dollárt [136] . A kritikusok véleménye azonban nem volt ennyire pozitív [132] . Különösen Roger Greenspan a The NBU York Times-ban kritizálta a filmet, és azt írta, hogy "a filmváltozat semmit sem javított Michael Crichton szörnyű regényén, óceánt és némi vágást adott hozzá". A kritikus szerint "a regény tele van félig tudományos információk tömegével, és Wise megőrzi a Crichton-módszernek ezt a szánalmas pozitivizmusát, elkerülhetetlenül átadva azt a színészeknek. Ennek eredményeként – ritka kivételektől eltekintve – a képek nem individualizálódnak, nem is beszélve a pszichologizmusról.” Ráadásul "a helyzet minden drámaisága ellenére nem történik semmi különösebben izgalmas". Erős emberi érzelmek és erős színészi játék nélkül „az emberek drámájához jutunk, akik szorosan ülnek a székeikben, forgatják a hangszerek gombjait és nézik a tévét” [137] . A híres filmkritikus, Roger Ebert úgy vélte, hogy "a film elég jó sci-fiként. Ami a filmben a legérdekesebb, az a gyártási terv, amely úgy tűnik, ott folytatódik, ahol az űrállomás belső terei 2001-ben: Az Űrodüsszeia abbamaradtak." Ahogy a kritikus tovább írja: "a sima, végtelenül ívelő biomorf műanyagok világában találjuk magunkat gombokkal és számítógép-monitorokkal." Ebert szerint ez éles ellentétben áll a korabeli legtöbb sci-fi filmjével, amelyek problémája a belső terek hitelessége, amikor "megkérnek bennünket, hogy higgyük el, hogy a hősök valahol az Alpha Centauri mögött kapnak lendületet , miközben a vezérlőpultjuk úgy néz ki, mint az 1949 -es Studebakernél . Az Űrodüsszeia óta kötelezővé vált az önbecsülő sci-fi filmek számára, hogy hihető környezetet hozzanak létre, és "ebben a filmben ez teljesen zseniálisan, egy hermetikusan lezárt laboratórium formájában, öt szinttel a föld alatt." Ellentétben a számítógép bizonyos humanizálásával az Űrodüsszeában, éppen ellenkezőleg, itt az emberek inkább számítógépekhez hasonlítanak, és nehéz pillanatokban úgy viselkednek egymással, mint „személytelen gépek”. Ahogy Ebert összefoglalja: „Sztori szinten ez egy csodálatos látvány, ami miatt aggódni fog, vajon sikerül-e legyőzni ezt a furcsa, idegen zöld kristálydarabot. De érdemes figyelni ezeket az embereket és a gépeket is.” Próbálja meg elmerülni ebbe az „automatizált, légkondicionált műanyag környezetben mesterséges világítással”, és kérdezze meg magát: „Valóban jó irányba halad-e az emberiség” [138] . Lucia Bozzola modern filmtörténész szerint "A film ötvözi az atomháborútól való félelmeket az űrkorszak technofóbiájával és a hetvenes évek eleji paranoiával... Leginkább kidolgozott díszletekben, homályos színészekkel forgatták" a film bemutatja az erőt és a a technológia varázsa. Bozzola szavaival élve "az időszak egyik szörnyű figyelmeztető képe a túlzott szerepvállalás veszélyeiről és az esetleges aljas kormányzati motívumokról", amely "áramvonalas, futurisztikus megjelenésével felkeltette a figyelmet, és Oscar-jelöléseket szerzett művészeti rendezésért és szerkesztésért " . ] .

A „ Kettő ” melodráma (1973) a Universal Pictures , a Robert Wise Productions és a The Filmmakers Group közös produkciója lett , és Wise nemcsak producerként, hanem rendezőként is tevékenykedett. A film Deirdre McCluskey ( Lindsey Wagner ) New York-i topmodellről szól , aki egy marrakeshi fotózás után vonattal Casablancába utazik , ahol megismerkedik egy magányos fiatalemberrel, Evan Bonnerrel ( Peter Fonda ), akivel aznap találkozott. előtte egy kávézóban. Amikor a vonat meghibásodás miatt megáll, Deirdre és Evan elmennek sétálni egy közeli faluba, ahol a lány flörtölni próbál Evannel, de a férfi nem kerül a közelébe. Később a Casablancából Párizsba tartó gép fedélzetén Evan bevallja neki, hogy dezertált a vietnami hadseregtől, Moszkvába szállították , ahol aktívan ellenezte a vietnami amerikai háborút, majd menedékjogot kapott Svédországban , ahonnan átköltözött. Marokkó . Felismerve egy ilyen létezés értelmetlenségét, és belefáradt a vándorlásba, úgy döntött, megadja magát az amerikai hatóságoknak, és megjelenik a törvényszék előtt. Mielőtt visszatérnek az Egyesült Államokba, Deirdre és Evan együtt töltik a napot és az éjszakát Párizsban. Reggel felajánlja, hogy együtt maradnak Európában, mondván, hogy a bevétele elegendő kettejük eltartására, de a férfi nem hajlandó. New Yorkba érkezve Deirdre ismét meghívja Evant, hogy maradjon nála, de elhatározta, hogy szakít a múltjával, és megadja magát a hatóságoknak. A film túlnyomórészt negatív kritikákat kapott. Roger Greenspan filmkritikus a The New York Timesban különösen "nagyon hülye filmnek" nevezte, amely "mindenben rossz", és a lényeg nem annyira a rendező Wise-ban van, hanem a kép mesterségességében és másodlagos természetében. [140] Roger Ebert a képet „a Love Story keserédes, radikalizált változatának nevezte, valószínűleg ez késztette Robert Wise rendezőt, hogy vállalja ezt a projektet. A film felületes, amikor úgy tűnik, hogy valamit mondani akar a háború résztvevőire gyakorolt ​​hatásáról. Figyelemre méltó téma lehet, de nem ehhez a filmhez. "Amit kapunk, az egy rettenetesen kínos utazás a banalitásba" [141] . Ahogy Goering írta, a film "rossz kritikákat" kapott, és továbbra is Wise egyik legkevésbé látott filmje maradt .

1975-ben Wise elkészítette és rendezte a Hindenburg (1975) katasztrófafilmet a Universal Studios-nál. A kép akciója a náci Németországban kezdődik 1937-ben. A Hindenburg Zeppelin elleni közelgő szabotázsról pletykák keringenek , a korábbi Luftwaffe -pilótát , Franz Ritter ezredest ( George C. Scott ), aki a katonai hírszerzéshez ment, a Hindenburghoz rendelik biztonsági vezetőnek. Az Egyesült Államokba tartó zeppelin fedélzetén több tucat utas, valamint a legénység tagja van, akik közül sokan gyanússá teszik Rittert. Köztük van egykori romantikus barátnője ( Ann Bancroft ), és egy trükkös üzletember ( Gig Young ), és olyan emberek, akiknek politikai ellentmondásaik vannak a náci rezsimmel, valamint egy Gestapo ügynök , akinek megvannak a maga feladatai, és ezen kívül még két teljesen titokzatos. emberek ( Burgess Meredith , René Auberjonois ), akiknek az utazás célja teljesen érthetetlen. Ritter rengeteg hamis nyomot, nyomot és verziót kidolgozott, csak a kép legvégén találja meg a katasztrófa szervezőit, de nem sikerül megakadályoznia a zeppelin felrobbanását leszállás közben a lakhursti légibázison. , USA [143] .

Megjelenéskor a filmet a kritikusok megmozgatták [144] . Roger Ebert, a Chicago Sun-Times munkatársa különösen kudarcnak ítélte a képet, és ezt írta: „Valóban, ez a film katasztrófa. Hogyan írhat le másként egy festményt, amely 12 millió dollárba került, és mindig rosszkor nevetteti ki az embereket?” [145] . Vincent Camby, a The New York Times munkatársa a képet "gondolatlannak és csapnivalónak", valamint "alkalmatlan pillanatokban mulatságosan viccesnek" nevezte. És mégis, ahogy a szerző írja: „Egyetlen hülye képkockát sem akartam kihagyni. Szeretem a katasztrófafilmeket, még a rosszakat is, a speciális effektusok és a várakozás miatt, hogy hamarosan kitör valami. Ahogy a kritikus írja, Wise " teljesen valószínűtlenné tette a jól ismert elméletet azokról az eseményekről, amelyek ahhoz vezettek, hogy a léghajó felrobbant és leégett a Lakehurst-i leszálláskor ". Véleménye szerint "a film lényegesen skizoidabb", mint az 1970-es évek eleji népszerű katasztrófafilmek, amelyek teljes fikciónak számítottak. Ezzel szemben a Hindenburg "az ismert tények és a rosszul kitalált fikció között szakad". Ahogy Camby írja: „ha kiveszed az utolsó 10 percet, amelyben Wise nagyon hatásosan ábrázolja magát a katasztrófát és a katasztrófa egyperces krónikáját is, akkor „egy újabb unalmas filmet kapunk a „levegőben lévő grand hotelről” ” [146] . Ahogy Craig Butler kortárs filmtörténész írta, a film "olyan, mint egy igazi zeppelin, nagy és dagadt, de annyiban különbözik, hogy soha nem hagyja el a földet, nemhogy a levegőben lebeg". Az eredmény egy "unalmas, fárasztó és gyakran irritáló mese arról, hogy mi vezethetett volna korszakos katasztrófához", amely "tele van klisékkel, sztereotípiákkal és szappanos melodrámákkal". Nagyon hiányoznak belőle "érdekes karakterek, hihető cselekményfordulatok, okos (vagy egyszerűen csak szórakoztató) párbeszédek, feszültség és dinamika. Annak ellenére, hogy a film alig több mint két órás, Robert Wise ólmos rendezése alatt sokkal hosszabbnak tűnik." Ugyanakkor Butler megjegyzi a kép pozitív aspektusait is, különösen a hajó belsejének gondos helyreállítását, és annak bemutatását, hogy mi a zeppelin működés közben. „A látvány is kiváló, a díszletek és a jelmezek nagyon lenyűgözőek”, és az operatőr is kiváló. A színészekről sem lehet rosszat mondani, de "még olyan sztárok sem tudnak elég életet lehelni egy forgatókönyvbe, mint Scott és Bancroft. Mindezek a plusz pontok nem teszik jóvá a filmet, de csak megakadályozzák, hogy ugyanolyan nagy katasztrófává váljon, mint amilyen valójában megtörtént . Annak ellenére, hogy kritikai és kasszasiker volt, [ 5] a film elnyerte a legjobb vizuális effektusok és világítás kategóriában járó Oscar -díjat, valamint Oscar-jelölést a legjobb operatőr, a legjobb művészeti rendezés és a legjobb hang kategóriában .

Wise következő filmje az Alien's Daughter (1977) című reinkarnációs thriller volt , amelyen producerként és rendezőként is dolgozott [150] . A film a virágzó Templeton családról szól, akik egy napon találkoznak egy titokzatos idegennel, Elliot Hooverrel ( Anthony Hopkins ), aki üldözi őket. Azt állítja, hogy Ivy, Templetonék 11 éves lánya lánya, Audrey Rose reinkarnációja, aki autóbalesetben halt meg, néhány pillanattal Ivy születése előtt. Néhány nappal később Ivy megmagyarázhatatlan rémálomba kezd, amit Elliot váratlan megjelenése állít meg, aki aztán diszkréten elviszi a lányt a lenti emeleten bérelt lakásba. A rendőrség gyorsan megtalálja őket, és Elliotot gyermekrablás vádjával bíróság elé állítják. Az udvarba egy hindu szerzetest hívnak meg szakértőként, aki felállítja a reinkarnáció elméletét, amelyre Elliot kijelentései épülnek. A tárgyalás szünetében az anya ideiglenesen bejelentkezik Ivy-hez egy szállodában, ahol éjszaka hallja, hogy Ivy többször hivatkozik Audrey Rose-ra a fürdőszobában a tükör előtt. Egy további eljárás során a szülők engedélyt kérnek a bíróságtól, hogy hipnózist alkalmazzanak annak bizonyítására, hogy Ivy nem Audrey Rose reinkarnációja. A hipnózis döntő pillanatában Ivynek eszébe jut egy autóbaleset, ami után izgatott lesz és elájul. Elliot beront a szobába, hogy megmentse a lányt, de a lány meghal a karjaiban. Nem sokkal később, egy Elliotnak írt levelükben a szülők elismerik, hogy Ivy Audrey reinkarnációja volt.

A film megjelenése után a kritikusok véleménye nagyjából egyenlő arányban oszlott meg - egyesek szidták, mások dicsérték. És – írja Eleanor Queen filmtörténész – „Még csaknem huszonöt évvel később is nehéz eldönteni a kritikusoknak, hogy A furcsa lány Wise diadala vagy kudarca volt-e”. Természetesen a filmnek erős versenytársai voltak a megjelenés idején – Az ördögűző (1973) vagy Az ómen (1976). Azonban, ahogy Quinn megjegyzi, ezekkel a filmekkel ellentétben „Wise nem akarta megdöbbenteni hallgatóit; ehelyett meghívta őket, hogy fedezzék fel az ismeretlenség sötét oldalát." Maga Wise szavaival élve a forgatás során: „Nem hiszem, hogy a reinkarnációt fogjuk bizonyítani ezen a képen, de nagyon nyitott vagyok mindenre, ami a természetfeletti, a paranormális és egyéb dolgok lehetőségével kapcsolatos. méretek." [ 151] Vincent Camby, a The New York Times munkatársa a film megjelenése után negatívan értékelte a filmet, és azt írta, hogy "a film lelke Az ördögűző lelke egy azonnali feldolgozás után". Ahogy a kritikus is megjegyzi, "nagyon szomorú látni, hogy pénzt és szellemi erőforrásokat dobnak ebbe az átverésbe, teljesen fantáziátlan anyagba." Ugyanakkor „Mr. Wise semmit sem tesz annak érdekében, hogy ez megváltozzon. Ehelyett minden forgatókönyv-klisét megtölt egy sajátjával, és még a csúcsponti tárgyalótermi jelenetet is sikerül lefilmeznie feszültség nélkül . Ahogy később Craig Butler filmtörténész is megírta, a hatalmas sikert aratott Az ördögűzőhöz képest ez a film "a műfaj intellektuálisabb, finomabb példája, amely egyszerre áldássá és átokká válik számára". Ahogy a kritikus tovább írja: "Robert Wise viszonylag visszafogottan forgatta a filmet, de még mindig vannak benne dermesztő pillanatok. Egy nagyon bőbeszédű forgatókönyvből dolgozva - ami becsületére legyen mondva, a horror keretein belül maradva, de igyekszik racionálisan mérlegelni a reinkarnáció fogalmát - a Wise ravaszul a kép méltóságává teszi a szöveget. Figyelmének középpontjában a színészek sorai, gyakran monológok állnak, amelyek feszültséget keltenek. Végső soron "a forgatókönyv igényessége és intellektuális szárazsága megakadályozza, hogy a film a lehető legkiválóbb thriller legyen, de még mindig méltó alternatívája az ismertebb thrillereknek" [153] .

Két évvel később a Paramount Pictures felkérte Wise-t, hogy rendezze meg a Star Trek: The Movie (1979) sci-fi filmet , amely az első nagyjátékfilm , amely a Gene Roddenberry által készített, népszerű Star Trek televíziós sorozaton (1966–1969) alapul . Amint azt az American Film Institute információi is megjegyezték , a sorozatot birtokló NBC a nézettség alapján nem tartotta különösebben sikeresnek, és végül 1969-ben bezárta. Ennek ellenére a sorozat elkötelezett rajongóinak jelentős csoportját fejlesztette ki, és 1969-től kezdve a sorozat jelentős sikereket ért el a szindikáció terén . Ennek eredményeként 1974-ben Roddenberry azt javasolta a Paramount Pictures -nek, hogy készítsen egy játékfilmet a sorozat alapján, és szándékában állt több további film elkészítése vagy egy frissített televíziós sorozat elindítása. Roddenberry megírta a forgatókönyv első vázlatát, de a stúdió elutasította, és független keresést indított forgatókönyvírók után. Végül több év eredménytelen keresése után a Paramount úgy döntött, hogy felhagy a film készítésével, és egy újramasztergált sorozatra összpontosít, hogy meghirdethesse. A Star Wars (1977) és a Close Encounters of the Third Kind (1977) hatalmas sikere után azonban a Paramount váratlanul visszatért a játékfilm ötletéhez. 1978 tavaszán a stúdió hivatalosan bejelentette egy 15 millió dolláros film elkészítésének tervét Robert Wise rendezésében. Wise a karakterek finomításával kezdte, és végül meggyőzte Leonard Nimoyt , hogy térjen vissza a projekthez, végül megtartotta a film összes főszereplőjét, valamint az eredeti sorozat kreatív csapatának számos tagját. A forgatás 1978 augusztusában kezdődött a hollywoodi Paramount stúdióban . A filmhez új jelmezek és drága díszletek készültek. A stúdióban tíz készletet foglaltak el különféle űrhajóbelsők, az űrhajó kapitányhídjának létrehozása pedig egymillió dollárba került. A fő fotózás két hét késéssel, 1979. január végén készült el. A képet a kiváló minőségű speciális effektusok létrehozásával kapcsolatos nehézségek sújtották, és ennek eredményeként az ASTRA -val kötött szerződést felbontották , amely 5 millió dollár elköltése után nem tudta elérni a szükséges eredményeket. Helyére egy tapasztalt speciális effektus-mester , Douglas Turnbull érkezett , aki újra elvégezte az összes munkát. Ennek eredményeként a Los Angeles Times cikke szerint a film elkészítési költsége meghaladta a 42 millió dollárt, egyes források pedig 45 millió dollárra teszik ezt a számot, amivel korának egyik legdrágább játékfilmje lett [154] .

A film a 23. században játszódik, több évvel az Enterprise űrszonda visszatérése után a Földre. A hajó kapitányát, James Kirket ( William Shatner ) admirálisi rangra emelik, és az űrflotta főhadiszállására osztják be, miközben maga a hajó mélyreható modernizáción esik át. Amikor azonban az űrből veszély fenyegeti a Földet, ismét Kirket bízzák meg a hajó vezetésével. Egy titokzatos, bolygó méretű, hatalmas erejű energiafelhő közeledik a Föld felé, amely képes mindent elpusztítani, ami az útjába kerül. Spock (Leonard Nimoy), Dr. McCoy ( DeForrest Kelly ) és legénysége többi tagja mellett Kirk egy energiafelhőben irányítja az Enterprise-t, és rájön, hogy ez a NASA rég elveszett Voyager űrszondája . Miután évszázados útja során gazdag adatokat szívott fel az univerzumról, a hajó intelligens lénnyé változott, aki V'Gernek nevezte magát, aki visszatért, hogy megkeresse alkotóját.

A film jelentős kereskedelmi sikert ért el [5] . A The Hollywood Reporter 1996. november 22-i adatai szerint a film 82,3 millió dollárt keresett csak a hazai megjelenésekből [154] . A The New York Times szerint azonban kiábrándító kritikákat kapott a kritikusoktól [5] . 1979. december 10-én a The Los Angeles Timesban Charles Champlin részben azt írta, hogy "A film erősen támaszkodik a speciális effektusokra, de hiányzik belőle a Star Wars cselekménye és érzelmei, valamint az Űrodüsszeia miszticizmusa." ”, és „maga a cselekmény nem elég súlyú egy kétórás filmhez” [154] . Leonard Maltin népszerű filmkritikus "lassúnak, bőbeszédűnek és használtnak nevezte a filmet, amelyet részben megmentettek a csodálatos speciális effektusok" [155] . Másrészt a Variety ismertetésében megjegyezte, hogy "a producer Roddenberry és a rendező, Wise félelmetes technikai csapatot állított össze, ami a legmodernebb képernyőcsodát eredményezte... Ez a thriller tartalmazza az összes olyan összetevőt, amely elnyerte a rajongók szívét - ez is filozófiai dilemma, amelyet az elme feletti irányítás, az űrhajóval kapcsolatos problémák és a megbízható, megértő Kirk, valamint a mindig logikus Spock és a feszült epizód, cselekménycsavarral témája mutat be a kép végén. A film fő titka azonban Douglas Turnbull drága effektjei volt, "melynek elképesztő varázslata igazolja kolosszális költségvetését" [156] . Ennek eredményeként a filmet három Oscar-díjra jelölték – a legjobb művészeti rendezésért, a legjobb zenéért és a legjobb vizuális effektusokért [154] . A kép kereskedelmi sikere oda vezetett, hogy 1982 és 1991 között további öt játékfilmet adtak ki, és 1987 és 1994 között a Star Trek: The Next Generation sorozatot sugározták a televízióban . 2001-ben a Paramount beleegyezésével a Wise újraszerkesztette a kép egyes jeleneteit és speciális effektusait, és az anyagok egy részét is lecserélte, kiadva a kép új verzióját DVD -n [154] .

1980–2000

A Star Trek: The Movie után Wise úgy döntött, hogy otthagyja a rendezést, és csak a produkcióra összpontosít . 1986-ban Wise a Wisdom című krimi (1986) ügyvezető producereként szerepelt , amelyet a népszerű, 23 éves Emilio Estevez színész írt és rendezett, aki Demi Moore -ral együtt szerepelt a filmben . Wise a The New York Timesnak adott interjújában "ügyvezető igazgatóként" hivatkozott a filmmel kapcsolatos pozíciójára, és kijelentette, hogy a Gladden Entertainment Corporation produkciós cég kérésére vállalta el a munkát Estevez beleegyezésével. Wise szerint a filmben játszott szerepe inkább egy mentor szerepe volt: „A forgatáson voltam, hogy segítsek neki, amikor meg akart beszélni valamit, vagy meg akart győződni arról, hogy a megfelelő szöget választotta, vagy hogy jól néz ki. szerkesztés, a választott szögek megfelelő lefedettséget biztosítanak-e a jelenetnek. Soha nem szóltam bele, amikor a helyszínt rendezte. De amikor valami zavart, félrevettem, és azt mondtam: "Légy óvatos ezzel, vagy vigyázz, vigyázz, szerintem rosszul néz ki ebben a keretben." Főleg technikai kérdésekről beszéltünk.” Wise úgy gondolta, hogy a veterán rendezők közül ő volt az első, aki mentor szerepet játszott, tapasztalatait átadva a filmesek új generációjának. Szerinte „Talán ez példaként szolgálhat más tapasztalt rendezők számára is, hogy tegyenek hasonlót. De ezt maguknak a fiatal rendezőknek is akarniuk kell. Ez a fő dolog" [157] .

Wise utolsó játékfilmje, ahol Bergan szerint "sajnos beleegyezett, hogy rendezőként szerepeljen", a B - kategóriás krimi melodráma-musical Rooftop War (1989) volt [8] . A film Manhattanben játszódik , és nagyon hasonlít a West Side Storyban bemutatott környezetre . A film főszereplője, egy csendes és szelíd fehér tinédzser, T, elhagyja otthonát, és egy elhagyatott sokemeletes épület tetején található régi víztoronyban talál menedéket. Körülötte egy csoport hasonló srác gyűlik össze, köztük egy Squeak becenevű utcai graffitiművész , akivel főleg fémhulladék gyűjtéséből és apró lopásból élnek együtt. Esténként a srácok a tetőn összegyűlnek egy „harcra”, a non-contact karate és a tánc egyfajta keverékére, melynek célja, hogy az ellenfelet kikényszerítsék a pályáról. Valamivel később Lobo, a kisvállalkozású drogdíler saját crack boltot hoz létre abban a házban, ahol T él . Lobo kénytelen gyönyörű unokatestvérének, Elanának dolgozni, akivel T kölcsönös érzelmek alakulnak ki. Squeak meggyilkolása után a konfliktus egyrészt T és fiai, másrészt Lobo drogdílerei között eszkalálódik, ami döntő összecsapáshoz vezet, amelyben T kénytelen bevetni "harci" képességeit [158] . Roger Ebert, a Chicago Sun-Times filmkritikusa "irreálisnak", "kiszámíthatónak" és "másodlagosnak" minősítette a filmet, ami sikertelen kísérlet arra, hogy egy klisés zenei fantáziát értelmes történetté varázsoljon . Ahogy Goering megjegyezte, a film "gyakorlatilag észrevétlenül múlt el" [155] .

2000-ben, 86 évesen Wise ismét visszatért a rendezéshez, és a Showtime kábeltelevíziós társaság számára rendezte a Summer Storm (2000) című melodrámát . Az 1969-ben játszódó főszereplő, egy elégedetlen zsidó bolttulajdonos New York állam egyik kisvárosában ( Peter Falk ) a körülmények arra kényszerítik, hogy otthonában örökbe fogadjon egy hajléktalan fekete fiút. Eleinte ellenséges kapcsolatok alakulnak ki közöttük, amelyek azonban fokozatosan erős barátsággá fejlődnek, miután kiderül, hogy mindkét legközelebbi emberük hősiesen halt meg a háborúban [6] [7] [160] . Amint azt Craig Butler filmkritikus megjegyezte, bár a nagyon erős forgatókönyv, amelyet Rod Serling írt még 1969-ben, "kicsit elavult", ez nem a benne felvetett társadalmi problémáknak köszönhető. Ugyanakkor Wise a tőle megszokott professzionalizmussal és érzékenységgel helyezi el a képet, kiváló szereplőgárdát állított össze [161] . A film Daytime Emmy-díjat nyert a kiemelkedő gyermekfilm kategóriában .

Amikor Wise filmjeit elkezdték kiadni DVD -n , felvette a The Sound of Music, a House on Ghost Hill és a The Set-up című filmjeinek szinkronhangját, valamint felügyelte a The Gunboat és az Administrative Power szinkronhangját. Szinkronbeszédet is adott a Star Trek: The Movie on DVD rendezői vágásához , amely újravágott jeleneteket, új optikai effektusokat és új hangkeverést tartalmazott. Ez volt Wise utolsó projektje [163] .

A kreativitás értékelése

Robert Wise köztiszteletben álló rendező volt, aki széleskörű elismerést vívott ki munkájáért mind a szakmai környezetben, mind pedig számos tisztelő körében. Ahogy a The New York Times megjegyzi: "Wise számos filmes műfaj lelkiismeretes és becsületes mestere volt, akit sok kollégája tisztelt azért, mert képes egyensúlyt teremteni a kereskedelem és a művészet között, professzionalizmusáért és higgadtságáért, valamint segítségéért. törekvő filmesek » [5] . Goering szerint Wise "erős produkciói etikája, valamint takarékos rendezője, költségvetése miatt volt híres" [164] . Ahogy Adam Bernstein megjegyzi a The Washington Postban: „A színészi szakma jobb megértése érdekében Wise színészi leckéket vett filmes karrierje elején, és munkáját gyakran a színészi intuícióba vetett hit vezérelte. Emiatt rendezőként olyan csúcsszínészekkel vette körül magát, mint William Holden , Paul Newman , Robert Ryan , Burt Lancaster , Susan Hayward és Julie Harris .

Ahogy a The New York Times megjegyezte, Wise „a tartalom rendezőjének, nem pedig üzenetnek tartotta magát, és nem félt kísérletezni.” [ 5] [6] Bergan szavaival élve: „ügyes mozgással műfajról műfajra, stílusra. a stílus szempontjából ő volt Hollywood egyik vezető rendezője”, míg Wise „nagy következetesség és személyes érintés nélkül csinálta.” [ 8] [5] Bernstein szerint "elutasította azoknak a – szavai szerint – „ezoterikus” kritikusoknak a nézeteit, akik ezt hitték akkor nincs egyetlen stílusa, és vagy a feszültség királyának akarták nevezni, mint Alfred Hitchcock , vagy a westernek mesterének, mint John Fordnak [ 6] . Wise azt mondta: „Néhány elkötelezettebb kritikus azzal érvel, hogy nincs Robert Wise stílusa vagy kézírása. Erre az a válaszom, hogy megpróbáltam minden műfajt olyan filmes stílusban elsajátítani, amelyről úgy gondolom, hogy az adott műfajhoz megfelelő. Semmi esetre sem vállalnám a The Sound of Music című filmet olyan megközelítéssel, mint az Élni akarok! „és ez magyarázza a stílusok összetévesztését” [7] . Michael Apted , az Amerikai Rendezők Céhének elnöke Wise halála utáni nyilatkozatában kijelentette, hogy "a filmes szakma iránti elkötelezettsége, valamint az azzal kapcsolatos tudásának gazdagsága, hogy mit csinálunk és hogyan csináljuk, különleges ajándék volt rendezőtársainak". [7] .

Wise az 1940-es évek elején szerezte meg első filmes elismerését Orson Welles "korszakalkotó" filmjeinek , mint például a Citizen Kane és a The Magnificent Ambersons filmvágójaként . A mozi aranykorában, az 1940-es években Wise maga kezdett B-filmeket rendezni, sikerrel az RKO Picturesnél , majd az 1950-es és 1970-es években jelentős filmeket készített [5] . Szervezett és hibátlan mesteremberként szerzett hírnevet, gyakorlatilag minden műfajban dolgozott, a nagy drámától a romantikus vígjátékig, a film noirtól a természetfelettiről szóló filmekig [7] . Wise összesen 39 filmet rendezett, a sci-fitől (" A nap, amikor a Föld megállt ") és a zaklatott drámákon ("Élni akarok!") a háborús történetekig (" Gy Quiet, Go Deep ") és a westernekig (" Dicsérjétek a gonosz embert ") [9] .

A The New York Times szerint "Wise karrierje az egekbe szökött" a West Side Story -val, a mérföldkőnek számító Broadway musical 1961-es filmadaptációjával, amelyért Jerome Robbins koreográfussal együtt elnyerte a legjobb rendezőnek járó Oscar -díjat . Második Oscar-díjat kapott producerként, amikor a filmet a legjobb filmnek választották. Wise harmadik és negyedik Oscar-díját nyerte el a The Sound of Music című filmért, amely "a nagy sikerű színházi musical pazar adaptációja", ahol ismét a legjobb rendező és a legjobb producer címet kapta [5] . A Chicago Sun-Times szerint a West Side Story és a The Sound of Music "minden idők két legelismertebb és legnépszerűbb musicalje" [9] . Wise filmjei között szerepelt még az Adminisztratív hatalom című üzleti dráma , a Somebody Up There Loves Me című bokszfilm , a Betting on Tomorrow című faji fordulatú krimi , valamint a The Haunting of Hill House című kísértettörténet . Bergan szerint Wise "legnagyobb erőssége a sötét, olcsó, fekete-fehér realista drámák voltak" [8] . Maga Wise kedvenc filmjeként emlegette a The Haunting of Hill House-t, valamint az Élni akarok! című halálbüntetés-drámát. További Wise-filmek, amelyeket a The New York Times szerint a közönség továbbra is lelkesedéssel néz, a Body Snatcher horror , a The Set Up és a The Day the Earth Stood Still [ 5] .

Társadalmi tevékenységek

1966-ban Wise a Filmművészeti és Filmtudományi Akadémia Igazgatótanácsának tagja lett, négyszer választották az Akadémia alelnökévé, 1985 és 1989 között pedig az elnöke volt [165] [5] [9] [ 6] .

Wise 1971 és 1975 között az Amerikai Rendezők Céhének elnöke volt . Megalapította a Guild Special Projects Committee-t, amelynek 1976 és 2000 között ő volt az elnöke [166] [9] [6]

Wise tagja volt az Amerikai Filmintézet kuratóriumának, és elnöke volt a Tudományos Kutatási Központnak [7] .

Wise egy életen át tartó liberális emberbarát volt, jótékonysági szervezeteknek segített, köztük az American Civil Liberties Union -nak, és megalapította a Robert E. Wise Alapítványt, hogy pénzügyi támogatást nyújtson Los Angeles -i projektekhez .

Személyes élet

Robert Wise kétszer nősült. 1942-ben feleségül vette Patricia Doyle színésznőt [168] , aki házasságuk után visszavonult a színészettől. Egy évvel a házasságkötés után a párnak fia született, Robert Allen, aki később operátorsegéd lett [169] . Patricia 1975-ben halt meg rákban [144] [6] [7] .

1977-ben Wise feleségül vette Millicent Franklint, aki kis szerepet kapott a Star Trek: The Movie című filmben [ 170] . Ez a házasság az igazgató 2005-ös haláláig tartott. Wise-nak felesége és első házasságából származó fia mellett volt egy fogadott lánya, Pamela Rosenberg és egy unokája [5] [8] [6] [7] .

Halál

Robert Wise 2005. szeptember 14-én halt meg az UCLA Medical Centerben , 91 éves korában szívelégtelenségben [5] [6] [9] .

Családbarát, Lawrence Mirisch szerint Wise három nappal halála előtt jókedvűen és jókedvűen telt 91. születésnapi ünnepségén, amelyen két tucat közeli barát vett részt [7] [9] .

Díjak és jelölések

Több mint 50 éves pályafutása során Wise-t hétszer jelölték Oscar -díjra [9] . Összesen négy Oscar-díjat nyert - kétszer rendezőként és kétszer producerként - a West Side Story (1961) és a The Sound of Music (1965) című filmekben [162] . Oscar-jelölést is kapott Orson Welles Citizen Kane című klasszikusának szerkesztéséért , az Élni akarok! "(1958) és a " Gyúcsónak " (1966) című film producereként, amelyet a legjobb filmnek jelöltek [9] .

Kilenc színészt és színésznőt jelöltek Oscar-díjra a Wise által rendezett filmekben való alakításért: Nina Foch , Susan Hayward , Rita Moreno , George Chakiris , Julie Andrews , Peggy Wood , Steve McQueen , Mako és Daniel Massey . Közülük hárman - Hayward, Moreno és Chakiris - nyerték el ezt a díjat [171] .

A Wise megkapta az amerikai filmipar legtiszteltebb díjait. 1966-ban az Academy of Motion Picture Arts and Sciences átadta D.W-t adományozott nekiCéheRendezők, 1988-ban azaz Irving G. Thalberg-díjatWise- Amerikai Filmintézettől [162] [ 5] [7] .

Wise három filmje felkerült az Amerikai Filmintézet minden idők 100 legjobb amerikai filmje listájára, köztük a Citizen Kane az 1. helyen, a The Sound of Music a 40. helyen, a West Side Story pedig az 51. helyen áll .] [172] .

Jutalom	Év	Kategória	Film	Eredmény
Oscar	1942	Legjobb szerkesztés	Kane polgár	Jelölés
	1959	Legjobb rendező	Élni akarok!	Jelölés
	1962	Legjobb film	West Side Story	Győzelem
		Legjobb rendező ( Jerome Robbinsszal megosztva )	West Side Story	Győzelem
	1966	Legjobb film	Zene hangjai	Győzelem
		Legjobb rendező	Zene hangjai	Győzelem
	1967	Legjobb film	Ágyúnaszád	Jelölés
		Irving Thalberg-díj		Jutalom
Golden Globe	1959	Legjobb rendező	Élni akarok!	Jelölés
	1962	Legjobb rendező (Jerome Robbinsszal megosztva)	West Side Story	Jelölés
	1964	Legjobb rendező	A ház szelleme a dombon	Jelölés
	1966	Legjobb rendező	Zene hangjai	Jelölés
	1967	Legjobb rendező	Ágyúnaszád	Jelölés
Cannes-i Filmfesztivál	1949	FIPRESCI díj	beállít	Győzelem
		A Grand Prix	beállít	Jelölés
Velencei Filmfesztivál	1954	Arany Oroszlán	Adminisztratív jogkör	Jelölés
Amerika Filmrendezők Céhe	1955	Legjobb rendező	Adminisztratív jogkör	Jelölés
	1957	Legjobb rendező	Valaki odafent szeret engem	Jelölés
	1959	Legjobb rendező	Élni akarok!	Jelölés
	1962	Legjobb rendező	West Side Story	Győzelem
	1966	Legjobb rendező	Zene hangjai	Győzelem
	1967	Legjobb rendező	Ágyúnaszád	Jelölés
	1983	A Céh tiszteletbeli életútjának tagja		Jutalom
	1984	Robert Aldrich Achievement Award		Jutalom
	1988	Életműdíj		Jutalom
	2001	Elnöki díj		Jutalom
Amerikai Filmintézet	1998	Életműdíj		Jutalom
Hollywood Walk of Fame	1960	A Walk of Fame csillaga a filmiparhoz való hozzájárulásáért		Jutalom

Filmográfia

Év	Orosz név	eredeti név	Stúdió	Milyen minőségben vett részt	Megjegyzések
1934	boldog válást	A meleg elvált	RKO Radio Pictures	Hangeffektus-szerkesztő	Hiteltelen
	Az emberi szenvedélyek terhe	Az emberi rabságról	RKO Radio Pictures	Hangeffektus-szerkesztő	Hiteltelen
1935	Henger	cilinder	RKO Radio Pictures	Hangeffektus-szerkesztő	Hiteltelen
	Informátor	Az informátor	RKO Radio Pictures	Hangeffektus-szerkesztő	Hiteltelen
1939	Vernon és Irene kastély története	Vernon és Irene kastély története	RKO Radio Pictures	A szerkesztő asszisztense	Hiteltelen
	egyedülálló anya	Agglegény anya	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	Fifth Avenue Girl	5th Ave Girl	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	A Notre Dame-i toronyőr	A Notre Dame-i toronyőr	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
1940	Szeretett feleségem	Kedvenc feleségem	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	Táncos lány tánc	Tánc, lány, tánc	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
1941	Kane polgár	Kane polgár	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	Az ördög és Daniel Webster	Az ördög és Daniel Webster	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
1942	A csodálatos Ambersonok	A csodálatos Ambersonok	RKO Radio Pictures	Szerkesztő	További jelenetek rendezője is (nem hitelesített)
	hét nap szabadság	Hét nap szabadság	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
1943	Bombardier	bombázó	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	elesett veréb	A bukott veréb	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
	Vas major	A vasőrnagy	RKO Radio Pictures	Szerkesztő
1944	Arábiai eset	Akció Arábiában	RKO Radio Pictures	Második szereplő rendező	Hiteltelen
	A macskanép átka	A macskanép átka	RKO Radio Pictures	Termelő
	Mademoiselle Fifi	Mademoiselle Fifi	RKO Radio Pictures	Termelő
1945	testrabló	The Body Snatcher	RKO Radio Pictures	Termelő
	halál játéka	Egy játék a halálról	RKO Radio Pictures	Termelő
1946	büntetőbíróság	büntetőbíróság	RKO Radio Pictures	Termelő
1947	Ölésre született	Ölésre született	RKO Radio Pictures	Termelő
1948	Vér a Holdon	Vér a Holdon	RKO Radio Pictures	Termelő
	Rejtély Mexikóban	Rejtély Mexikóban	RKO Radio Pictures	Termelő
1949	beállít	A beállítás	RKO Radio Pictures	Termelő
1950	Három titok	Három titok	Warner Bros.	Termelő
	Nyugat két zászlaja	Két zászló nyugaton	20th Century Fox	Termelő
1951	A nap mikor megállt a Föld	A nap mikor megállt a Föld	20th Century Fox	Termelő
	Ház a Telegraph Hillen	A Ház a Telegraph Hillen	20th Century Fox	Termelő
1952	Valamit a madarakért	Valamit a madarakért	20th Century Fox	Termelő
	Város fogságban	A rabváros	United Artists	Termelő
1953	Vissza a Paradicsomba	Vissza a Paradicsomba	United Artists	Termelő
	Olyan nagy	olyan nagy	Warner Bros.	Termelő
	Úticél - Góbi	Úticél Góbi	20th Century Fox	Termelő
	sivatagi patkányok	A sivatagi patkányok	20th Century Fox	Termelő
1954	Adminisztratív jogkör	executive lakosztály	Metro-Goldwyn-Mayer	Termelő
1956	Valaki odafent szeret engem	Valaki fent szeret engem	Metro-Goldwyn-Mayer	Termelő
	Dicséret egy rossz embernek	Tisztelet egy rossz embernek	Metro-Goldwyn-Mayer	Termelő
	Elena Troyanskaya	Trójai Heléna	Warner Bros.	Termelő
1957	Amíg lebegnek	amíg el nem hajóznak	Metro-Goldwyn-Mayer	Termelő
	Régóta várt éjszaka	Ez lehet az éjszaka	Metro-Goldwyn-Mayer	Termelő
1958	Csendesedj, menj mélyre	Fuss csendesen, fuss mélyen	United Artists	Termelő
	Élni akarok!	Élni akarok!	United Artists	Termelő
1959	Fogadások holnapra	Odds a holnap ellen	HarBel Productions , United Artists	Rendező, producer
1961	West Side Story	West Side Story	Mirisch Pictures , Seven Arts Productions , United Artists	Rendező, producer	Közös rendezés Jerome Robbinsszal
1962	ketten hintán	Kettőt a libikókához	United Artists	Termelő
1963	A ház szelleme a dombon	A vadászat	Argyle Enterprises , Metro-Goldwyn-Mayer	Rendező, producer	Hiteltelen producerként
1965	Zene hangjai	A zene hangja	Robert Wise Productions , Argyle Enterprises , 20th Century Fox	Rendező, producer
1966	Ágyúnaszád	A Homokkavicsok	Argyle-Solar Productions , 20th Century Fox	Rendező, producer
1968	Csillag!	Csillag!	20th Century Fox	Termelő
1970	Gyermek készítő	A Babakészítő	Robert Wise Productions , National General Pictures	ügyvezető producer
1971	"Andromeda" törzs	Az Androméda törzs	Univerzális képek	Rendező, producer
1973	Két	két ember	Univerzális képek	Rendező, producer
1975	Hindenburg	A Hindenburg	The Filmmakers Group , Universal Pictures	Rendező, producer	Hiteltelen producerként
1977	valaki más lánya	Audrey Rose	United Artists	Termelő
1979	Star Trek: A film	Star Trek: A mozgókép	Paramount Pictures	Termelő
1986	Bölcsesség	Bölcsesség	Gladden Entertainment , 20th Century Fox	ügyvezető producer
1989	Tetőtéri háború	Tetők	Koch Company, Mark/Jett Productions , New Visions Pictures	Termelő
1996	Idióta család	A hülyék	Imagine Entertainment , Savoy Pictures , Rank Organization	Színész
2000	nyári vihar	Nyári vihar	Hallmark Entertainment , Showtime Original Pictures	Termelő	TV film

Jegyzetek

1. ↑ 1 2 Internet Movie Database  (angol) - 1990.
2. ↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Encyclopædia Britannica 
3. ↑ 1 2 3 4 Robert Wise // Brockhaus Encyclopedia  (német) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
4. ↑ 1 2 Robert Wise // filmportal.de - 2005.
5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 91 éves korában meghalt Robert Wise, filmrendező  . The New York Times (2005. szeptember 15.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. november 18.
6. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 Bern7 36 33 35 _ A "Sound of Music", a "West Side Story " rendezője, Robert Wise meghal  . The Washington Post (2005. szeptember 16.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. december 28.
7. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 Dennis McLellan. Robert Wise, 91; A rendező Oscar-díjat nyert a "The Sound of Music" és a "West Side Story"  (angol) filmjéért . The Los Angeles Times (2005. szeptember 16.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. december 4.
8. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 35 36 43 43 36 _ _ _ _ _ _ _ _ _ Robert Wise, szorgalmas és sokoldalú filmrendező, akinek munkája a sci-fitől és a horrortól a  Zene hangzásáig terjedt . The Guardian (2005. szeptember 16.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2021. március 1.
9. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 The Associated Press. Robert  Wise . Chicago Sun-Times (2005. szeptember 15.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2021. május 16.
10. ↑ Gehring, 2012 , p. 3.
11. ↑ Gehring, 2012 , p. 6, 17.
12. ↑ Gehring, 2012 , p. 17, 19.
13. ↑ Gehring, 2012 , p. húsz.
14. ↑ 1 2 3 4 Gehring, 2012 , p. 28.
15. ↑ Gehring, 2012 , p. 25.
16. ↑ Gehring, 2012 , p. 29.30.
17. ↑ Gehring, 2012 , p. harminc.
18. ↑ Gehring, 2012 , p. 32.
19. ↑ Gehring, 2012 , p. 44.
20. ↑ Gehring, 2012 , p. 51.
21. ↑ Gehring, 2012 , p. 63,65.
22. ↑ Gehring, 2012 , p. 65.66.
23. ↑ A macskanép átka (1944). Történelem,  Szinopszis . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 23.
24. ↑ Bosley Crowther. The Screen: The Curse of the Cat People  (angol) . The New York Times (1944. március 4.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. október 10.
25. ↑ Hal Erickson. A macskaemberek átka (1944). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2016. március 15.
26. ↑ Gehring, 2012 , p. 71.
27. ↑ Gehring, 2012 , p. 65.
28. ↑ Gehring, 2012 , p. 86,88.
29. ↑ Mademoiselle Fifi (1944). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2021. október 28.
30. ↑ Roger Fristoe. Mademoiselle  Fifi . Turner Classic Movies (2007. december 7.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. október 23.
31. ↑ The Body Snatcher (1945). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
32. ↑ Bosley Crowther. Két könnyű attrakció és egy másik hűtő megérkezik a Strandbe, Gothamba és  Rialtóba . The New York Times (1945. május 26.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
33. ↑ Dennis Schwartz. Túlságosan megragadt az írástudás ahhoz, hogy nagyszerű film legyen, ennek ellenére a The Body Snatcherben van feszültség, hátborzongatóság, gördülékenység és hitelesség, ami jót ígér a történetmesélésnek.  (angol) . dennisschwartzreviews.com (2008. július 22.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 24.
34. ↑ Gehring, 2012 , p. 78.
35. ↑ Hal Erickson. A halál játéka (1945). Áttekintés  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2021. május 12.
36. ↑ Craig Butler. A halál játéka (1945). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2021. május 17.
37. ↑ Gehring, 2012 , p. 119.
38. ↑ Born to Kill (1947  ) . időtúllépés. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
39. ↑ Dennis Schwartz. Rejtély  Mexikóban . dennisschwartzreviews.com (2003. február 3.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
40. ↑ Hal Erickson. Vér a Holdon (1948). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 1.
41. ↑ Rob Nixon. Vér a Holdon (1948). Cikk  (angol) . Turner Classic Movies (2003. július 28.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
42. ↑ Gehring, 2012 , p. 128.
43. ↑ A  kritériumnál . TMP (1949. március 30.). Letöltve: 2020. november 23. Az eredetiből archiválva : 2020. október 6..
44. ↑ Gehring, 2012 , p. 130.133.
45. ↑ Gehring, 2012 , p. 126.
46. ↑ The Set-Up (1949). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 21.
47. ↑ Sean Axmaker. Két zászló nyugat (1950). Cikk  (angol) . Turner klasszikus filmek (2011. május 16.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. november 30.
48. ↑ Gehring, 2012 , p. 137.
49. ↑ Hal Erickson. Három titok (1950). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2021. június 12.
50. ↑ Craig Butler. Három titok (1950). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2019. június 6.
51. ↑ The House on Telegraph Hill (1951). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27.
52. ↑ Változatos személyzet. A Ház a Telegraph Hillen  . Varieté (1950. december 31.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2021. október 15.
53. ↑ The House on Telegraph Hill (1951). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.
54. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 142.143.
55. ↑ 1 2 A nap, amikor a Föld megállt (1951  ) . Műsorújság. Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2015. október 11.
56. ↑ John M. Miller. A nap, amikor a Föld megállt (1951). Cikk  (angol) (2006-09-09 kiadó= Turner Classic Movies). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. november 27.
57. ↑ Gehring, 2012 , p. 149.150.
58. ↑ A nap, amikor a Föld megállt (1951). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2016. március 22.
59. ↑ A rabváros (1952). Történelem, Szinopszis . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27.  
60. ↑ Változatos személyzet. Kritika: 'The Captive City  ' . Variety (1951. december 31.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2016. június 20.
61. ↑ Bosley Crowther. Captive City, amelyben a szerkesztő felborítja a város bukmékereit  . The New York Times (1952. március 27.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 9..
62. ↑ Gehring, 2012 , p. 153.
63. ↑ Gehring, 2012 , p. 179, 181.
64. ↑ Gehring, 2012 , p. 157.
65. ↑ Hal Erickson. Úticél Góbi (1953). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2019. június 6.
66. ↑ A sivatagi patkányok (1953). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. december 1.
67. ↑ HHT The Desert Rags, Richard Burtonnal és Robert Newtonnal, bemutatva a  Mayfair -en . The New York Times (1953. május 9.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 6..
68. ↑ A sivatagi patkányok (1953). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.  
69. ↑ Executive lakosztály (1954). Szinopszis (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27.  
70. ↑ 12 Mark Frankel . executive lakosztály. Cikk (angol) . Turner Classic Movies (2003. július 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 31.  
71. ↑ Bruce Eder. Executive lakosztály (1954). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2018. december 14.
72. ↑ Gehring, 2012 , p. 187.
73. ↑ Executive lakosztály (1954). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2022. május 21.
74. ↑ Dennis Schwartz. Unalmas történelmi kosztümös dráma  . Ozus világfilmkritikája (2012. március 19.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 20.
75. ↑ Michael T. Toole. Tribute to a Bad Man  (angol) . Turner Classic Movies (2002. október 30.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. december 2.
76. ↑ Dennis Schwartz. Kiérdemli a dicséretet azzal, hogy bemutatja a cowboy durva hétköznapi életét  . Ozus világfilmkritikája (2008. január 24.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2021. január 22.
77. ↑ Somebody Up There Likes Me (1956). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2017. december 3.
78. ↑ Georgelle Cole. Valaki fent szeret  engem . Turner Classic Movies (2003. július 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 29.
79. ↑ Bosley Crowther. A Graziano Fight Story a State Paul Newman gyűrűs bajnokaként  látható . The New York Times (1956. július 6.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. szeptember 27.
80. ↑ Somebody Up There Likes Me (1956). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.  
81. ↑ Hal Erickson. Amíg vitorláznak (1957). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2021. április 19.
82. ↑ Craig Butler. Amíg vitorláznak (1957). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. március 23.
83. ↑ Amíg nem hajóznak (1957). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Hozzáférés időpontja: 2016. február 15.  
84. ↑ Dennis Schwartz. Még a strasszok is hamisnak tűnnek, ha csillognak  . Ozus világfilmkritikája (2004. január 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. szeptember 30.
85. ↑ Ez lehet az éjszaka (1957). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.  
86. ↑ 12 Rob Nixon . Run Silent, Run Deep (1958). Cikk (angol) . Turner Classic Movies (2003. július 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 23.  
87. ↑ Bosley Crowther. Tengeralattjáró kaland; "Fuss csendben, fuss mélyen" itt kezdődik, fuss Gable és Lancaster a Victoria filmben  (angol) . The New York Times (1958. március 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. június 29.
88. ↑ 12 Dennis Schwartz . Élni akarok! (angol) . https://dennisschwartzreviews.com/+ (2006. július 3.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 30.  
89. ↑ 1 2 Jeff Stafford. Élni akarok! (1958). Cikk  (angol) . Turner Classic Movies (2004. június 28.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 28.
90. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 200.
91. ↑ Bosley Crowther. Susan Hayward élénk előadása; Színésznő szerepel az „Élni akarok” című filmben  (angol) . The New York Times (1958. november 19.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2020. október 6..
92. ↑ Gehring, 2012 , p. 204.
93. ↑ Élni akarok (1958). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.  
94. ↑ Odds Against Tomorrow (1959). Szinopszis (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 27.  
95. ↑ Változatos személyzet. Odds a  holnap ellen . Variety (1958. december 31.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2021. augusztus 8..
96. ↑ Bosley Crowther. Odds a holnap ellen”;  Faji előítélet Mars Bank visszatartása . The New York Times (1959. október 16.). Letöltve: 2020. november 27. Az eredetiből archiválva : 2022. január 31.
97. ↑ Odds Against Tomorrow (1959). Díjak (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 27.  
98. ↑ West Side  Story . Internet Broadway adatbázis. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2022. május 22.
99. ↑ 1 2 3 4 5 West Side Story (1961). Történelem  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 3.
100. ↑ Bosley Crowther. Megérkezik a "West Side Story"  . The New York Times (1961. október 19.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2018. május 17.
101. ↑ Whitney Williams. West Side Story  (angol) . Variety (1961. szeptember 27.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2019. február 15.
102. ↑ James Powers. West Side Story  (angol) . The Hollywood Reporter (1961. szeptember 22.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2019. április 29.
103. ↑ Hal Erickson. Two For The Sesaw (1962). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. augusztus 6..
104. ↑ Craig Butler. Two For The Sesaw (1962). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2022. január 24.
105. ↑ Eleanor Quin. Kettő a libikókáért. Cikk  (angol) . Turner Classic Movies (2003. július 28.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. november 1.
106. ↑ Jeff Stafford. The Haunting (1963)  (angol) . Turner Classic Movies (2003. szeptember 25.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. október 21.
107. ↑ Andrea Passafium. A kamera mögött - A kísérteties  . Turner klasszikus filmek (2014. március 3.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. október 21.
108. ↑ Bosley Crowther. Egy régimódi hűtő: Julie Harris és Claire Bloom a „Haunting  ” -ben . The New York Times (1963. szeptember 19.). Hozzáférés időpontja: 2020-12-031. Archiválva : 2020. november 17.
109. ↑ Változatos személyzet. A kísérteties  . Variety (1962. december 31.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. április 11.
110. ↑ Dennis Schwartz. Tudja, hogyan kell ijesztgetni a kísértetház  történetéből . dennisschwartzreviews.com (2006. október 30.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. október 25.
111. ↑ A kísértet (1963). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. december 3.
112. ↑ 1 2 3 4 5 6 A zene hangja. Történelem  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2022. április 2.
113. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 233.
114. ↑ Gehring, 2012 , p. 234.
115. ↑ Bosley Crowther. A The Sound of Music megnyílik a Rivoliban  . The New York Times (1965. március 3.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. december 3.
116. ↑ James Powers. A Zene  Hangja . The Hollywood Reporter (1965. március 1.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. november 16.
117. ↑ A zene hangja (1965). Díjak  (angolul) . Internet Movie Daabase. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2021. február 17.
118. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 246.
119. ↑ Gehring, 2012 , p. 253.
120. ↑ 1 2 3 4 David Sterritt. A Homokkavicsok  . Turner klasszikus filmek (2015. január 6.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. október 28.
121. ↑ Gehring, 2012 , p. 255.
122. ↑ Bosley Crowther. Fuss a Rivoliban : Képajánlatok a külföldi vállalkozásokról  . The New York Times (1966. december 21.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2019. április 18.
123. ↑ Változatos személyzet. A Homokkavicsok  . Variety (1965. december 31.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2021. október 24.
124. ↑ Homokkavicsok (1966). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2016. március 5..
125. ↑ Gehring, 2012 , p. 253.255.
126. ↑ Csillag! (1958). Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 3.
127. ↑ 1 2 3 4 5 Frank Miller. Csillag! (1968). Cikk  (angol) . Turner klasszikus filmek (2010. december 1.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2020. november 25.
128. ↑ Változatos személyzet. Csillag!  (angol) . Variety (1967. december 31.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2021. január 26.
129. ↑ Renata Adler. Képernyő: "Csillag!" Érkezik: Julie Andrews szerepel a filmben a  Rivoliban . The New York Times (1968. október 23.). Letöltve: 2020. december 3. Az eredetiből archiválva : 2019. december 24.
130. ↑ 12 Hal Erickson. Csillag! (1968). Review  (angol) . AllMovie (1966. december 21.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2021. május 17.
131. ↑ Gehring, 2012 , p. 258.
132. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 260.
133. ↑ 1 2 3 Az Androméda törzs. Történelem  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 8.
134. ↑ Az Androméda törzs. Szinopszis  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 8.
135. ↑ Felicia Feaster. Az Androméda törzs  . Turner Classic Movies (2003. május 21.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. december 5..
136. ↑ Az Androméda törzs (1971  ) . A számok. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. január 7..
137. ↑ Roger Greenspun. Képernyő: Wise 'Andromeda Strain  ' című filmje . The New York Times (1971. március 22.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. március 29.
138. ↑ Roger Ebert. vélemények.  Az Androméda törzs . RogerEbert.com (1971. április 9.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. november 26.
139. ↑ Lucia Bozzola. Az Androméda törzs (1971). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2021. január 11.
140. ↑ Roger Greenspun. Vászon: „Két ember” avagy 8 óra ölni Párizsban: Peter Fonda a visszatérő  sivatag szerepét tölti be . The New York Times (1973. március 19.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. július 23.
141. ↑ Roger Ebert. vélemények. Két ember  (angolul) . RogerEbert.com (1973. május 7.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. december 2.
142. ↑ Gehring, 2012 , p. 263.
143. ↑ Bruce Eder. A Hindenburg (1975). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. december 5..
144. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 264.
145. ↑ Roger Ebert. vélemények.  A Hindenburg . RogerEbert.com 1975. január 1. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. december 1.
146. ↑ Képernyő: George Scott a Hindenburgban  . The New York Times (1975. december 26.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. március 8.
147. ↑ Craig Butler. A Hindenburg (1975). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. szeptember 2.
148. ↑ Gehring, 2012 , p. 270.
149. ↑ A Hindenburg (1975). Díjak  (angolul) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. április 21.
150. ↑ Gehring, 2012 , p. 271.
151. ↑ Eleanor Quin. Audrey Rose. Cikk  (angol) . Turner Classic Movies (2003. június 24.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. január 24.
152. ↑ Vincent Canby. Film: Az ördög tapogatózik egy múló lélekkel  (angol) . The New York Times (1977. április 7.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. október 7..
153. ↑ Craig Butler. Audrey Rose (1977). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. június 14.
154. ↑ 1 2 3 4 5 Star Trek: The Motion Picture (1979). Történelem  (angol) . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. december 8.
155. ↑ 12. Gehring , 2012 , p. 275.
156. ↑ Változatos személyzet. Star Trek - The Motion  Picture . Variety (1978. december 31.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2017. szeptember 29.
157. ↑ Lawrence Van Gelder. A  filmekben . The New York Times (1978. december 31.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2018. február 3..
158. ↑ Craig Butler. Rooftops (1989). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2022. március 11.
159. ↑ Roger Ebert. Rooftops (1989). Review  (angol) . RogerEbert.com (1989. március 17.). Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2020. november 28..
160. ↑ Jonathan Crow. Egy vihar nyáron (2000). Szinopszis  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2021. június 28.
161. ↑ Craig Butler. Egy vihar nyáron (2000). Review  (angol) . AllMovie. Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2019. szeptember 26.
162. ↑ 1 2 3 Gehring, 2012 , p. 276.
163. ↑ Liam Hansen. Robert Wise  Reprise NPR (2005. szeptember 18.). Letöltve: 2020. december 8. Az eredetiből archiválva : 2020. október 29.
164. ↑ Gehring, 2012 , p. 66.
165. ↑ Robert Wise, az Akadémia új vezetője  . Los Angeles Times (1985. augusztus 2.). Letöltve: 2020. december 8.
166. ↑ Robert Wise 90. születésnapi  partija . Amerika rendezői céhe (2004. szeptember 10.). Letöltve: 2020. december 8.
167. ↑ Gehring, 2012 , p. 266.
168. ↑ Gehring, 2012 , p. 59.
169. ↑ Gehring, 2012 , p. 60.
170. ↑ Gehring, 2012 , p. 274.
171. ↑ Robert Wise. Életrajz  (angol) . Internet Movie Database. Letöltve: 2020. november 21. Az eredetiből archiválva : 2022. február 6..
172. ↑ Minden idők 100 legjobb amerikai filmje  . Amerikai Filmintézet. Letöltve: 2020. november 14. Az eredetiből archiválva : 2014. január 9..

Irodalom

Wes D. Gehring. Robert Wise: Shadowlands . - Indiana Historical Society, 2012. - ISBN 0871952963 , 9780871952967.

Tematikus oldalak	AllMovie AlloCine ČSFD Dán nemzeti filmográfia diszkók Filmportál Internet Broadway adatbázis Internet Movie Database Kinopoisk MusicBrainz
Szótárak és enciklopédiák	Nagy dán Nagy katalán Nagy norvég horvát Amerikai nemzeti életrajz Britannica (online) Brockhaus Figyelemre méltó névadatbázis Universalis
Genealógia és nekropolisz	Keress egy sírt
Bibliográfiai katalógusokban BIBSYS: 90881988 BNC : a10179252 BNE : XX1068112 BNF : 12443420d CiNii : DA10433106 CONOR : 53710179 GND : 119268647 GTA : 171001 ISNI : 0000 0001 0938 1717 J9U : 987007428858505171 LCCN : n85344558 LNB : 000181859 NKC : pna2009495475 NLA : 35813633 NLP : A12533993 NTA : 070921997 NUKAT : n2007084211 PTBNP : 1463599 SUDOC : 027987949 VIAF : 115354709 World Cat VIAF : 115354709 ULAN : 500474645

Oscar-díj a legjobb rendezőnek

Lewis Milestone (vígjáték) / Frank Borzage (dráma) (1929) Frank Lloyd (1930/I) Lewis Milestone (1930/II) Norman Taurog (1931) Frank Borzage (1932) Frank Lloyd (1934) Frank Capra (1935) John Ford (1936) Frank Capra (1937) Leo McCarey (1938) Frank Capra (1939) Victor Fleming (1940) John Ford (1941) John Ford (1942) William Wyler (1943) Michael Curtis (1944) Leo McCarey (1945) Billy Wilder (1946) William Wyler (1947) Elia Kazan (1948) John Huston (1949) Joseph Leo Mankiewicz (1950) Joseph Leo Mankiewicz (1951) George Stevens (1952) John Ford (1953) Fred Zinneman (1954) Elia Kazan (1955) Delbert Mann (1956) George Stevens (1957) David Lean (1958) Vincent Minnelli (1959) William Wyler (1960) Billy Wilder (1961) Jerome Robbins , Robert Wise (1962) David Lean (1963) Tony Richardson (1964) George Cukor (1965) Robert Wise (1966) Fred Zinneman (1967) Mike Nichols (1968) Carol Reed (1969) John Schlesinger (1970) Franklin J. Sheffner (1971) William Friedkin (1972) Bob Foss (1973) George Roy Hill (1974) Francis Ford Coppola (1975) Milos Forman (1976) John Avildsen (1977) Woody Allen (1978) Michael Cimino (1979) Robert Benton (1980) Robert Redford (1981) Warren Beatty (1982) Richard Atterborough (1983) James Brooks (1984) Milos Forman (1985) Sydney Pollack (1986) Oliver Stone (1987) Bernardo Bertolucci (1988) Barry Levinson (1989) Oliver Stone (1990) Kevin Costner (1991) Jonathan Demme (1992) Clint Eastwood (1993) Steven Spielberg (1994) Robert Zemeckis (1995) Mel Gibson (1996) Anthony Minghella (1997) James Cameron (1998) Steven Spielberg (1999) Sam Mendes (2000) Steven Soderbergh (2001) Ron Howard (2002) Roman Polanski (2003) Peter Jackson (2004) Clint Eastwood (2005) Ang Lee (2006) Martin Scorsese (2007) A Coen testvérek (2008) Danny Boyle (2009) Katherine Bigelow (2010) Tom Hooper (2011) Michel Hazanavicius (2012) Ang Lee (2013) Alfonso Cuarón (2014) Alejandro G. Inarritu (2015) Alejandro G. Inarritu (2016) Damien Chazelle (2017) Guillermo del Toro (2018) Alfonso Cuarón (2019) Bong Joon Ho (2020) Chloe Zhao (2021) Jane Campion (2022)

Irving Thalberg-díj

Darryl F. Zanuck (1938) Hal B. Wallis (1939) David O. Selznick (1940) Walt Disney (1942) Sidney Franklin (1943) Hal B. Wallis (1944) Darryl F. Zanuck (1945) Samuel Goldwyn (1947) Jerry Wald (1949) Darryl F. Zanuck (1951) Arthur Freed (1952) Cecil B. DeMille (1953) George Stevens (1954) Buddy Adler (1957) Jack Warner (1959) Stanley Kramer (1962) Sam Spiegel (1964) William Wyler (1966) Robert Wise (1967) Alfred Hitchcock (1968) Ingmar Bergman (1971) Lawrence Weingarten (1974) Mervyn Leroy (1976) Pandro S. Berman (1977) Walter Mirisch (1978) Ray Stark (1980) Albert R. Broccoli (1982) Steven Spielberg (1987) Billy Wilder (1988) David Brown és Richard D. Zanuck (1991) George Lucas (1992) Clint Eastwood (1995) Saul Zanz (1997) Norman Jewison (1999) Warren Beatty (2000) Dino De Laurentiis (2001) John Calley (2009) Francis Ford Coppola (2010) Kathleen Kennedy és Frank Marshall (2018)

Az Amerikai Rendezők Céhe díja a legjobb rendezőnek – játékfilm

Joseph L. Mankiewicz (1948) Robert Rossen (1949) Joseph L. Mankiewicz (1950) George Stevens (1951) John Ford (1952) Fred Zinneman (1953) Elia Kazan (1954) Delbert Mann (1955) George Stevens (1956) David Lean (1957) Vincent Minnelli (1958) William Wyler (1959) Billy Wilder (1960) Jerome Robbins és Robert Wise (1961) David Lean (1962) Tony Richardson (1963) George Cukor (1964) Robert Wise (1965) Fred Zinneman (1966) Mike Nichols (1967) Anthony Harvey (1968) John Schlesinger (1969) Franklin J. Sheffner (1970) William Friedkin (1971) Francis Ford Coppola (1972) George Roy Hill (1973) Francis Ford Coppola (1974) Milos Forman (1975) John G. Avildsen (1976) Woody Allen (1977) Michael Cimino (1978) Robert Benton (1979) Robert Redford (1980) Warren Beatty (1981) Richard Attenborough (1982) James L. Brooks (1983) Milos Forman (1984) Steven Spielberg (1985) Oliver Stone (1986) Bernardo Bertolucci (1987) Barry Levinson (1988) Oliver Stone (1989) Kevin Costner (1990) Jonathan Demme (1991) Clint Eastwood (1992) Steven Spielberg (1993) Robert Zemeckis (1994) Ron Howard (1995) Anthony Minghella (1996) James Cameron (1997) Steven Spielberg (1998) Sam Mendes (1999) Ang Lee (2000) Ron Howard (2001) Rob Marshall (2002) Peter Jackson (2003) Clint Eastwood (2004) Ang Lee (2005) Martin Scorsese (2006) A Coen testvérek (2007) Danny Boyle (2008) Katherine Bigelow (2009) Tom Hooper (2010) Michel Hazanavicius (2011) Ben Affleck (2012) Alfonso Cuarón (2013) Alejandro G. Inarritu (2014) Alejandro G. Inarritu (2015) Damien Chazelle (2016) Guillermo del Toro (2017) Alfonso Cuarón (2018) Sam Mendes (2019) Chloe Zhao (2020) Jane Campion (2021)

A Screen Directors Guild és a Directors Guild of America elnökei

Vidor király (1936-1939) Frank Capra (1939-1941; 1960-1961) George Stevens (1941-1943) Mark Sandrich (1943-1944) John Cromwell (1944-1948) George Marshall (1948-1950) Joseph Leo Mankiewicz (1950-1951) George Sidney (1951-1960; 1961-1967) Delbert Mann (1967-1971) Robert Wise (1971-1975) Robert Aldrich (1975-1979) George Schaefer (1979-1981) Jud Taylor (1981-1983) Gilbert Cates (1983-1987) Franklin Sheffner (1987-1989) Jean Reynolds (1993-1997) Jack Shea (1997-2002) Martha Coolidge (2002-2003) Michael Apted (2003-2009) Taylor Hackford (2009-2013) Paris Barkley (2013-2017) Thomas Schlamme (2017 - jelen )

A nap mikor megállt a Föld
Verziók	Búcsú a nagyúrtól (1940-es történet) 1951-es film 2008-as film
Világegyetem	Klaatu Gort Klaatu barada nikto
Alkotók	Harry Bates Robert Wise Scott Derrickson