Az olasz művészet története nagyrészt előre meghatározta a nyugati civilizáció művészetének történetét . Az etruszk és különösen az ókori római kor után, amely évszázadokon át uralta az Appenninekeket, Olaszország központi helyet foglal el az európai reneszánsz művészetben . Olaszország a 16. és 17. században is uralta az európai művészeti életet, a barokk stílus bölcsőjeként . A 18. században az ország kulturális hanyatláson ment keresztül, és kezdett elveszíteni Európa szellemi életének mozgatórugójaként betöltött szerepét, és Franciaországnak adta át. A 19. század közepén azonban az ország visszatért a nemzetközi színtérre olyan művészeti mozgalmakkal, mint a macchiaioli ,futurizmus , metafizikai festészet , novecento , arte povera , transzavantgarde . Az olasz művészet a történelem során számos jelentős kulturális mozgalomra hatással volt, és nagy művészek, építészek és szobrászok galaxisát hozta létre.
Ma Olaszország fontos helyet foglal el a nemzetközi művészeti színtéren, számos jelentős művészeti galériával, múzeummal és kiállítással. Az ország fő művészeti központjai a főváros, Róma , valamint Firenze , Velence , Milánó , Nápoly , Torino és más városok.
Az ókori Olaszországnak nem volt egyetlen etnikai vagy kulturális közössége sem. Különféle törzsek mozaikjai lakták, saját hagyományokkal, szokásokkal és nyelvekkel. A „barbárok” (gallok, germánok) földjei a Pó folyótól északra terjedtek, míg a félsziget déli része Magna Graecia része volt. Az etruszk kultúra volt az egyetlen őshonos kultúra, bár a görög hatást gyakorolta rá. Valójában az ókori római kultúra az ókori görög kultúrán alapul, keveredik az etruszkokkal és frissíti azt, valamint a "barbárok" művészetének rajzelemeit.
A görög klasszikusokhoz szorosan kapcsolódó olasz régiók a déli régiók és Szicília szigete . A görög gyarmatosítás , amely az ie 8. században kezdődött . e. , Calabria ( Taranto , Locri , Sibaris , Crotone , Reggio stb.) és Szicília ( Syracuse , Agrigento , Segesta , Gela stb.) ősi városainak kultúráját teremtette meg . Paestum , Selinunte , Agrigento épületei a görög világ legfontosabb fennmaradt templomai.
A legősibb korszak gyenge maradványai, amelyek a rituálé vagy az ízek bizonyos vonásaiban nyilvánultak meg, szinte semmi jelentőséggel nem bírtak Magna Graecia művészeti kultúrája szempontjából. A helyi kultúra egyetlen megkülönböztető jegye: némi szabálytalanság a díszítő kompozíciókban, a motívumok keveredése, hiszen az itt dolgozó építészek és szobrászok különböző vidékekről származtak, saját művészeti iskolájukkal. Innen: túlzások a dekoratív díszítésekben, amelyek gyakran polikróm terrakottából készültek, az építészeti és szobrászati modellezés lágysága, gyakran hajlékony, porózus sárgás tufák használatával.
Paestum
Selinunte
Agrigento
Az etruszk kultúra első emlékei a 9. század végére - a 8. század elejére nyúlnak vissza. időszámításunk előtt e. Az etruszk civilizáció fejlődési ciklusa a Kr.e. 2. századra ér véget. időszámításunk előtt e. Róma az I. századig a befolyása alatt állt. időszámításunk előtt e.
Az etruszk civilizáció túlnyomórészt városi jellegű volt, jelentős, bár külső hatást tapasztalt a görög művészet. Az etruszkok kultúrája rendkívül naturalista volt, soha nem veszítette el kapcsolatát a mindennapi élettel.
A rómaiak, akik kitűntek az anyagi élet problémáinak megoldásában nagy gyakorlati érzékkel, akik tudták, hogyan lehet harmonikus polgári raktárt létrehozni, katonai erejüket megalapozni és politikai hatalmukat széles körben elterjeszteni, csak gyengén voltak megajándékozva a művészi képességgel. kreativitás, valamint általában a kreativitás a spirituális érdeklődési körben. Soha nem érezve valódi, belső igényt a művészet iránt, először pihentető luxusként tekintettek rá, és ha feléje fordultak, akkor csak valódi haszon formájában, és megelégedtek az etruszkoktól vett kölcsönökkel.
Aztán, amikor a más népek felett aratott győzelmek gazdagságot hoztak a rómaiaknak és kifejlesztették nemzeti büszkeségüket, különösen Görögország meghódítása után, amely közelebb hozta őket ennek az országnak a magas civilizációjához, és elárasztotta Quirites városát a kiszedett műalkotásokkal. Rómában a művészet kezdett tiszteletet élvezni, de még mindig nem mint valami lényeges, hanem mint a közélet és a magánélet külső ragyogásának, a nemzeti dicsőség elkövetőinek felmagasztalásának, az emberek büszkeségének hízelgésének eszköze. Az államférfiak és a gazdagok elkezdték pártfogolni a művészetet, és művészeket vonzanak Rómába Hellas elszegényedett és elhagyatott városaiból; ezek a látogató művészek vásárlóik ízlésének kielégítésén dolgoztak, és irányításuk alatt hazai kézművesek alakultak.
Így a köztársasági rendszer vége felé egy sajátos római művészet alakult ki, amely az etruszk és a görög elemek keverékét képviseli, de ennek ellenére sajátos karakterű. Ennek a művészetnek a fő megkülönböztető vonása a luxus, a kolosszális és a látványos dekorativitás vágya.
Az ókeresztény művészet a kereszténység megjelenésétől és a kereszténységnek I. Nagy Konstantin államvallásként való elismerésétől a Római Birodalomban (313-ban) a bizánci művészet kialakulásáig a 6-7. században.
Mivel az ókereszténység a szegények vallása volt, az ókeresztény kulturális emlékek hiánya a mecénások hiányával is magyarázható. Ráadásul eleinte a keresztényeket hevesen üldözték, így a keresztény közösségek nem tudtak építészeti és művészeti emlékműveket létrehozni.
Az ókeresztény művészek az ókor és a hellenisztikus művészet hagyományait használták: ezek a római szobrászat, domborművek és szarkofágok, a festészet és mozaikművészet, a Fayum portré . Amíg a keresztények ki nem alakították saját stílusukat, a Római Birodalom régi pogány művészeti formáit használták.
A korai keresztények a római motívumokat adaptálták, és sok pogány szimbólumnak új értelmet adtak. Az ókeresztény művészek rómaiaktól kölcsönzött témái között szerepelt: a páva, a szőlő és a "jó pásztor" képe. A korai keresztények saját szimbólumokat is kifejlesztettek, például a halat (Ichthys).
A 200. év után az ókeresztény művészet két időszakra oszlik: a 325-ös első niceai zsinat előtt és után , valamint az első hét ökumenikus zsinat időszakára .
Az ókori Római Birodalom összeomlása hosszú folyamat volt. Elterjedt a hatalmi válság és a késő antik eszmék és kultúra válsága. Még a kereszténység sem erősítette meg a távoli földrajzi területeket. A megosztottság a nyugati és keleti birodalom megalakulásával tovább nőtt . A Rómában ápolt nyugati birodalmi hagyományt átmeneti hanyatlásként értelmezik, a milánói Szent Theodosius és Szent Ambrus a kereszténység eszméi alapján próbálja visszaállítani egykori nagyságát. Milánó 379 és 402 között rövid időre a Nyugati Birodalom fővárosává válik. Milánóban épül fel a fenséges apostoli bazilika (IV. század vége) és a San Lorenzo Maggiore-templom (i.sz. 5. század).
Milánó a főváros funkcióit Ravenna városára ruházta át , amely a birodalmi eszmék védelmének utolsó előőrse lenne. A környező mocsarak és a jól megerősített Klasse katonai kikötő hozzájárult ahhoz, hogy a főváros idekerüljön. A város a milánói San Simpliciano templom mintájára építi a San Giovanni Evangelista -bazilikát és a később elpusztult Santa Croce templomot . A Santa Croce-ból csak a kereszt alakú kápolna maradt fenn, amelyet tévesen Galla Placidia, Theodosius császár lánya és Honorius nővére mauzóleumának neveznek. Valójában Galla Placidia 450-ben halt meg Rómában, és nem Ravennában temették el. Kívül a vörös téglából épült "mauzóleum" kifejezéstelen, vidéki falait fényűző dekor - mozaikok kompenzálják, amelyek a korszakból fennmaradtak legjobbjai. Rómában és Milánóban is meglehetősen gyakoriak a kis mozaikrészletek. A „mauzóleumban” a falak és a boltozatok teljes felületét beborítják, élénk színekkel és visszavert fénnyel lepnek meg, tele szimbolikus jelentéssel.
Galla Placidia mauzóleumának belseje
Galla Placidia mauzóleuma, külső
Mozaik "A jó pásztor"
A mauzóleum boltozatának mozaikja
Ravenna új szakaszában lévő fővárosi pompáját Theodorik császár tevékenysége támogatta . Theodorik (493-526) osztrogót idegen, "barbár" volt, akit Róma, a latin világ szépsége és luxusa rabul ejtett. Ezért mestereket hívott meg Rómából Ravennába. Katedrális épült Ravennában (ma Santo Spirito ), egy ariánus keresztelőkápolna, a San Martino in Ciel d'Oro templom és a híres Sant'Apollinare Nuovo . Ez utóbbi egy bazilika egyszerű homlokzatokkal és belső mozaikokkal. Agnelo püspök, aki az eretnek barbárok ellensége volt, Bizánc kulturális és ideológiai hatásainak karmestere lett. Ezt tükrözték a Sant'Apollinare Nuovo szüzeinek és mártírjainak mozaikjai, hasonlóan a bizánci udvari művészet példáihoz. A ( 547 -ben felszentelt ) San Vitale -templomban még több a bizánci , mert a bizánci tisztviselő Julian Argentarius (birodalmi kincstárnok és kormányzó) ragaszkodott a konstantinápolyi Szent Sergius és Bacchus templom mintájára való építkezéshez . Az apszis mozaikjain - Krisztus a földi szférán, harcos angyalokkal körülvéve, Szent Vitale és Ecclesius püspök. Íme két mozaik Justinianus császárral és Theodórával . A földi istenek szigorú arca, példátlan luxussal megdöbbentő ruhák és gyöngyök - Isten eredetének megtestesítője a hatalom és az emberfeletti nagyság. A császári házaspár, számos udvaronctól körülvéve, kenyeret és bort visz az úrvacsorára . Ezeknek a mozaikoknak jelenleg egyszerűen nincs analógja.
Román stílus (a lat. romanus - római) - művészeti stílus, amely uralta Európát (főleg nyugati) a X-XII. században. (néhol - és a XIII. században), a középkori európai művészet fejlődésének egyik legfontosabb állomása. Legteljesebben az építészetben találta magát. A "román stílus" kifejezést a kezdetekkor vezették be. 19. század Arcisse de Caumont , aki megteremtette a kapcsolatot a XI-XII. századi építészet között. az ókori rómaiból és amely megelőzte a gótikát . Az olaszországi román stílus a "római" elnevezés ellenére regionális különbségeket mutatott.
A vezető pozíciókat az építészet - fa és kő - foglalta el. A fából készültet a mai napig gyakorlatilag nem őrizték meg, ezért a kőépítmények - kastélyok, templomok, katedrálisok, kolostorok - tanulmányozása során képet kapunk a kor művészeti jellemzőiről. A román kori kolostor egy ideig érvényesült, mert a szerzetesi papság volt a fő megrendelő, akinek a kezében nagy pénzek kerültek, a szerzetesek pedig az építőipar művelt ismerőiként és építészekként működnek.
A feudális töredezettség körülményei között csak helyi követ használtak. Ez csökkentette az építés költségeit, nem igényelt jelentős szállítást - a burkolt utak hiánya miatt. Ráadásul a szállítmányok nem találkoztak számos vámmal.
A román építészet nehéz volt, masszív, egyszerű geometrikus térfogatokkal, kevés díszítéssel vagy szobrászattal, ami az idő előrehaladtával csak növekedett.
Nem voltak szabványos méretek - kőtömbök, oszlopok, tőkék. Minden tőkét külön kézműves készített, megközelítőleg a méretek és részletek ismeretében - ennek eredményeként a művész önkénye (művészi szabadság) volt. Ezért az akkori alkotások mindegyike különálló, egyedi műalkotás.
A román korban jelentős kulturális vonások is érlelődnek.
Terjed a latin, amely a nemzeti nyelvek létrehozásának alapjává válik, amelyek később a „román nyelvek” nevet kapják. A latin az etnikumok közötti kommunikáció és az akkori oktatás nyelvévé válik. Nyugat-Európa elfogadta az egyetemet oktatási intézményként - teológiai, jogi, orvosi stb. Megalakultak az első nyugat-európai egyetemek ( Bologna - 1055-ben, Oxford - 1163, Párizs ( Sorbonne ) - 1180-ban, Cambridge - 1209-ben város Pádua – 1228-ban). Ez jelentős kulturális különbségeket teremtett Bizánchoz, majd a keleti szláv világhoz képest.
A muszlim országokban az oktatás és a nemzetközi kommunikáció nyelve arab lesz.
A 11. és 12. században még nem múlt el Nyugat-Európa, mint önálló országok és népek közösségének tudatosítása, hanem a Nyugat és a Kelet (Nyugat és Bizánc és a szláv világ, Nyugat és a muszlim) mély elhatárolása. világ) már elmúlt. Valódi ideológiai és katonai konfrontációhoz jutott. A frankok és a latinok általában a nyugati világ népeinek megszemélyesítőivé válnak (bár továbbra is a különböző népek valódi tömörülése marad), míg a bizánciakat (a keleti vallású görögök, örmények és szlávok) már nem tekintik igazi keresztényeknek. Nyugaton úgy tartják őket, mint valami keresztények és szaracénok, eretnekek, nem sokkal veszélyesebbek, mint a törökök. Ezek az ideológiai attitűdök elérték legmagasabb kifejlődésüket, és kölcsönös káoszokban, a kereszténység ortodoxiára és katolicizmusra szakadásában, 1054-ben, a Bizánc és a muzulmán világ elleni keresztes hadjáratokban, Konstantinápoly keresztes lovagjai általi katonai elfoglalásában és a latin nyelv megteremtésében robbantak ki. Az ottani birodalom (1204-1261), az európai keleti terjeszkedés és Lengyelország, a balti államok katolizálása során, megpróbálja Jeruzsálemet és Palesztinát katolikussá tenni a spanyol Reconquista keretében .
A munkához való hozzáállás gyökeresen megváltozott. Úgy érzékelik, mint a fejlődés, az oktatás útja, a lélek üdvösségéhez vezető út. A munka megszűnt tekintélytelennek lenni, polgárhoz méltatlan (mint a rómaiak), a gazdagságot és az utána való vágyat nem tekintik bűnnek. Nyugaton a munka az egyik fő erény.
Fejlett technológiák jelennek meg. Isten olyan természetes anyagokat teremtett, amelyeket az ember képes javítani, részt vállalva Isten szelleméből. Innen ered a vágy az anyagok tanulmányozására és azok folyamatos fejlesztésére. A technika még primitív, de Európában folyamatosan bonyolultabbá válik. Hozzájárulni ehhez és az állandó háborúkhoz, és a fegyverek fejlesztéséhez.
A román stílusú székesegyház létrehozása technikailag nehéz volt, mert a főhajó szélesebb és magasabb volt, mint az oldalhajók. A különböző román kori központokban a boltívek és a világítás problémáit különböző módon oldották meg. A fa szarufák tetői könnyebbek voltak, mint a kő, nem igényeltek vastag falakat, alattuk számos ablakot alakítottak ki, amivel építőanyagot takarítottak meg, és elegendő megvilágítást biztosítottak a központi hajónak. Így épül a legtöbb szakrális épület Olaszországban, Szászországban és Csehországban, Francia Normandiában. A 11 - 12. században. a hanyatló falfestmények és monumentális szobrok újjáélednek. Az olaszországi román építészetnek nem volt egyetlen művészeti központja, a földek elzártságában, az ősi modellek, hagyományok, technológia utánzásának és a világi irányzatok jelentős hatásának körülményei között alakult ki. Jelentős központjai közé tartozik Szicília és Palermo, Pisa, Lombardia, Milánó és Velence. A római művészeti iskola évszázadokkal később alakult ki, és a 15. és 16. században virágzik.
Pisa rövid, de ragyogó fellendülést élt át a 10. és 12. században. Emelkedését a Konstantinápolylal és a muszlim országokkal folytatott tengeri kereskedelemnek köszönhette. A szaracénok felett aratott 1063-as győzelem iránti lelkesedés késztette arra, hogy az eseményről egy új vallási központ létrehozásával emlékezzenek meg. Jellemzői, hogy nem a város központjában, hanem a szélén, a Csodák terén , a luccai utak és a kikötő mellett található. Az új épületegyüttesnek szimbolikus jelentése is volt - az ember útja a születéstől, a keresztelőtől, az élettől és a haláltól. Innen - a keresztelőkápolna , a katedrális, a harangtorony és a tető alatti temető. A keresztelőkápolna (az akkori rituális követelményeknek megfelelően) a templomtól külön épült, az újoncok csak a keresztelő után kerültek be a templomba. Az árkádokat rendkívül hatékonyan használták . Mindkettő kívülről díszíti a falakat és vizuálisan világosabbá teszi azokat, különösen a keresztelőkápolnát és a hengeres harangtornyot. A pisai ferde harangtorony ferde tornya az ország egyik névjegykártyája lesz.
Velence a román stilisztika jelentős központja volt . A Bizánchoz fűződő szoros kapcsolatok jelentős kulturális kölcsönökhöz járultak hozzá, de nem tartották vissza az irigységtől, a versengéstől és még az agressziótól sem. Szívesen fogadták a kölcsönöket, de a helyi kulturális feladatokat külön és kifejezetten Velencére oldották meg. Ez jól tükröződött a Szent Márk-székesegyház létrehozásában (építése 1063-1085 között, befejezése és díszítése - a 13., 14., 15., 17. században). A bizánci séma alapján készült, amelyet végül a befejezések és a késői dekoráció rejtett el. A 13. sz. elején. a konstantinápolyi rablás után a templom homlokzatát kiszedett oszlopok és bronz, antik lófigurák díszítették. A spiritizmust, a bizánci kanonokokat a diadal, a dekorativitás, a katonai trófeák leplezetlen bemutatása érdekében elhagyták.
Románosabb , nehéz és leegyszerűsített - a katedrálisokban Torcello szigetén ( 1008 ) és Caorliban, a Murano sziget katedrálisában (XII. század). A bizánci sémák kölcsönzése inkább a velencei mozaikokra jellemző.
A velencei festészet is erőteljes lendületet kapott a fejlődéshez . A bizánci ikonográfián és annak kánonjain alapul. De a velenceiek ünnepélyességet, meglehetősen szabad hozzáállást ápolnak a kanonikus követelményekhez és az élénk színekhez. A velencei ikonok már a kezdeti szakaszban is hasonlóak és nem hasonlítanak a bizánci ikonokhoz. A háttér lehet arany és fekete, lehet fantáziaépítészet, akár az egyiptomi alexandriai világítótorony ikonikus képével ( Paolo Veneziano ). A velencei festészet sokáig küzd a régi bizánci sémák és a legújabb követelmények határain belül, mígnem felrobban az olyan mesterek kompozícióinak és részleteinek eredetiségében, mint Marco Basaiti , Cima da Conegliano , Vittore Carpaccio , Giovanni Bellini , korai Giorgione . , Lorenzo Lotto és Tizian , Paolo Veronese és Tintoretto , amely a velencei iskola legmagasabb eredménye lesz.
A pre-reneszánsz (vagy proto -reneszánsz ) az olasz kultúra és művészet fejlődésének fontos állomása, amely a késő román stílus és a gótika helyi változatának mélyén kezdődött. Az idő szerint - ez 13-14 évszázad. A "proto-reneszánsz" tudományos kifejezést J. Burckhardt svájci tudós javasolta , aki már a 11-13. században új irányzatokat észlelt az olasz művészet fejlődésében. Ebben az időszakban az Appenninek fel kellett gyorsítania a történelmi folyamatokat, a városok növekedését és lakosságuk aktivitását, a mesterségek és kézműves technikák fejlődését, a kommunák kialakulását, az antifeudális reformok sikerét.
A szobrászat, a dekoratív művészet és a falfestészet formai változáson ment keresztül, és visszatértek az elfeledett (antik vagy hellenisztikus) vonások. Az ókori római örökség, az ókori technikák és formák soha nem tűntek el az olasz kultúra horizontjáról. Az olasz gótika rendezettebb és kiegyensúlyozottabb, mint a szomszédos népeké ( Arnolfo di Cambio építményei ). A többé-kevésbé antik vonások benne rejlenek a "gótikus" időbeli olasz szobrászatban ( Niccolò Pisano , Jacopo della Quercia).
A festészet a 12-13. századtól kezdődően egyre jelentősebb szerepet kezdett játszani az európai művészeti kultúra kialakulásában és fejlődésében. A nyugat-európai festészet lassan eltávolodik a statikus, kimerevített sémáktól a még félénk mozgás, dinamika irányába. Ezenkívül a festészet leginkább bármilyen cselekmény vagy őszintén feltételes ötlet átviteléhez igazodik. A bizánci művészeti hagyomány még őrzi vonzerejét a nyugat-európai művészek számára, de ők maguk már képesek új részleteket, új tér- és időfelfogást, új kompozíciókat kínálni, így a merev kánonokat kevesen veszik figyelembe.
A bizánci festészethez képest az exkluzivitás és a különbözőség jellemzői az olasz festészetet megkapták - Giotto , Cenny di Pepo (ismertebb nevén Cimabue ), Pietro Cavallini , Duccio di Buoninsegna erőfeszítéseinek köszönhetően . A bizánci minták spiritualizmusát a pszichologizmus és az empirikus perspektíva-keresés, a tér mélységének a fal síkján való reprodukálási kísérletei egészítik ki (Giotto késői falfestményei). Érzékelhető valósághűség, hitelesség és sajátos érzékiség, az események drámaisága nemcsak Giotto vagy Cimabue szereplőiben és jeleneteiben rejlett, hanem az akkori irodalomban is (az „édes új stílusú” iskola költészete, Dante ). A proto-reneszánsz mint művészeti jelenség csak Olaszország történetében fordult elő. Utasításai azonban nem tűntek el, hanem támogatást és kreatív folytatást találtak az olasz művészek új generációinak tevékenységében Masacciotól és Paolo Uccellotól Michelangelo Buonarrotiig .
A korai reneszánsz Itáliájában a szobrászat fejlődése egy ideig meghaladta a többi művészettípus fejlődését. A szobrászat kezdett uralni a városok tereit és a vidéki villák első mintáiban, buja kertekben, szökőkutak pompájában. A szobrokkal díszített szökőkutak olyan népszerűségre tettek szert, hogy az olasz mintákat Anglia, Franciaország, Csehország kertjeiben kölcsönözték (Prága, szökőkút a Királyi Nyári Palota kertjében). A költői szökőkút kisplasztikájával a színházi drámai előadások hősévé vált, olaszországi szökőkútmintákat vásároltak és vittek nemesi birtokokra (angliai birtokok, amerikai birtokok stb.) . Ez vonatkozik a manierista korszak Giovanni da Bologna szökőkútszobraira , a barokk mestereire is .
A korszak kiemelkedő szobrászai közül -
A korai reneszánsz korszakában a freskók rendkívül elterjedtek. A korszak olasz művészeinek többsége freskó. Néhányuk munkája csak a freskóknak köszönhetően ismert. A Giotto által kezdeményezett freskófestészeti reformok az olasz művészek generációinak iskolájává válnak. A kolostorok versenyeznek a híres művészek munkáinak meghívásában. Remekmű-freskók borítják mind a régi, még ma is gótikus épületek falait, mind az újakat, mind a tartományokban, mind a művészeti központokban. Templomokat, palotákat, templom- és házikápolnákat, középületeket, homlokzatokat és belső tereket díszítettek freskókkal. Cselekmények - az Ószövetség (Ádám teremtése), Mária életének és Krisztus szenvedésének jelenetei (Angyali üdvözlet, Utolsó vacsora, Júdás csókja, Keresztre feszítés, Krisztus siralma), haláltánc vagy diadala, allegóriák ("Allegória" bölcs kormányzás"), mitikus szereplők (Herkules), csatajelenetek ("Konstantin császár győzelme Maxentius felett"), a pápai udvar eseményeinek rögzítése ("IV. Sixtus pápa a Vatikáni Könyvtár megalapítása"), jelentős események kis hercegi udvarokról stb.
A legjelentősebb freskóciklusok közé tartozik
Az ókori római, rendi építészet felélesztésére tett kísérletek számos teoretikust és gyakorlati építészt megragadtak. Továbbra sincs széles vásárlói kör, nincs minden technikai eszköz kidolgozva és tesztelve. De a rendi építészet újjáéledése Filarete és különösen Alberti elméleti munkáiban ment végbe . Az olasz művészek számos freskóciklusának építészeti háttere (Fra Angelico, Filippo Lippi és Benozzo Gozzoli, Perugino) szintén az ókori Róma elpusztult műemlékeinek helyreállítási projektjeihez hasonlít. A tisztán reneszánsz épületek kezdeti száma csekély. De ők határozzák meg az olasz építészet fejlődésének fő irányát. Még a firenzei Santa Maria del Fiore katedrális kupolája is, amelyet a kortársak az "új stílus" első példájának tartottak, csak 1461 -re épült fel teljesen .
Az akkori jelentős épületek közül -
A firenzei festészet reformátorai (Masaccio, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea del Castagno) egyszerűen nem léphettek be az új reneszánsz enteriőrökbe, mert még nem léteztek. Az építészet meglehetősen középkori volt és marad – beleértve a Sixtus-kápolnát is , ahol Domenico Ghirlandaio, Perugino, Sandro Botticelli és Pinturicchio dolgozik.
A Quattrocento művészete (és tágabb értelemben a reneszánsz művészete) az aktív városlakók művészete. A teoretikusok az ideális város projektjeinek megalkotása felé fordultak - egy olyan város létrehozásának várostervezési elképzelése felé, amely a biztonság, az építészeti kép, a társadalmi struktúra szempontjából meglehetősen kifogástalan lenne, harmonikusan kombinálva a környezettel. Alkalmanként ezek a projektek valósággá válnak, mint például Pienza városának együttes épülete , amelyet az ott született II. Pius pápa (Bernardo Rosellino építész) anyagi támogatásával hoztak létre . Emellett egy konkrét városfejlesztési projektre összpontosítottak Ferrara városának fejlesztésében – I. Ercole ferrarai herceg (Biagio Rossetti építész) segítségével. De az ötlet még mindig utópisztikus.
Az új építészet alapjait azonban lefektették. A firenzei székesegyház kupolájától - közvetlen út a római Szent Péter -székesegyház kupolájának projektjéhez ( Michelangelo Buonarroti építész ), és a Palazzo Rucellaitól - a fenséges római palotákhoz és villákhoz a XVI. 17. században, az olasz és európai építészet új vívmányaiig.
Olaszország kétezer éves kultúrával rendelkező ország, amelyhez különböző népek járultak hozzá. Olaszországban nem feledkeztek meg a bronzszobrok készítésének és az öntödei készségről sem. Az e területek ismerete (az éremművészet ókori római példáinak jelenlétében) egy elfeledett művészet újjáéledését késztette. Az itáliai reneszánszra jellemzővé válik a különféle iparágakban jártas univerzális mester személyisége. Michelangelo ( 1475 - 1564 ) sikeresen szobrászott, freskókat festett, tehetséges mérnök és kiváló építész volt. De az egyetemesség nem nála kezdődött, hanem az előző korszakok mestereitől. Köztük van az elfeledett mérnök, építész és éremdíjas Arisztotelész Fioravanti (1415 körül - 1486 körül). Megőrződött egy érme "orristoteles" felirattal és egy lovas lovassal. A ló patái alatt egy virág szimbolikus képe látható, valószínűleg Fioravanti jele. Fioravanti meghívást kapott Moszkvába, ahol a mester felépítette a ma is fennálló Nagyboldogasszony-székesegyházat .
Ismeretlen firenzei mester, Cosimo de' Medici kitüntetése (bölcs kormányzás allegóriája, 1469)
Alessandro Vittoria, Nicolò Vicentino portréja, 1555
Ismeretlen mantovai mester, Jacob Korrej portréja, c. 1500 g
Bartolomeo Meglioli , II. Lodovico Gonzaga herceg, 1475
Az építészet fejlődését jelentősen befolyásolták a világnézeti változások, a művészeti stílusok változásai és a történelmi folyamatok Európában akár egy évszázadon belüli felgyorsulása is.
16. század eleje15. század vége - és a 16. század eleje Olaszország építészetében szorosan összefügg Donato Bramante munkásságával . Kronológiailag a reneszánsz korszaka meglehetősen rövid volt. Különböző kutatók (a becslések radikalitásától függően) 15-30 évre korlátozzák. Vagyis nem volt hosszú, bár hatása a kor művészeire és művészetére óriási volt.
A 30 éves periódus (1490-1520) megbízhatóbb, mert megmutatja Bramante eredményeinek eredetét és legjobb példáit. Julius pápa főépítészi posztját kapta, és a Vatikán szétszórt, kaotikus, még középkori épületeit részben egyetlen, művészileg kifejező együttessé alakította (vatikáni udvarok, galériák, könyvtár, reneszánsz kert parterekkel - később minden a homlokzatok kivételével átépítették).
Bramante 1514-es halála után építészeti stílusát sikeresen folytatta Rafael Santi , Antonio da Sangallo idősebb és Baldassare Peruzzi . A magas reneszánsz stílusában készültek Leonardo da Vinci építészeti vázlatai (aki akkor még nem foglalkozott valódi építkezéssel), valamint Michelangelo projektjei , akit később neves megrendelők kényszerítettek az építészetre. A 30 éves időszak túl rövid az építkezéshez, mert az építési technika még meglehetősen primitív volt. Még a vatikáni Bramante épületei (a könyvtár épülete) is összedőltek, és később visszaállították eredeti formájukat. A magas reneszánsz épületei - fenséges, monumentális, meglepően harmonikus; 30 éven keresztül csak kis részüknek sikerült építeni. Szinte mindegyik Milánóból , vagy magából Rómából vagy annak környékén származott, köztük -
Santa Maria presso San Satiro templom, Milánó
Palazzo Cancelleria, Róma
Villa Madama, Róma, befejezetlen
Az 1490-1520 közötti időszakban . Az olasz festészet igazi virágzást és fejlődésének legmagasabb szakaszát éli. A Quattrocento tehetséges képviselői továbbra is teljes erővel dolgoznak – Domenico Ghirlandaio , Sandro Botticelli , Perugino , Giovanni Bellini . Ám a művészek új generációja nőtt fel, és aktívan tölti be a vezető pozíciókat a művészetben, amely alig van tekintettel a közelmúlt művészeti tekintélyeire. Sokkal kisebbek, mint a 15. század mesterei, de tehetségük és ügyességük szinte elérhetetlen. Listájuk nem haladja meg a 10 főt, de mindannyian nagy tehetségek, a reneszánsz titánjai, köztük -
A későbbi velencei reneszánsz több Paolo Veronese és Tintoretto figuráját is hozzáadta . Már e mesterek élete során alkotásaik modellekké válnak, és Leonardo da Vinci, Michelangelo rajzai, Raphael vatikáni freskói, Giorgione festményei, Tizianus és Tintoretto portréi nemzedékek nemzedékeinek szabványává válnak. művészek mind Olaszországban, mind határain messze túl, amelyekhez nem számít, milyen korhoz vagy művészeti irányzathoz tartoznak.
Anghiari csata, Leonardo Rubens művének másolata , Louvre, Párizs
Michelangelo rajza, Uffizi Galéria
Michelangelo, egy központi épület terve
Giorgione (talán Antonio Broccardo költő portréja), 1510 Szépművészeti Múzeum (Budapest)
Tintoretto. Sebastiano Venier dózse - a lepantói csata hőse .
Tiziano. Rannucho Farnese portréja
Veronese, Livia da Porto Thiene és lánya, Portia
Lorenzo Lotto . Egy építész portréja
Giovanni Girolamo Savoldo . Szent Antal megkísértései (Savoldo)
Veronese, Vénusz és Mars , Metropolitan Museum of Art , New York.
Paolo Veronese freskója "A bölcsesség istennője matematikával és geometriával körülvéve"
A manierizmus Olaszországban jelent meg, ahol Firenze , Mantova és Róma lett a stílusfejlődés legfontosabb központja , majd átterjedt Franciaországba és más európai országokba is. A stílus egyben a társadalmi-politikai szféra válságjelenségeinek szüleménye is, amely a késő reneszánszra jellemző társadalmi, erkölcsi és vallási instabilitásával. Néha a manierizmus kezdeti szakaszát Róma 1527 -es kifosztásához és elpusztításához kötik V. Károly császár német katonái . A legfontosabb, hogy a manierizmus szembetűnő formában tükrözte a művészet és az irodalom lényegi, robbanásszerű átalakulását a középkortól a „ modern történelemig ”.
A pápai hatalom válsága jóval 1527 előtt kezdődött. Róma 1527 májusi kifosztása csak egy hosszú folyamat csúcspontja volt. A válságot jól érezték a római művészek, akiknek alkotásaiban felerősödtek a csüggedés, a csalódottság, a szorongás és a katasztrófák előérzete. Az előző generáció művészei még mindig tehetetlenségből teremtenek harmonikus képeket az újjászületés stílusában. Ám a csalódástól sújtott új generáció csak a virtuóz művészi technikát és műveltséget értékeli, a harmóniát és az arra való törekvést nem. Vannak hosszúkás, túl elegáns alakok, ingerültek és szorongók. A festmények és freskók háttere fantasztikus építészettel és emberi tömeggel telített, a főszereplők pedig mintha ugyanabban a spontán, zavaró mozgásban ragadnának meg, mint a környezet. A művészek megtagadják a természet mint olyan tanulmányozását, hogy tanulmányozzák jeles elődeik művészi modorát. Divatban vannak a nevetséges kompozíciók, valószerűtlen, méregdrága színek és az örömről megfeledkező emberek.
Angelo Bronzino. Lucrezia Panchatika portréja, töredék
Kapucni. Francesco Salviati , egy ismeretlen úriember portréja, magángyűjtemény.
Kapucni. Parmigianino , női portré, 1539, Windsor, Anglia
Kapucni. Sebastiano del Piombo , Ismeretlen hölgy Rómából, 1540-es évek
A manierizmus mint stílus fontos jellemzője az arisztokrácia, a nem demokratikus karakter, a gazdag tulajdonosok ízlésére való összpontosítás, és általában az udvari karakter. A manierista művészet fő megrendelői és fogyasztói az egyházi és világi arisztokrácia voltak. Nem meglepő, hogy a manierizmus jelentős központjai a pápa udvarában, a firenzei hercegi udvarban, a pármai hercegi udvarban, a fontainebleau-i (Franciaország), escorial (Spanyolország), prágai (Csehország) királyi palotáiban csoportosultak. ), Krakkó (Lengyelország).
A manierizmus ellentmondásokon alapszik, beleértve a magas reneszánsz géniuszainak munkáinak alapos tanulmányozását és a saját munkamódszerükre való eszeveszett vágyat (innen ered a modorizmus elnevezés ) , a természet megfigyelésének és az istentiszteleti tekintélyek megtagadásán, a virtuozitáson a végrehajtásban. műalkotások, az individualizmus dominanciája, a mesterek magas műveltsége és a féktelen fantázia, a művészet öröklődésének elméleti megállapításai és ezzel együtt a rendkívüli mesterségesség, a művészi modorok szeszélyessége, a klasszikus építészeti kánonok szinte teljes elutasítása, festmények kompozíciói, harmóniavesztés a disszonanciák miatt, szorongás, aszimmetria, rendkívüli hatás a megrendelő és a néző érzéseire, tudatára. A fantázia még a virtuóz művész fő célja is lett.
San Angelo templom, Milánó
Palazzo di Brera, Milánó
Palazzo dei Banchi, Bologna
Palazzo del Te , Mantua
A 16. században a díszkertek létrehozásának kezdeményezése Firenzéből Rómába szállt át. Olaszország más kulturális központjaiból származó művészeti vívmányokat aktívan átvitték ide - a Laurana, Luciano de és Bramante építészetében található leletektől a festészet, szobrászat és kertészet legjobb eredményeiig. Rómában volt egy réteg képzett, nagy pénzeszközökkel rendelkező vásárló (pápák, bíborosok, római arisztokrácia), akik készek voltak ezeket az összegeket vidéki villák és kertek építésére költeni. Róma első külvárosi villái közé tartozik a Villa Madama , a Villa Giulia II. Julius pápának (Giuliano della Rovere), a Vatikánban létrehozott Belvedere-palota kertekkel. Ha a Villa Madama (és kertje) különböző okok miatt befejezetlen maradt, akkor a Belvedere-palota más kertek mintájává lett volna rendelve, amíg el nem pusztul. A Belvedere kert legjobb vezetőinek kreatív fejlesztése Bramante építész által a Villa Giulia kertje lesz ( Giacomo da Vignola építész ). A kertes vidéki villák alkotása vonzza a korszak legjobb építészeit, akik egyben tájépítészek is lesznek.
Az elsők között Franciaország kertészei és építészei kölcsönözték a díszkertek beállításait Olaszországban. A francia típusú barokk kertben megtalálható az olaszországi reneszánsz és barokk kert minden vonása. Itt és a teraszok, és a parterek és a vízkészletek használata. De a francia kertek kis dombokon épültek, és a teraszok nem voltak olyan magasak, mint Olaszországban. Franciaországban megszerették a parterrét, és többféle változatát is kitalálták: száraz parter, vízi parter, szobrászparter, arabeszk parter (összetett minták). A természetet aktívan geometrikus alakzatokhoz hasonlították (bokrok kúpba, golyóba, falba vágása), tükrök formájú tavakhoz, egyenes csatornák formájú folyómedrekhez stb. Mindez a kert fő dominánsának - a palotának - van alárendelve. egy nemes vagy király. A 17. században Franciaországban alakult ki egy teljes típusú kert- és parkegyüttes, amelyet francia típusú kertnek neveztek, és magára öltötte az olasz dizájn minden dicsőségét.
Az olasz manierista és barokk kertek csodái a XX. században is folytatódtak a La Scarzuola kert létrehozásával.
Villa Lancelotti, kert és nymphaeum
Boboli Gardens , Firenze, terv
Castello Ruspoli Vignanello kertje , Olaszország
A barokk szülőhelye Olaszország, ahol kiemelkedő művészeti központokban (Rómában, Mantovában, kisebb mértékben Velencében és Firenzében) születtek a barokk első példái az építészetben, a szobrászatban és a festészetben. A tudósok szerint a barokk egy válságstílus, amely a humanizmus válsága és a manierizmus születése nyomán keletkezett. De ez nem zárta ki a vágyat, hogy élvezzük az élet, a művészet és a természet ajándékait; a korszakot az erőszak széles körben elterjedt alkalmazása, a rabszolga-kereskedelem, a szokatlan kultúrák vagy ideológiai áramlatok kiirtása jellemzi mind Európában, mind határain túl ( ellenreformáció , amerikai indiánok millióinak elpusztítása, inkvizíció dominanciája stb.). ). Ha a reneszánsz némileg elterjedt Olaszországon kívüli országokban, akkor a barokk kortól megindult a nyugat-európai civilizáció valódi inváziója az ismert világba, és távoli országok, kontinensek bevonása ragadozó érdekeik pályájára a Nagy Földrajzi Felfedezések , Amerika , Dél-Ázsia stb. ragadozó gyarmatosítása ). Michelangelo Buonarrotit (1475-1564) a barokk megalapítójának tartják Olaszországban . Ő volt az, aki gigantikus renddel erősítette meg az építészetet, széles körben használta a párkányokat, a pilaszterek és oszlopok megkettőzését, az építészeti elemek feszességét és az emberfeletti méreteket. A zseni szobrászati és építészeti alkotásai még mindig a bánat, a feszültség, az idegesség benyomását keltik, bár megőrizték a tiszta konstrukciót, a szimmetriát és a túlvilági, szinte lehetetlen szépséget.
Jellemző tulajdonsága a pompa, pompa, a színek fényereje, a kontraszt, a dísz extravaganciája, a minták aszimmetriája. A barokk építészetet az erős térfogati kontrasztok, a homlokzatok túlzott plaszticitása, a chiaroscuro és a színhatások uralják. A festészetet és a szobrászatot dekoratív és színházi kompozíciók, finom szín- és fényhatások, bonyolult plaszticitás és pompa jellemzi. A zenében - az opera megjelenése, a szabad többszólamú stílus kialakulása (különösen Palestrini munkájában ).
A római építészet állapota a XVII. teljes mértékben Bernini és Borromini mesterek konfrontációjától és versenyharcától függött.
A Sant'Ivo alla Sapienza templom terve
Sant Ivo alla Sapienza udvara
Szent Ivo, régi metszet 1695-ből
A Sant Ivo palota és templom összetétele
Az olasz típusú barokk kert a reneszánsz kert logikus folytatása. A reneszánsz kertek még mindig kis méretűek voltak, mentesek a pompától. Használtak szökőkutat szoborral, padokat, citromfákkal ellátott edényeket. Mindent egy palota vagy egy villa uralt. A teraszok még nincsenek alárendelve egyetlen művészi kialakításnak, egymásnak és a palotának. A városfalak épületeinek feszessége nem tette lehetővé a városi kertek kialakítását, ezek a külterületeken ( Firenzben a Boboli Gardens ) vagy a vidéken jelennek meg.
A Róma melletti Frascatiban található Villa Aldobrandini együttese a fejlett olasz típusú barokk kert példája lett . A villa építésze egyben főkertész is lett. Giacomo della Porta ( 1537-1602 ) a hegy lejtőjét használta teraszok kialakítására, amelyekre Aldobrandini palotáját és a kertet is megtervezte. A zuhatag dísze a hegyi patak lett, amely egy nagy nimphaeummá alakult, amely mérete megegyezik a villával. A villa parkos terasza a nimfeum színházterme lett, szobrokkal, barlanggal és stukkókkal díszítve. A víz morajlása felélénkítette az építészet és a szobrok egész halomát.
A villa szemközti homlokzata grandiózus méretekkel és fenséges ovális lépcsőkkel lepett meg, amelyek megnövelték az amúgy is nagy homlokzatot.
Az Olaszországban született és érlelődő barokk tovább húzódott a nemzeti művészetben, mint más európai országokban. Apránként felhalmozódnak benne a krízisvonások és a fáradtság. A barokk festészet már Carlo Maratta (1625-1713) alkotásaiban elveszti méltóságát és valósághűségét, amit a bravúr és az őszintétlen pátosz vált fel. J. Argan kutató keserűen megjegyezte: "Az uralkodók szolgálatában álló festménye banális dolgokat szimbolizál, Raphael és Tizian tekintélye mögé bújva." De Olaszország barokk festészete még nem veszítette el azt a képességét, hogy megújuljon, és meséljen a természetről, a történelemről és az emberi érzések világáról, mind a tartományi mesterek ( Crespi , Vittore Ghislandi ), mind a dekoratív festészetben ( Giovanni Battista Tiepolo ) . A halványuló barokk sokáig megtartja pozícióját Olaszország és számos európai ország ( Andrea Pozzo , Ferdinando Bibiena , Giuseppe Valeriani ) színház- és díszítőművészetében egyaránt.
De az európai művészeti kutatások központja végül Franciaországba kerül.
Crespi. Sibyl Cuma, Aeneas és a hordozó Charon , 1705.
Giacomo Ceruti . "Három koldus", 1736.
Lorenzo Tiepolo . Cecilia Guardi portréja
Vittore Ghislandi. A fiatal művész , 1732.
Az olasz művészek közvetlenül részt vettek a rokokó stílus születésében és fejlődésében . A velencei művész, Rozalba Career Pierre Crozat filantróp támogatásával Párizsba költözött , ahol a francia Watteau mellett aktívan hozzájárult a stílusfejlesztéshez . A stílus elsősorban a belső terek (paloták, templomok, templomok) tervezésében és díszítésében nyilvánult meg a tematikus festészetben és portrékészítésben. A rokokó korszakban a szobrászat (többnyire polikróm) az építészeti kompozíció elengedhetetlen részévé vált, az ornamentika (különösen a faragásban) pedig kagyló ("rocaille") formát öltött. A rokokó korszakban a kézművesség széles körben fejlődött - szövés, ékszerkészítés, bútorgyártás, gobelinrajzolás.
A rokokó kor nemesei a napi élvezeteket tűzték ki célul. A paloták és templomok fényűző belső terei, a fényűző ruhák, nyáron a barokk kertekben és pavilonokban, télen a palotákban töltött nyaralások sorozata kellett volna hozzájárulnia az élvezethez. A kozmetikumokat nagy mennyiségben használták - fehér, púder, pirosító, fekete szemöldökfesték, legyek. A kozmetikumokat a nők és a férfiak egyaránt széles körben használták. Különösen elterjedt volt az elülső irányzékok használata az arcon - az elülső irányzékok elhelyezkedésének megvolt a maga jelentősége az udvari játékokban járatos nemesek számára. A rokokó festészet kozmopolitizmusa leginkább az olaszok alkotásaira jellemző, akik meglehetősen könnyen átlépték a különböző államok határait, és évekig dolgoztak Olaszországon kívül ( Giacopo Amigoni - Bajorországban, Londonban és Madridban, Bernardo Bellotto Németországban és Lengyelországban, Pietro Rotari - Drezdában, Bécsben és Szentpéterváron) . De önkéntelenül tették, mert a szétszórt olasz fejedelemségek a politikai és gazdasági válság mélységébe gördültek. Észak-Olaszország számára ez Napóleon katonáinak katonai hatalomátvételével , a Velencei Köztársaság államiságának elvesztésével és az Osztrák Birodalom rabszolgaságának tragikus éveivel a 19. század közepéig ér véget.
A rokokó korszak festészetében, az ünnepek és a színházi előadások során a mitológiai alakok végtelen szerelmespárjai érvényesültek. A portrékon mindenki hangsúlyozottan mosolygós, barátságos, kecses, de ez egy maszk volt, amely számos hiányosságot és rendkívül összetett problémát rejtett. Ünnep volt ez a pestisjárvány közepette – mesterségesen megszüntetett problémákkal, tuberkulózissal, szifiliszekkel, szegénységgel, halállal.
A rokokó szeszélyes és pompás művészetét a 18. század végi klasszicizmus és az empire stílus új és erőteljes hulláma sodorta el .
A 18. századi olasz szobrászat nem volt jelentős hatással az ország művészeti helyzetére, mint Michelangelo Buonarroti vagy Lorenzo Bernini , Alessandro Algardi idejében . Az előtérben a festészet és az építészet. A Bernini, Alessandro Algardi és a flamand Francois Duquesnoy által megkezdett 17. századi barokk hagyomány által megbéklyózott olasz szobrászok az anyagfeldolgozás során fejlesztik dekoratív tulajdonságait és virtuozitását. Az ügyes római vagy velencei mesterek hátterében a firenzei Carlo Bartolomeo Rastrelli temperamentuma és tehetsége kiemelkedik . De kénytelen volt Franciaországba, majd Oroszországba emigrálni, ahol az orosz monumentális, portré- és dekoratív barokk szobrászat megalapítója lett.
De a már elkészített tervek és cselekmények édes fogsága alátámasztja az olasz szobrászok tekintélyét, akik külföldről kapnak megrendeléseket. Veronai és velencei mesterek durva kerti és parkos szobrait Oroszországba, Németországba, Lengyelországba és Ausztriába exportálják. Pietro Baratta , Antonio Tarsia, Giovanni Bonazza, Giovanni Zozzoni, Giuseppe Torretto , Giovanni Maria Morleiter, Henry Morengo, Giovanni Marchiori, a Groppelli fivérek és számos kisebb mester dolgozik külföldi megrendelések alapján .
Sk. Morlater. Az éberség allegóriája . Grand Gatchina palota , Oroszország.
P. Baratta, allegóriája "Dicsőség a katonáknak"
Sk. D. Karthari. Ámor és psziché, Nyári kert (Szentpétervár)
P. Baratta, Az építészet allegóriája , 1722
Itália művészete a 18. században. elveszti érdeklődését a valóság jelentős problémái iránt, és a dekorativitást részesíti előnyben a reprezentatív feladatokkal szemben. Háztartási műfaj , oly sokszínű a 17. századi holland művészek körében. vagy az angol William Hogarth (1697-1764), az olaszok - vicces jelenetek halmaza, olykor a kellemetlen valóság egyszerű rögzítése. Csökken az ókori római történelem értéke is, amelynek képei még mindig Giovanni Battista Tiepolo freskóit vagy Piranesi metszeteit próbálják rehabilitálni . Az ókor (három évszázada oly vonzó) végül csak elméleti ideálmá, valamint a született régészet tudományos tárgyává válik. Ezt elősegítik az ókori római Pompeii ragadozó ásatásai és Johann Winckelmann tevékenysége . Olaszországban mindenhol jelentősen csökken az építkezés, ami viszont növeli a művészek kivándorlását - Rómából és olasz Svájcból különböző európai országokba. Olaszország késő barokk építészete elveszti pazar dekorációját, és közeledik a klasszicizmus nemzetközi formáihoz (új hulláma a 18. századi művészetben a neoklasszicizmus formájában ). A klasszicizmus jellemzői már a barokk közelmúltbeli híveinek ( Palazzo Reale , Luigi Vanvitelli építész ; Basilica Superga , Torinó, Filippo Yuvarra építész ) építkezéseiben is benne vannak. A klasszicizmus leegyszerűsített formái az ország néhány villájában ( Villa Manin ) is megtalálhatók. Figyelemre méltó, hogy a klasszicizmus legjobb példái Olaszországban kevesebb, mint külföldön - elsősorban Nagy-Britanniában, Franciaországban, az Orosz Birodalomban, ahol tehetséges olasz építészek hada dolgozik (Alessandro Galilei, Antonio Rinaldi , Giacomo Quarenghi , Francesco Camporesi , Ferdinando Fuga , Luigi Rusca , Domenico Merlini , Giacomo Trombara ), a kisebbeket nem számítva.
A rokokótól a klasszicizmusig terjedő átmeneti korszak legjobb olasz művészei közé tartozik Pompeo Batoni . Az olasz klasszicizmus legjobb vonásai a színházi és dekoratív művészetben az Orosz Birodalomba emigrált olasz Pietro Gonzagoban is rejlenek . De ennek az időszaknak az olasz művészete ( Antonio Canova szobrai, Vincenzo Camuccini és Andrea Appiani festményei ) elveszíti eredetiségét és kapcsolatát a valósággal, Winckelmann neoklasszikus elképzelései és a hazafias vagy társadalmilag jelentős eszmék hiánya miatt, ami nem volt eset a forradalmi klasszicizmus művészetében Franciaországban.
A 19. század közepén Olaszország társadalmi életében nem a művészet problémái kerültek előtérbe, hanem az Osztrák Birodalom elleni nemzeti felszabadító harc, az egymástól eltérő földterületek (kis államalakulatok) egyesítésének problémái. egyetlen államba, ahogy régen történt Nagy-Britanniában, Franciaországban, az Orosz Birodalomban.
Az ország egyetlen királysággá egyesítése folyamatának befejezése után Firenze városának művészei egy új kreatív társadalom létrehozására vágytak. A társadalom ideológiai platformja szembeszállt mind a késői klasszicizmussal, mind a valóságtól elszakadt romantikával , mind a válságba került 19. századi akadémizmussal. Az olaszországi kutatók a realizmus irányára és az impresszionizmus elődeire hivatkoznak a nemzeti művészetben. A nemzeti realizmus jegyei már megjelentek a nyugat-európai művészet legújabb irányzataira leginkább nyitott piemonti és nápolyi művészek művészetében. Antonio Fontanesi (1818-1882 ) piemonti festő igazi követője volt Camille Corot unalmas modorának , aki Olaszországban járt. Változatosabbak voltak Giacinto Gigante (1806-1876), Filippo Palizzi (1818-1899) cselekményei és munkái. A társaság művészei sokat tettek az olasz művészek egykori dicsőségének felelevenítéséért, és az ország modern festészetének megalapítóinak tartják őket. Hiszen az olasz festészet művészi nyelvezetét igyekeztek modernebbé tenni és a valóság értékét hangsúlyozni, ellentétben a mitológiai vagy irodalmi témákkal.
Az akadémizmus magában foglalja Luigi Mussini sienai művész munkáit , akit az ókori és középkori történelem ritka témái iránti szenvedélye jellemez. Különösen érdekes volt a Sakkverseny a spanyol király udvarában című festménye, amelyet a Királyi Intézet 1883 -as manchesteri kiállítására készítettek . A 19. század végén a Párizsban dolgozó olasz Giovanni Boldini alkotása a virtuóz festészet megszemélyesítőjévé válik . A nemzeti demokratikus festészet hagyományait legjobban Giovanni Segantini (1858-1899) alkotásai ölthetik majd meg, amelyek nyitottak a realista hagyományokra és a szimbolizmus hatására egyaránt.
Luigi Mussini . Sakkverseny a spanyol király udvarában , 1883
Luigi Mussini . Spártai fiú figyeli a túlzott alkoholfogyasztás következményeit, 1850
Segantini. Parasztasszony télen fát húz
Segantini. Az öntözőnyíláshoz
Segantini. Mária üdvössége
Segantini. Két anya
A Viktor Emánuel király , Giuseppe Garibaldi és híres olasz kulturális személyiségek emlékművei fellendülése ellenére a monumentális szobrászat nem a legjobb időket élte. Olaszország városai tele voltak a király pompás emlékműveivel, kifejezéstelenül - Garibaldi, pusztán illusztrációs, vulgárisan naturalista építészek, szobrászok, művészek, zeneszerzők, írók - Dante, Leonardo da Vinci, Arnolfo di Cambio, Giotto stb. diverzifikálja a műemlékeket, néhányat szökőkutakkal kombinálva ( Gaetano Donizetti szökőkútja , Bergamo), a palota falainak egy fülkében elhelyezve. A harcosok valósághűen megalkotott domborműveit Olaszország allegorikus szobrai (a milánói Menton közelében elesett 150 partizán emlékműve) kombinálják az akadémizmus vagy a birodalom stílusában.
"Giotto", Uffizi, Giovanni Dupre szobrász, 1845
Arnolfo di Cambio, Katedrális tér, Luigi Pamplone szobrász, 1830
Dante emlékműve, Firenze
Giuseppe Garibaldi emlékműve, Savona.
Emlékmű 150 partizánnak, akik Menton közelében haltak meg Olaszország, Milánó allegóriájával
Szökőkút Gaetano Donizetti, Bergamo.
Dante ( cenotaf ), Stefano Ricci szobrász tiszteletbeli temetése
Luigi Belli szobrász, önarckép egy emlékművön Olaszország allegóriájával, 1880
Petrarch költő, az Uffizi-palota fülkéje.
Viktor Emmánuel király emlékműve, Milánó, Ercole Rosa szobrász, 1896
G. Garibaldi emlékműve, Civitavecchia
Biondi's Saturnalia , 1899 szoborcsoport.
A milánói szecesszió extrém formái miatt kiemelt helyet kapott . Az ipar rohamos fejlődése és a milánói új gazdagok felszabaduló pénzösszegei az elszakadás egy formáját idézték elő, amelyet ironikusan "asszír stílusnak" neveztek. A stilisztika bizarr módon ötvözte a pátoszt (gyakran üres) a historizmus dekorativitásával, a monumentalitás vágyával és a lélektani összeomlással, az egyéni művészi modor szélsőséges formáival. A felhajtással és ellentmondásokkal teli korszak szembetűnő nevezetessége volt az új milánói temető - Cimitero Monumentale, tele pompás sírkövekkel és emlékművekkel, mauzóleumokkal, szarkofágokkal, szobrokkal, ólomüveg ablakokkal, márvány vagy bronz dekorációval, kovácsolt fémmel stb.
A Bussi család kopjafa
Arturo Toscanini, szecessziós sírköve, Leonardo Bistolfi szobrász, 1915
A temető zsidó része
A Bezenzanik család sírköve, Enrico Butti szobrász
Sok évszázadon át az olaszok művészete és kézművessége is fontos művészeti ipar volt. A földterületek történelmileg hosszú ideig tartó széttagoltsága és széthúzása hozzájárult a helyi művészeti központok kialakulásához. A gótikus korszakban az ólomüveg ablakok gyártása elterjedtté vált. Franciaországhoz hasonlóan az olasz fejedelemségekben is a legjobb művészeket vonzotta az ólomüveg ablakok készítése, köztük -
Hagyományosan erős volt az üveggyártás és szövés, a csipkegyártás Velencében. Népszerűvé váltak a milánói fegyverkovácsok vagy a római ékszerészek termékei. Az európai elismerésnek az olasz bútorok (székek, asztalok, menyasszonyi ládák), diófából készültek, faragványokkal borítva.
Bútorok Észak-Olaszországból. Victoria és Albert Múzeum
Szekrény
A reneszánsz Velencében virágzott a fém kopogtatók gyártása. A kézművesek a termékek változatos formázásában versenyeztek, ami a bejárati ajtó háztartási részletgazdagságát az igazi high art termékek szintjére emelte.
Különleges helyet foglaltak el a kis kerámiaközpontok, amelyek földrajzilag messze vannak a jól ismert művészeti központoktól - Faenza, Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante, Siena, Urbino. A toszkán kerámiaműhelyek a 15. században foglalták el az első pozíciókat. Megkezdődött a sajátos formájú, kék mintákkal borított edények, edények, vázák gyártása. Más kerámia központok (Deruta, Gubbio, Savona, Castel Durante) szintén átállnak a szertartási és esküvői ételek gyártására.
Savona. Manufaktúra Sebastiano Ricci , patikai váza
Savona, Solomone manufaktúra, majolika termékek
Színes festmények fedték az akkor már ismert patikák edényeit is. Az olasz művészek és metszők munkáinak presztízse a kerámiatermékek díszítésében is megmutatkozott. A mesterek (az önálló parcellák ellenére) a 16. században elkezdték a parcellákat áthelyezni a metszetről a kerámiára, bár nem mindig sikeresen. Az eredetiség az úgynevezett "esküvői edényekben" rejlik, amelyekre lányos portrékat festettek. A választék is bővül az idő múlásával - megjelennek a nagyméretű tálak, kádak-hűtőszekrények, lombik, kidolgozott dekorációval és stukkós részletekkel borítva.
Az Olaszországba érkező kínai porcelán egyedi mintái csodálatot váltottak ki, és kísérleteket tettek a technológiáinak másolására Firenzében és Savonában. De ezeknek a termékeknek a minősége rosszabb volt, mint a kínai vagy a japán minták. A legsikeresebb az olasz porcelángyártás volt Nápoly városában a 18. században.
Faenza , címeres edény. 1532
Deruta, 1534-es étel
Nicolò da Urbino, "Vénusz", 1535 előtt
Francesco Xanto Avelli, 1525
A 20. század tragikus eseményei nem a legjobb hatással voltak a művészetre, ahol hihetetlen gyorsasággal terjedtek az avantgárd és a romboló tendenciák. A XX. század elején. Párizs az avantgárd irányzatok ismert központjává vált , ahol egymás mellett él a szecesszió, a késői szimbolizmus , a kubizmus , a szürrealizmus stb.. Párizsban olyan sokszínű művészi személyiségek dolgoznak, mint az olaszok Boldini és Amedeo Modigliani . Olaszországban is felbukkannak avantgárd irányzatok, és Giacomo Balla (1871-1958), Umberto Boccioni (1882-1916), Carlo Carra (1881-1966), Gino Severini (1883-1966) munkássága jelentősen hozzájárult a század művészete.
A képzőművészet formáinak összeomlása szélsőséges megnyilvánulásait az absztrakcionizmusban és az abból fakadó epigonokban , a polgári üzletemberek, a média , a galériatulajdonosok által aktívan támogatott kis művészeti mozgalmakban és az aukciókban találta meg, hogy jelentős bevételre tegyenek szert a művészetből. A két világháború következtében a művészeti központ Párizsból Nagy-Britanniába és az Amerikai Egyesült Államokba került.
A Benito Mussolini uralkodása alatti olasz művészet helyi művészeti jellemzőkkel bírt . Ebben az időszakban számos épületet hoztak létre, bár eltérő művészi értékkel ( a Római Egyetem új épületei, a Külügyminisztérium modern épülete stb.). Az 1960-as években az olasz parlamentben képzett és magas kultúrájú politikusokból álló csapat került hatalomra, amely mind a múlt, mind a 20. század kulturális és történelmi emlékeinek megőrzéséért kiállt.
És bár a baloldali politikusok a Mussolini-rezsim épületeinek lerombolására szólítottak fel, megfelelő törvényeket fogadtak el a történelmi vagy építészeti emlékként elismert történelmi épületek megváltoztatásának teljes tilalmáról.
A politikailag reakciós rezsim elleni küzdelem hátterében Renato Guttuso realista művészete és számos új generációs olasz szobrász kifejlődött, többek között:
Francesco Messina. "Maria"
Umberto Boccioni. "Ferruccio Busoni portréja".
Az absztrakt formákat a festészetben és a szobrászatban Emilio Vedova , Arnaldo Pomodoro és mások művelik.