Az élettelen tárgyak képei már az ókorban megtalálhatók a művészetben . A következő évszázadokban a csendélet elemei a mitológiai, vallási és történelmi témájú festmények más műfajaiban is léteztek. A csendéletet azonban csak a reneszánsz utáni korszakban, és mindenekelőtt a 17. századi Hollandiában kezdték külön képzőművészeti műfajként kiemelni [1] .
A holland csendéletnek számos fajtája volt, amelyek között megkülönböztethető a virágcsendélet, a "tudós", "konyha", valamint az úgynevezett "terített asztalok". A monokróm „reggeli” tipikus holland csendélettípus lett, amelyet a tartalmi lakonizmus, a színek visszafogottsága, valamint a fény- és levegőkörnyezet egyesítő szerepe jellemez.
A csendéletfestők többsége az úgynevezett " kis hollandokhoz " tartozik. Pieter Claesz , Willem Claesz Heda , Willem Kalf , Abraham van Beijeren , Baltasar van der Ast , Willem van Aelst , Jan van Huysum és mások dolgoztak ebben a műfajban .
Hollandia példátlan gazdasági és kulturális virágzáson ment keresztül a 17. század első felében. Ők voltak Észak-Európa fő kereskedelmi központja, holland hajók folyamatosan közlekedtek holland kikötők és ázsiai és afrikai gyarmatok között. Magas szintet értek el a társadalomtudományokban, a mechanikában, a matematikában, a fizikában és a természettudományokban. Mindezen körülményeknek köszönhetően a holland polgárok arra törekedtek, hogy jólétüket a művészetben örökítsék meg [2] .
Az erre az igényre válaszoló holland művészek a holland reneszánsz hagyományaira támaszkodtak , különösen Robert Campin , Rogier van der Weyden , Jan Gossaert és mások munkáira, akik elkezdték széles körben alkalmazni a csendélet elemeit vallási témájú festményeken. A 16. században idősebb Bartholomeus Brein , Dirk Bouts , Peter Aartsen , Joachim Beikelar , Bartholomeus van der Helst és mások olyan festményeket kezdtek alkotni, amelyeken a csendélet motívumai kerültek előtérbe, és Krisztus életének jelenetei a mélybe költöztek. [3] .
A 17. században a festményeket általában belső terek díszítésére szánták, és kamara formátumúak voltak. Cselekményeik a holland polgárok mindennapjait tükrözték, a művészek pedig alaposan megörökítették az őket körülvevő tárgyi világot. Különféle tárgyak először foglaltak helyet a képen, nem a hozzájuk fűzött szimbolikus jelentés, hanem kizárólag saját szépségük és festőiségük miatt [2] .
A csendélet mint külön ág 1600 körül emelkedett ki [4] . Az új műfajt Hollandiában „ stilleven ” (szó szerint „csendes élet”) nevezték, bár ezt a kifejezést csak a 17. század közepén kezdték használni. Még a holland is a természet képét értette, amely a kép készítésekor mozdulatlan volt. Ezért a 17. századi holland csendéletekben virágok, gyümölcsök, ételek, edények, koponyák, döglött halak és vadvadak mellett rovarok, gyíkok, sőt madarak és állatok képei is láthatók [5] .
Fejlődése során a holland csendélet számos szakaszon ment keresztül, amelyek mindegyikének megvolt a maga sajátossága. Korai szakaszban a virágcsendéletek domináltak, tükrözve a virágkertészet iránti holland rajongást. A következő generáció festői ( Klas , Kheda stb.) a szerény "reggelire" tértek át, fehér abroszon csoportosítva a fém- és üvegtárgyakat. Ezeket a csendéleteket tömörség és egyszerűség jellemzi; minden alkatrészt egyetlen szürkés skálán terveztek. Az úgynevezett "hal" és "konyha" csendéletek a demokratikus rétegek szerény puritán ízlését tükrözték a század első felében [6] .
Később a polgárság megerősödésével, fokozatos arisztokratizálódásával a művészettel szemben támasztott követelmények is megváltoznak. 1650-60-ra Willem Kalf és Abraham van Beyeren művében a csendélet elveszti szerény, egyszerű jellegét, fényűzőbbé, pompásabbá és színgazdagabbá válik. Állandó összetevői egzotikus gyümölcsök, elegáns poharak és értékes ékszerek, melyek meleg és lágy fényben fürdenek [7] . Jan-Baptiste Veniks és Melchior de Hondekuter "vadász" csendéleteiben is érezhető a dekorativitás növekedése és a külső hatások iránti vágy.
A csendélet témáját és fejlődését nemcsak az idő, hanem az adott város helyi adottságai is befolyásolták. Így például a gyorsan fejlődő Haarlemben , ahol a polgárok erős társulásai vannak, kialakult egyfajta tonális csendélet, és Hollandia - Amszterdam gazdasági és kulturális életének központjában - a Kalf és Streck luxus "desszertek" keletkeztek. . A tengeri ipar központjában, Hágában a „hal” csendélet alkotói, Pieter de Putter és Abraham van Beijeren, az egyetemi városban, Leidenben pedig a „filozófiai” koponya-, ill. népszerű volt a földi lét gyarlóságára emlékeztető homokóra [8] [7] .
A 17. századi holland festészet sajátossága a művészek rendkívül szűk specializációja volt. A korszak festészetét meghatározó fő műfajokon - tájkép, csendélet és hétköznapi műfaj - belül számos alműfaj volt. Ennek oka a festészeti piacon tapasztalható erős verseny volt: minél volt már olyan terület, amelyre ez vagy az a festő specializálódott, annál több szakértelmet tudott elérni [9] .
A csendéletek alműfajokra való szigorú felosztása nehéz, mivel gyakran több motívum is egyesült egy képen. Ennek ellenére szokás kiemelni ennek a műfajnak a leggyakoribb fajtáit.
A virágcsendélet ( hollandul bloemsstilleven ) az elsők között emelkedett ki önálló alműfajként. A korszak többi műfajához hasonlóan a 17. századi hollandok életének valós jellemzőit, különösen a virágkertészet és a kertészet iránti szenvedélyét tükrözte. Virágcsendéletekben a művészek tulipánokat , rózsákat , kardvirágokat , jácintokat , szegfűket , liliomot , íriszeket , gyöngyvirágokat , nefelejcseket , ibolyát , százszorszépeket , nigellát , rozmaringot , kökörcsint , körömvirágot , rózsát , rózsát, rózsát , gyöngyvirágot ábrázoltak . virágok [10] .
A csendélet virágainak kiválasztásakor a fő szempont a szépség és a ritkaság volt. A virágokat általában a természetből vették, mivel értékelték a kép pontosságát és megbízhatóságát). Ugyanakkor a különböző időpontokban nyíló virágokat egy csendéletben lehetett ábrázolni, így esetenként hónapokig csúszott a csokor rajzolása. Egy ilyen hosszú munka azonban meghozta gyümölcsét: a virágcsendéleteket nagyra értékelték, és állami szinten akár drága ajándékként is felhasználhatták [11] .
A műfaj úttörői közé tartozik Jan Brueghel the Elder (1568-1625) flamand művész . Brueghel legkorábbi fennmaradt virágcsendélete 1606/07-ből származik, és Albrecht VII megbízásából [12] készült . Ismeretes, hogy Jan Bruegel művei megírásához kifejezetten Antwerpenből érkezett a Brüsszeli Botanikus Kertbe , hogy különféle virágokat vizsgálhasson és vázolhasson. Előzetes vázlatokat készített akvarellel és tussal, virágokat különböző szögből és különböző megvilágítás mellett ábrázolva [13] .
A 17. század első holland művészei között volt, aki vázákat festett virágokkal, Jacob (Jacques) de Gijn ifjabb (1565-1629). Munkásságát a festmények elnyújtott függőleges formátuma, a virágok többszintű elrendezése a váltakozó nagy és kis növényekkel, valamint olyan technikák alkalmazása jellemzi, amelyek nagyon népszerűek lesznek e műfaj művészei körében: virágcsokor beágyazása a műfajba. fülke és kis állatokat ábrázoló váza mellett [14] .
A rovarok, állatok és madarak, kagylók megjelenése a virágcsendéletekben segédrészletként az ábrázolt tárgyak szimbolikus jelentéssel bíró rejtett jelentései használatának hagyományát tükrözi. Különféle szimbólumok jelennek meg minden műfajú csendéletfestményen.
Az ifjabb Jacob de Gein követői Jan Baptist van Fornenburg (1585-1649) és Jacob Wauters Vosmar (1584-1641) voltak.
Fornenburg tulipán-, nárcisz-, rózsa-, fizalis-csokrokat festett, festményein a „ hiúság hiúsága ” és a klasszikus „ keverék ” [15] motívumai jelennek meg .
Vosmar festményeinek jellegzetes vonása a „hiúság hiúságának” motívuma is, lógó rózsa formájában. Emellett gyakran ábrázolt csendéletekben különféle rovarokat: legyeket, pillangókat, szitakötőket és méheket.
A virágos és gyümölcsös csendéletek mestereinek egész dinasztiájának alapítója idősebb Ambrosius Bosschaert (1573-1621) volt. A dinasztiához három fiú (Johannes, Abraham és Ambrosius), két sógor (Johannes és Baltasar van der Asty) és egy meny (Jeronymus Swerts) tartozott.
Idősebb Ambrosius Bosschaert munkái naturalista alaposságukat tekintve közel állnak Idősebb Jan Brueghel munkáihoz. Ismeretes, hogy Bosshart a természetből származó egzotikus növényekről is készített megrendelésre vázlatokat [16] . Főleg kis csendéleteket festett fülkében vagy ablakpárkányon elhelyezett vázában (porcelán vagy üveg) csokorral. A váza ilyen elrendezése az ablakból látható vadvilág és a vázába helyezett kerti virágok ellentétét hangsúlyozta. Festményein kíséretként az apró állatokon kívül kagylók is szerepelnek.
Bosschaert fiai közül a művész tehetsége a legvilágosabban Johannes Bosschaertben (1610/11 - 1629 után) nyilvánult meg. Munkáinak megkülönböztető jegyei a tárgyak képátló mentén történő elrendezése és a matt-fémes színezés.
Az ifjabb Ambrosius Bosschaert (1609-1645) rejtett szimbolikával csendéleteket festett; későbbi munkáiban az utrechti karavagások fekete-fehér modellezésének technikáit alkalmazta .
Abraham Bosschaert (1612/1613 - 1643) testvérei technikáit másolta.
Ambrosius Bosschaert feleségének testvérei, Johannes és Balthasar van der Asta folytatták Bosschaert hagyományait.
Johannes van der Ast munkásságát kevéssé tanulmányozták; jelenleg csak egy festményt tulajdonítanak neki [17] .
A csendélet fejlődése szempontjából nagy jelentősége volt a testvérek legidősebbjének - Balthasar van der Astnak (1593/1594 - 1657) -, aki gazdag alkotói örökséget hagyott hátra - több mint 125 festmény. Szeretett egy kosár virágot vagy egy tál gyümölcsöt ábrázolni az asztalon, az asztal széle mentén az előtérben kagylókat, gyümölcsöket és pillangókat helyezett el. A művészt különösen a szokatlan tárgyak vonzották: bizarr kagylók, egzotikus virágok és gyümölcsök, fényes rovarok, papagájmadarak. Jellemző volt az is, hogy cselekményt és mozgást vitt a csendéletbe [18] .
Roelant Saverey (1576-1639), aki kiváló tájfestőként is ismert, idősebb Ambrosius Bosschaert iskolájához tartozik . Csendéletei egy fülkében elhelyezett virágcsokor elvén épülnek fel. A festményeket a „hiúság hiúságának” motívumaival egészítette ki, hiszen kíséret, temetőbogár, trágyalégy, döglött fejű pillangó és egyéb rovarok, valamint gyíkok kerültek felhasználásra.
Ambrosius Bosschaert munkái olyan művészekre voltak hatással, mint Anthony Claes I (1592-1636), névrokona Anthony Claes II (1606/1608-1652) és idősebb Ambrosius Bosschaert veje - Hieronymus Swerts .
Hans Bollongier (körülbelül 1600 - 1670 után) munkásságában az utrechti karavaggizmus technikáit széles körben alkalmazták. A chiaroscuro segítségével a művész a szürkület hátterében virágokat választott ki.
A virágcsendélet továbbfejlődése a middelburgi mesterek munkáiban volt megfigyelhető: Christoffel van den Berghe (1590 körül - 1642 után), aki a "hiúság hiúságának" elemeit ábrázolta virágcsendéletekben: egy üveg bort, egy tubákdoboz, pipa, játékkártya és koponya; és Johannes Goodart , aki széles körben használta a rovarokat és a madarakat kíséretként [19] .
A virágcsendélet dordrechti mestereinek iskolájába tartozik Bartholomeus Abrahams Asstein (1607 (?) - 1667 vagy később), Abraham van Calrath (1642-1722), a híres táj- és állatfestő , Albert Cuyp , Jacob Gerrits Kuyp (1594- ) apja. 1651/1652). Munkájukat a chiaroscuro elterjedt használata jellemzi [20] .
A 17. századi hollandiai virágcsendélet mellett a csendélet egy másik típusa is kialakulóban van és egyre nagyobb népszerűségnek örvend - a terített asztalok képe (az ún. bankettekre ( holland banketjes ) osztva ) és "reggeli" ( holland. ontbijtjes )) [21 ] [22] . Az ilyen típusú csendéletek szülőhelye és központja Haarlem volt . Létrehozásának előfeltétele a lövészcéhek tagjairól készült portrék széles körben elterjedése volt egy banketten a 16. században. Fokozatosan önálló műfajná vált a terített asztal képe [23] .
A csendéletet alkotó tárgykészletben eredetileg a hollandok számára hagyományos termékek szerepeltek: sajt, sonka, zsemle, gyümölcs, sör. Később azonban a csendéletekben egyre több az ünnepélyes alkalmakra, vagy a gazdag városlakók asztalára jellemző ételek: vad, bor, pite (a legnépszerűbb a szedertorta volt ) [24] . A hagyományos hering mellett megjelent a homár, a garnélarák és az osztriga. A holland művészek előszeretettel ábrázolt finomságok között szerepelt a szőlő, az olajbogyó és az articsóka [22] .
Elkezdték használni a drága ezüstből és kínai porcelánból készült edényeket, kancsókat, tányérokat is . A szemüvegek különösen érdekelték a művészeket: römer , berkemeier , passzüveg, fuvolaüveg, velencei üveg, akeley üveg . A legcsodálatosabbak az azonos nevű puhatestű héjából készült serlegek - " nautilus " voltak [25] .
A csendéletek gyakori attribútumai voltak a sótartó és az asztali kés. A félig hámozott citromot gyakran használták színes foltként.
Az egyik legkorábbi holland terítést bemutató csendélet Nicholas Gillis haarlemi művész terített asztala (1580 körül - 1632 után). Festményein felemelt nézőpontot alkalmazott, ami lehetővé tette számára, hogy az egész asztalt szemlélje.
Floris Gerrits van Schoten csendéletfestményeit (1590 körül - 1655 után) a komplexitás, a tálalási tárgyak és részletek bősége jellemzi. Az ügyesen felépített kompozíciónak és a chiaroscuro ügyes használatának köszönhetően azonban csendéletei nem keltik túlterheltség benyomását. A művész számos esetben alkalmazta azt a technikát, hogy a csendéletcsoport akcentusát elmozdítsa a kép geometriai középpontjától [26] .
Az ilyen típusú csendéletfestészet jelentős alakja a szintén haarlemi Floris van Dyck (1575-1651). Az ecsetjéhez tartozó négy csendéletet őriztek meg, amelyek tipikus "felszolgált asztalok". Van Dyck festményeinek középpontja sajtpiramis volt, a háttér ködben oldódott [27] .
Clara Peters flamand festő (1594-1657) az ilyen típusú csendéletekre specializálódott. Akkoriban ő volt az egyetlen nő, aki a csendélet műfajában dolgozott [28] . Clara Peters nagyszámú művet készített, melyeket az aprólékos kivitelezés jellemez. Gyakran ábrázolt drága ínyenc ételeket, homárt és osztrigát. Egyes csendéleteiben lesüllyesztett nézőpontot használt, szinte az asztal szintjén.
Hans van Essen (1587/1589 - 1648 után), aki Antwerpenben született, majd Amszterdamban élt , szintén a "terített asztalok" műfajában alkotott kompozíciókat .
A haarlemi Roelof Coots (1592/1593 - 1655) a szándékos hanyagság módszerét alkalmazta: festményein a tányér vagy kés félúton lógott az asztal szélétől. Az elsők között alkotott olyan vásznat, amely nem terített asztalt, hanem egy túlreggeli nyomait ábrázoló asztalt ábrázol, a „hiúság” motívumait: órákat, könyveket, lehullott szőlőt.
Tonális csendéletHaarlemben 1620-30-ban alakult ki a csendélet egy különleges fajtája - az úgynevezett tonális, vagy monokróm csendélet . Az új irányvonal élén Pieter Claesz és Willem Claesz Heda művészek álltak. Munkájukban a csendélet a fényűző "bankettektől" a szerény "reggeliig", az ünnepi ünnepélyességtől és a szigorú rendtől a meghittségig és a festői "rendetlenségig" [29] .
Ekkorra a holland tájfestők már kidolgozták a tónusirányt: műveiket finom színátmenetek és tónusátmenetek jellemezték, a tárgyak pedig feloldódni látszottak egy szürkésbarna homályban [30] . Eredményeiket a csendéletek szerzői kamatoztatták: a festők tompa színekben készítettek festményeket, elsősorban a szürke és a barna árnyalatait használva. Fontos szerepet kap a fény: üveg- és fémedények felületén játszik, és egyesíti a különböző tervekben csoportosított tárgyakat [31] . Feltételezhetjük, hogy a monokróm "reggeli" volt az első valóban eredeti holland csendélettípus [30] .
Pieter Claesz (1597/1598 - 1661) első csendéletei a "terített asztalok" hagyománya szerint íródtak (bár némi aszimmetria és szándékos hanyagság már észrevehető rajtuk). Aztán áttért a csendéletekre, „ a hiúságok hiúsága ”. Ezeknek a csendéleteknek az egyik fő eleme a pipa volt: Hollandiában akkoriban előszeretettel szívtak hosszú agyagpipákat, és a divatjuk az irodalomban és a képzőművészetben egyaránt megmutatkozott [32] . Fokozatosan azonban a „reggeli” témája lett Klas művének fő témája. A művész a „reggeliben” alakította ki saját stílusát, amelyet az ábrázolt tárgyak kis halmaza jellemez, egyetlen ezüstszürke tónusú színezés, finom chiaroscuro gradációkkal és fémen vagy üvegtárgyakon megcsillanó fény [31] . Klas különböző tervekben helyezi el a tárgyakat, és minden módon hangsúlyozza az ábrázolt tér háromdimenziósságát. Számos esetben függőleges vászonformátumot alkalmazott, domináns römer vagy magas üveg díszletével.
A Klashoz hasonló stílust Willem Klaes Heda (1594-1680/1682) dolgozott ki, de műveiben a tónuskezdet hangsúlyosabb: Heda kompozíciói gyakorlatilag nélkülözik az élénk helyi színeket [33] . Csendéleteiben az asztalt és a tálaló tárgyakat olívaszürke tónusokkal tervezték, gyakran kontrasztban a terítő fehérségével; külön színek a citrom, a sonka vagy a pitehéj.
Kheda kivételes hozzáértéssel építi fel "reggelijének" kompozícióját, a tárgyakat vagy párhuzamosan a vászon síkjával, vagy átlósan helyezi el [34] . Az 1630-as évek után egyre gyakrabban használta képeinek függőleges formátumát. Az általánosító kezdet Klashoz hasonlóan a tárgyak felületén játszó fény.
A Kheda csendéleteiben sok tárgy megszemélyesíti a „hiúság hiúságát”: törött poharak, felborult takonyok , üres osztrigahéjak. Az étkezés véget ért, és ezt minden földi gyarlóságára való utalásnak kell tekinteni [35] .
A Claes és Heda által megalkotott monokróm "reggeli" típusa az 1630-as és 1640-es években terjedt el Hollandiában.
Claes egyik követője a szintén haarlemi Franchuis Elaut (1596-1641) volt. Életében nagy népszerűségnek örvendett, festményei közül azonban kevés maradt fenn a mai napig.
Khedának sok tanítványa és követője volt, köztük fia, Gerrit Willems Kheda (1620-1702). Munkásságát a vertikális formátum, a középpontban elhelyezett tárgy dominanciájával, valamint a chiaroscuro felhasználásával jellemzi, amely a szoba alkonyatának hátterében élesen kiemeli a csendélet attribútumait.
Heda másik tanítványa Marten Bullema volt , beceneve "A Néma" ( De Stomme ). Csendéleteit is egy központi tengely köré építette, majd áttért a szabadabb kompozícióra és a már elkészült reggelik ábrázolására [36] .
Jan Jans den Eyl (1595/1596-1640) is támogatta Heda hagyományait . Kiforrott munkáiban 4-5 tárgy ábrázolására szorítkozott, legtöbbször nélkülözhetetlen átjáróüveggel, és a függőleges formát részesítette előnyben. Den Eil hatással volt sógora , Jan Jans Treck (1605/1606-1652) munkásságára, aki szintén olívaszürke tónusokat és egy kis tárgykészletet használt, amelyet egy igazolványüveg ural.
Még egyszerűbbek Jan Jans van de Velde (1619/1620 - 1663 után) kompozíciói, akit Pieter Claesz csendéletei befolyásoltak, és gyakran hosszú pipákat ábrázolt. Csendéletei a természetesség, az intimitás és a mindennapi élet hangulatát teremtik meg.
Paulus van den Bos (1615 körül - 1655 után) munkáit tömörség, a kompozíció rendkívüli egyszerűsége és a ritka színezés jellemzi.
Philips Angel (1616 - 1683 után), Francis Geisbrechts és Joseph de Bray (? - 1664) a "reggeli" sajátos típusát - parasztot - alkották: sajtot, heringet, zöldségeket, poharak helyett fabögréket ábrázoltak [37] .
Az úgynevezett „konyhai csendélet” mind Hollandiában, mind Flandriában elterjedt. Az ehhez a műfajhoz tartozó festmények különféle konyhai eszközöket és vacsorakészítésre szánt termékeket ábrázoltak. Részben megőrizte (a 16. századi művészek, Peter Aartsen és Joachim Beikelar nyomán ) a háziasszony, a szakács vagy a szolgálók ábrázolásának hagyományát, de egyre gyakrabban háttérbe szorultak. Az előtérben a konyhai eszközök és a konyhába hozott hús, hal és sok zöldség volt: sütőtök, fehérrépa, rutabaga, káposzta, sárgarépa, borsó, bab, hagyma és uborka. A tehetősebb emberek asztalán karfiol, dinnye, articsóka és spárga került . Főleg rotterdami mesterek vettek részt a műfaj kidolgozásában , valamint a haarlemi Floris van Schoten (aki az ilyen típusú csendélet megalapítójának tekinthető) és a middelburgi mester, François Reykhals [39] . Emellett a konyhai csendélet népszerű volt a delfti művészek körében [40] .
Floris Gerrits van Schoten leginkább „terített asztalairól” ismert, de konyhai jeleneteket is festett. Némelyikük közel áll a zsánerfestészethez; mások "tiszta" csendéletek [41] .
A delfti születésű Pieter Cornelis van Rijk (1568-1628) a 16. századi hagyomány szerint festett, olykor bibliai jelenetekkel a háttérben. Egy olaszországi utazás után az olasz festészet hatása vált észrevehetővé festményein [42] .
Cornelis Jacobs Delff (1571-1643), van Rijk tanítványa csendéletet és műfaji motívumokat kombinált. Magasabb nézőpontot használt, és szerette a konyhai eszközöket az előtérbe helyezni.
A hollandok mindennapi életéből festő zsánerfestők munkái gyakran közel állnak a konyhai csendélethez. Így Gottfried Schalken (1643-1706) zsánerfestő és portréfestő „Borminta” című festményén szerelmi jelenetet ábrázolt, de a kíséret egy kamra volt, boros hordókkal és kellékekkel.
Cornelis Pieters Bega (1631/1632 - 1664) is többnyire műfaji jeleneteket festett. Övé a „Konyhában” című festmény, amely abból a szempontból szokatlan, hogy a művész mitológiai motívumokat visz be a csendéletbe, egy szatírt ábrázolva, aki meglátogatta a parasztokat [43] .
A hazai műfaj mestereinek csoportja, a testvérek Cornelis és Herman Saftlevens (1607/1608 - 1681 és 1609-1685), Pieter de Blot (1601-1658), Hendrik Martens Sorg (1611-1670) és Eckbert van der Pool ( 1621-1664) a „konyhai” csendéleteket műfaji motívumokkal kombinálták, de festményeiken a háztartási cikkek domináltak, az emberi alakok pedig másodlagos szerepet játszottak.
A rotterdami műfajú festők alkotásaihoz közel állnak a "parasztreggeli" híres mesterének, Philips Angelnek a csendéletei .
Azokkal a művészekkel szemben, akik egy gazdag polgár konyháját annak tisztaságával és rendjével ábrázolták, Francois Reykhals (1600-1647 után) szegényparaszti konyhákat festett, gondosan kiírva a berendezési tárgyakat. Későbbi munkáiban Reykhals a "luxus" csendélet műfaja felé fordult [44] .
Több mint 60 művet szenteltek a konyhai csendélet és a "luxus" csendéletek másik jól ismert mesterének, Willem Kalfnak .
Hága a halas csendélet szülőhelye lett . Scheveningen közelsége nemcsak a tengerészgyalogosok festésére késztette a művészeket , hanem egy különleges csendélet-festményt is – halakat és tengeri állatokat ábrázoló festményeket [45] . A "hal" csendélet másik központja Utrecht volt , annak ellenére, hogy ez a város távol van a tenger partjától [46] .
Az ilyen típusú csendéletek alapítói Pieter de Putter, Pieter van Scheyenborg és Pieter van Noort voltak.
Pieter de Putter (1600-1659) szinte kizárólag halcsendéletekre specializálódott. Az ilyen önmegtartóztatás merész lépés volt a művész részéről; láthatóan abban bízott, hogy munkája sikeres lesz a hollandoknál – a tengerészek és halászok nemzetében [47] .
Munkáiban de Putter általában ugyanazt a mintát követte: magas nézőpontot választott, ahonnan jól látható egy asztal, amelyen halat dobtak, néha további részleteket adva a csendélethez - egy halászhálót, egy kosár, egy konyhakés vagy egy serpenyő. Munkáit merev minta és fukar szín jellemzi [48] .
Ennek a festészeti irányzatnak a fő képviselője de Putter tanítványa, Abraham van Beyeren (1620/1621 - 1690) volt, aki a csendélet számos más műfajában dolgozott, és kikötőket is festett. A halakat különböző helyzetekben ábrázolta: a parton egy kupacban fekve, asztalra fektetve, horgokra akasztva [49] . Van Beieren csendéletei realizmusukkal tűnnek ki; nem nehéz beazonosítani az általa ábrázolt halfajtákat. Különösen gyakori az uszonyánál felfüggesztett ponty képe, amely valószínűleg valamilyen szimbolikus jelentéssel bír [50] .
Van Beieren kiemelkedő kolorist volt: az ezüstszürke palettát, amelyben a halpikkelyek tartósan megmaradnak, egyedi élénk színfoltok hangsúlyozták, a csillogó fény pedig különleges élénkséget és kifejezőerőt adott a képnek.
Talán van Beieren tanítványa volt Isaac van Duynen (1628-1677/1681), aki a halcsendélet két fő témáját is kidolgozta – „hal a parton” és „hal az asztalon”.
Pieter van Scheienborg (? - 1657 után) halat festett szürke vagy barna háttérre; tengeri és folyami halakat ábrázoló páros festményei vannak [48] .
A halpikkelyek ragyogását színesen közvetítő Pieter van Noort (1600 körül -?) festményei sajátos színűek .
Albert Cuyp (1620-1691), ismertebb tájfestőként a halcsendélet mesterei közé sorolható .
Az utrechti mesterek , Willem Ormea (1611-1673) és tanítványa, Jacob Gillig (kb. 1630-1701) kedvelték a "halas" csendéleteket. Willem Ormea gyakran ábrázolt halakat a tenger hátterében (együttműködött Adam Willaerts tájfestővel, aki a tengert festette). Gillig festményei hagyományosabbak; főleg édesvízi halakat tartalmaznak, frissen fogott vagy már levágott [51] .
A holland festészetben fontos helyet foglalt el egy filozófiai és moralista csendélet, amely a latin " vanitas " ("hiúság hiúsága" - utalás a Prédikátorra ) nevet kapta. Az ilyen típusú csendéletek először a 17. századi flamand festészetben jelentek meg, majd Hollandiában, Olaszországban és Spanyolországban terjedtek el [52] . A műfaj előfutárai az úgynevezett memento mori , a középkor óta ismert allegorikus képek, amelyek minden földi gyarlóságára és mulandóságára emlékeztetnek. Így eleinte sírköveken, később az egyedi készítésű portrék hátoldalán is szokás volt emberi koponyát ábrázolni [53] [54] .
Egy tipikus vanitas csendélet olyan tárgyakat ábrázolt, amelyek így vagy úgy az emberi élet gyarlóságához kapcsolódnak: koponya, kialudt gyertya, órák, könyvek, hangszerek, elszáradt virágok, rothadó gyümölcsök, felborult vagy összetört edények, kártyajátékok és csontok, pipák, szappanbuborékok stb. A művész olykor egy-egy latin mondást is beépített a „hiúság hiúsága” témában ( Vanitas vanitatum , Memento mori , Sic transit gloria mundi stb.). A csendéleteket általában sötét színekben tervezték, a szürkésbarna színek túlsúlya mellett. Az ábrázolt tárgyakat általában hangsúlyosan hanyagul, kaotikusan rendezték el: ez az anyagi értékük megvetését hivatott demonstrálni, és az emberi tettek hiábavalóságát is szimbolizálni [22] [55] .
Leiden lett a „tudományos” csendélet (a műfaj egyik neve) fejlesztésének központja: egyetemi város, nyomdaközpont és a kálvinizmus fellegvára. B. R. Vipper szerint „ennek az irányzatnak az ideológiai alapjaiban sajátosan összefonódtak a középkori elképzelések minden földi gyarlóságáról, a kálvinizmus moralizáló irányzatai és az igazságra és szépségre törekvő bölcs ember humanista eszménye” [56] .
A 17. század első hozzánk került csendéletét, amely a "hiúságok hiúságának" műfajába tartozik, ifjabb Jacob de Gein festette 1603-ban. Egy falfülkében elhelyezett koponyát ábrázol, amely fölött egy szappanbuborék lebeg, tükrözve a művész műtermének egy részét. A fülke felső részén a "HUMANA VANA" ("az emberi felhajtás hiábavaló") latin felirat olvasható; a koponya a halál hagyományos szimbóluma, a szappanbuborék pedig arra emlékeztet, mennyire mulandó minden élet [57] .
A „hiúságok hiúságának” csendéletének kialakulását nagyban befolyásolta David Bailly leideni festő (1584-1657) és a köré csoportosuló mesterek tevékenysége. David Baillyé a híres "Csendélet önarcképekkel és a hiúság szimbólumaival". Ezen a képen egy viszonylag szűk helyen sok tárgy koncentrálódik - a műfaj attribútumai: könyvek, gyertya, érme, tükör, pipa, kitépett és elhalványuló virágok, homokóra stb. Az asztalon lévő koponya, a szenvedő Krisztus szobra és a szappanbuborékok ékesszólóan beszélnek az élet mulandóságáról [58] .
Bailly tanítványa Peter Simons Potter (1597-1652), a híres állatfestő, Paulus Potter apja volt . Csendéleteiben ugyanazt a tárgykészletet használta, mint Bailly: koponyát, könyveket, kialudt gyertyát, pipát, palettát, hangjegyeket és hangszereket. Újítás volt a tintatartós toll, földgömb és zacskó képe – olyan dolgok, amelyek a hírnév és az utazás hiú vágyát jelképezik [59] .
Bailly tanítványai voltak az unokaöccsei, Harmen Stenwijk (1612 - 1655 után) és Peter Stenwijk is , aki Delftből származott. Mindkét művészről keveset tudunk, fennmaradt alkotásaik száma nagyon kevés. Feltételezik azonban, hogy Harmen Stenwijk a leideni festőiskola egyik vezetője volt [60] . Munkáját melegebb szín jellemzi, mint Baillyét; emellett az ábrázolt tárgyak standard halmazában a "hiúság hiúságának" egy másik szimbólumát is bevezeti - a futó árnyékokat [59] .
Még a „luxus” csendéletek kiemelkedő mestere, Jan Davidsz de Heem is Bailly hatása alatt állt , aki Utrechtből Leidenbe költözött több festményt festett a „hiúság” műfajában. De Heem különféle csendélettípusokat kombinált: vanitas , virágos és tonális [61] [62] .
De Heem és utána a "vanitas" sok más szerzője fontos szerepet tulajdonított a fény és az árnyék kontrasztjának, amely az élet és a halál küzdelmét szimbolizálja. Tehát Abraham van der Schor Hiúság hiúság című festményén a műfaj hagyományos attribútumai – csontok, koponyák és kitépett rózsák – világos színekkel vannak megfestve és sötét háttérre helyezve. Chiaroscuro fontos szerepet játszik Jacques de Clauve (1620 - 1679 után) munkáiban is, ahol a ragyogó napfény kontrasztot alkot a komor koponyákkal és feszületekkel; valamint Adrian van der Spelled (1630-1673) csendéleteiben , akiben a volumen illúzióját is megteremti [63] .
A 17. század második felében a cselekmény értelmezése némi változáson ment keresztül: a csendélet elkerülhetetlen végének komor emlékeztetőjéből a „hiúságok hiúsága” egyfajta misztériumfestészetté alakult, amely megköveteli a nézőtől, hogy ismerje a csendélet elkerülhetetlen végét. bennük használt szimbolizmus. Egyre gyakrabban jelenik meg bennük a földi dicsőség hiúságának, a tudomány és a művészet [64] hajszolásának motívuma .
Ebben a műfajban több festményt készített Jan Davidsz de Heem tanítványa, Maria van Oosterwijk (1630-1693), aki többnyire virágcsendéleteket festett. Ezért a „hiúság” típusú festményein a virágok a koponya, a földgömb, a könyvek, a fuvola, a bankjegyek és az érmék mellett kiemelkedő szerepet töltenek be. A csendéleteket olyan idézetek kísérik, mint „A nőtől született férfi rövid életű és tele van bánatokkal” ( Jób könyve ) [65] .
Ilyen moralista maximákat alkalmaztak munkáikban számos, a vanitas műfajában dolgozó mester: például a híres tájfestő, Jan van der Heyden (1637-1712) és a leideni művész, Abraham Susenir (1620 körül - 1667 után) szerepelt a műfajban. csendélet egy Biblia nyitott a kívánt oldalon.
A 17. század második felének számos művész festménye közel áll egy másik csendélethez, az úgynevezett „ blende ”-hez, amely az ábrázolt térfogatának és valóságának illúzióját hivatott kelteni. A "megtévesztés" jellemzői jelen vannak Petrus Schotanus (kb. 1601-1675), Jurian van Streck (1632 -?), Vincent van der Winne (1629-1702), Matthias Vythos (1627-1703), Peter Ring munkáiban. (1615-1660) és Edward Collier (1640 körül - 1706 után). Ügyesen felépített kompozíciójuknak és a chiaroscuro mesteri felhasználásának köszönhetően az általuk ábrázolt tárgyak rendkívül naturalisztikusnak tűnnek [66] .
Az ókor óta a művészek a természet legmegbízhatóbb, illuzionista reprodukálására törekednek. Körülbelül a 15. század óta terjedtek el az európai művészetben a háromdimenziós illúziót keltő képek. Leggyakrabban egy gazdag polgár otthonának berendezésére jellemző tárgyakat ábrázoltak - könyveket, író- és piperecikkeket, különféle csecsebecséket, vadásztrófeákat -, és a művész megpróbálta úgy megrajzolni őket, hogy azok valóban egy polcon álljanak vagy lógjanak. falon [67] . Egy holland ház félig sötét belsejében az ilyen festmények a valóság hatását keltették.
Az 1650-es és 1660-as években az „illuzionista” csendélet egy speciális műfaja, az úgynevezett „ trükkök ” ( holland. bedriegertje ) később a „ trompe l'œil ” nevet kapta a művészettörténeti irodalomban (a francia „ tromper ” szavakból). ” - megtéveszteni és " l 'œil " - szem). Játszanak a nem létező ablakokkal, keretekkel és függönyökkel, valamint különféle, függőleges síkban elhelyezett, szalagokkal vagy csapokkal rögzített tárgyakkal [68] .
Az egyik első holland "trükköt" - a képek tárolására szolgáló festett fedeleket - Gerard Dou (1613-1675) készítette. Az illúzió az volt, hogy egy zárt doboz mintha nyitva lenne [66] .
A "megtévesztő csendélet" mesterei Rembrandt tanítványai, Samuel van Hoogstraten (1627-1678) és Heyman Dullart (1636-1684) voltak. Hoogstraten néhány fennmaradt csendélete szekrényajtókat ábrázol tárgyakkal. A művész kivételes hozzáértéssel közvetíti a különböző anyagok - bőr, fém, fa - textúráját. A legapróbb, gondosan végigkövetett részletek sokasága különleges hitelességet ad az ábrázoltnak.
Hogstraten munkája valóban félrevezette az embereket: Arnold Houbraken művész életrajzában megjegyzik, hogy III. Ferdinánd császár is engedett a megtévesztésnek . Ugyanez Houbraken írja, hogy magának Hogstratennek a házában mindenütt „trükkök” voltak, és a festett tárgyak valóságosnak tűntek [69] . Hogyan csalta meg Hogstraten kiemelkedő készsége, Samuel Peeps [70] emlékezik vissza emlékirataiban .
A "csalások" szerzői gyakran készítettek csendéleteket írószerekkel: asztalra fektetett levelekkel, borítékokkal, tollkéssel, olvasónagyítókkal stb. Cornelis Brize (1622 - 1670 után), Vallerand Vaillant (1623-1677) hasonló művekkel rendelkezik. és a "hiúság hiúsága" típusú csendéletek mestere, Edward Collier [71] . Ez utóbbinak számos trükkje van Hogstraten szellemében [72] .
Sok mester kétféle csendéletet kombinált műveiben - az „illuzionista” és a „vadászat”. Ez a fajta "csali" vert vadat és vadászfelszerelést ábrázolt. A művészek nemcsak az elejtett állatok és madarak minél naturalisztikusabb ábrázolására törekedtek, hanem a madártollazat textúrájának és színeinek közvetítésére is. A vadászati témájú csalásokat Anthony Lemans (kb. 1631-1673) és Johannes Lemans (körülbelül 1633-1688), Jacob Biltius (1633-1681) és testvére , Cornelis Biltius , valamint a "paraszt" szerzője alkották meg. reggelizik Philips Angel és Christoffel Pearson (1631-1714) portréfestő [73] .
Az 1650-es évek óta egyre népszerűbb egy újfajta csendélet műfaj - a „luxus” csendélet ( holland. pronkstilleven ). A műfaj alapítói Frans Snyders és Adrian van Utrecht flamand művészek [74] voltak . Az ilyen típusú csendéletek témái és esztétikája a 17. század második felének burzsoáziájának ízlését, gazdagság, elegancia és luxus utáni vágyát tükrözi [75] . Egyre gyakrabban jelennek meg a festményeken ezüst és aranyozott edények, kínai porcelán , delfti fajansz , velencei üveg , keleti terítők és szőnyegek, délvidéki gyümölcsök, homárok és más drága és igényes edények, és felváltják a monokróm "reggeli" átlagos színezését. által színes és meleg [76] [76] [75] .
A műfaj egyik alapítója az utrechti mester , Jan Davidsz de Heem (1606-1684). Különféle műfajokban próbálta ki magát - virágos, tudós, konyhai, tonális csendélet. 1636-ban a művész Antwerpenbe költözött, és a flamand festészet hatása alá került. Azóta kezdett luxus csendéleteket készíteni, melyeket színességük és dekoratívságuk jellemez [77] . Igazi "bőség lakomát" mutatnak be: a gazdagon felszolgált asztalok szó szerint tele vannak mindenféle étellel. De Heem virágcsendéleteinek is egyértelmű volt a flamand nyoma, melyet barokk színek szimfóniája jellemez [78] .
Jan Davidsz de Heemnek volt egy műhelye nagyszámú diákkal és asszisztenssel. A mester fia, Cornelis de Heem (1631-1695) mellett, aki apja számos festészeti technikáját tanulta, közvetlen tanítványai Peter de Ring, Nicholas van Gelder, Johannes Bormann, Martinus Nellius, Matthijs Naive, Jan Mortel, Simon Luttihuis voltak. , Cornelis Kick. Kik viszont tehetséges diákokat nevelt - Elias van den Broek és Jacob van Valskapelle. Jan Davidsz de Heem műhelyéből érkezett Maria van Oosterwijk, a hiúságok hiúságának csendéletmestere, valamint a késői virágcsendélet két mestere: Jacob Rotius (1644-1681/1682) és Abraham Mignon [79] .
De Heem egyik kiemelkedő tanítványa Pieter de Ring volt . Művein az élénk, telített tónusok dominálnak; a fényjátékot a különféle tárgyakon gondosan közvetítik. Az aláírás helyett de Ring gyakran gyűrű képét használta (a gyűrű hollandul gyűrűt jelent) [80] .
François Reykhals de Heemmel egyidőben a fényűző csendélet műfaja felé fordult . Műveinek élénk színvilága annál is meglepőbb, mert a tonális festészet uralmának időszakában keletkeztek. Így munkájában előrevetítette a holland csendélet további fejlődését [81] .
A ragyogás utáni vágy Abraham van Beieren fényűző csendéleteire is jellemző . Festészete a meleg és hideg színek kontrasztjának, valamint az azonos szín különböző árnyalatainak ügyes felhasználásának köszönhetően különleges expresszivitásra tesz szert. A kompozíció általában egyetlen központ köré épül, amely egy edény borral vagy a legfényesebb tálalási elemmel - homárral. Gyakorlatilag minden csendéletben megtalálható egy zsebóra képe, amely a "hiúság hiúságának" műfajához hasonlóan az idő mulandóságára emlékeztet [82] .
Van Beieren néhány követőjének egyike, Abraham Susenir átvette tanárától a modorának alapvető vonásait. Sokáig Susenir néhány csendéletét van Beierennek tulajdonították.
A "luxus" csendélet műfajában nagyszámú művet készített Francois Reykhals tanítványa, a kiváló csendélet-mester Willem Kalf (1619-1693). A művész korai alkotásaiban gyakran alkalmaz a vanitas csendéletre jellemző aszimmetrikus kompozíciót és szimbolikát: gyertyatartót el nem égett gyertyával, zsebórát, felborított serleget. Miután egy amszterdami utazása során megtapasztalta Rembrandt hatását , Kalf színekkel és fénnyel telített vásznakat kezdett alkotni, a meleg színvilágot a chiaroscuro mesteri felhasználásával kombinálva [81] . A Kalf nevét leginkább dicsőítő „amszterdami” korszak alkotásait a vertikális formátum, a kínai porcelán edények jelenléte és az ábrázolt tárgyak korlátozott repertoárja, minden bizonnyal ezüsttálca is jellemzi. A csendéletek csoportjába gyakran tartoznak a kivételes hitelességgel ábrázolt römerek, akel-poharak, nautilus-serlegek, kínai vázák és kancsók [83] .
Kalf munkássága új lehetőségeket tárt fel az objektív világ megtestesülésében, és döntően befolyásolta a csendélet későbbi alakulását. Kalf követői Jurian van Streck, fia Hendrik van Streck (1659-?), Christian Jans Streep (1634-1673) és Barent van der Meer (1659-től 1702-ig).
Jurian van Streck sokat kísérletezett a fénnyel és a színekkel. Műveit gazdag színválaszték és sokféle tónusátmenet jellemzi [84] . Van Streck csendéleteinek másik jellegzetes vonása az ember jelenlétének érzése: úgy tűnik, mintha most emelkedett volna fel az asztaltól [85] .
Kalf másik követője, Peter Gerrits Rustraten (1627-1698) azt az utat járta be, hogy a "luxus" csendéleteket a "csalók" felé közelítse . Emellett műveiben a „hiúság hiúságának” a csendélet jegyei is megjelennek: műveiben az értékes dolgok minden földi hiúságának világosan olvasható szimbólumaivá válnak [86] .
A 17. század második felében elterjedtek a levágott vadakat tartalmazó csendéletek, ami a gazdag polgárok vadászat iránti hobbiját tükrözi. Amszterdamban, Haarlemben és Delftben különösen népszerűek voltak a kis formátumú, kidolgozott részletekkel díszített csendéletek, míg Utrechtben a művészek többnyire nagyméretű dekoratív vásznakat festettek, amelyeken nemcsak magukat a trófeákat, hanem a vadászfelszereléseket is ábrázolták, sőt néha egy töredéket is tartalmaztak. a táj [87] .
Úgy tűnik, az ilyen típusú csendéletek kezdetét Rembrandt rakta ki , aki megfestette a "Megütött keserű" (1639) és a "Két döglött páva és egy lány" (1639) [88] képeket . A "vadász" csendéleteket Rembrandt tanítványa , Ferdinand Bol is írta , aki mesterien rajzolta meg a madarak tollazatát.
A műfaj úttörői közé tartozott Elias Vonk (kb. 1605-1652) és fia, Jan Vonk (kb. 1631-1663), valamint Matthaus Bloom [89] .
Jan Vonk az elsők között fordult az apróvad motívumához. Fő technikája egy csendéletcsoport egyes elemeinek könnyed akcentussal történő kiválasztása [90] .
Ezzel szemben Matthaus Bloom a vadásztrófeákkal ellátott monumentális csendélet megalapítója [91] . A jövőben ezt a műfajt Jan Weniks fejlesztette ki.
A vadászcsendélet elismert mestere Willem van Aelst volt , akit a "virágos" és "luxus" csendéletek mestereként is ismertek. Megvert vadat ábrázolt márványasztalon heverve vagy kőfülkében felfüggesztve. A kompozíciót vadászati attribútumok egészítik ki: fegyver, vadászhám, vadtáska vagy kürt [89] .
A vadászcsendélet témakörét a híres tájmester, Jan Baptist Veniks (1621-1660) érintette, aki elhullott őzeket és hattyúkat ábrázolt. Fia, Jan Weniks (1640-1719) legalább száz olyan festményt készített, amelyek megvert mezei nyulakat ábrázoltak egy kőfülkében vagy egy parkos táj hátterében [92] . Emellett összetett, többfigurás kompozíciókat festett, amelyek nem a belső térben, hanem a természet hátterében ábrázolták az elhullott vadakat. Stílusára az állati szőrzet textúrájának és a madár tollazatának rendkívül naturalista megjelenítése jellemző [93] .
Jan Baptist Weenix tanítványai voltak még unokaöccse, Melchior de Hondekuter (1636-1695) és Willem Frederick van Rooyen (1645/1654-1742).
Melchior de Hondekuter főként az úgynevezett „madárudvarok” és „madárkoncertek” szerzőjeként ismert, amelyek nem elvert vadakat, hanem élő madarakat ábrázolnak. Ugyanakkor számos vadászcsendéletet is készített, kicsiket és monumentálisakat egyaránt. Megkülönböztető vonásuk az élő és élettelen természet szembeállítása: a vadásztrófeák mellett élő kutyákat és macskákat ábrázolnak [94] .
Dirk de Bry a szertartásos vadászcsendélet híve volt, mint Aalst és Royen . Ő képviselte a solymászat trófeáit, ami az arisztokraták és a gazdag polgárok kedvenc időtöltése volt [95] .
A „vadásztrófeák” nagyméretű dekoratív vásznak mellett a „kamra” vadászcsendéletet is széles körben használták. Cornelis Lelienberg (1626 - 1676 után), Aalst tanítványa, Willem Gau Ferguson (1633 körül - 1695 után), Hendrik de Fromenthue (1633/1634 - 1694 után) és Peter Harmens Verelst (1618-1678) ebben a stílusban alkották meg munkáikat és műveiket. fia, Simon Peters Verelst is (1644-1721). A „kamra” vadászcsendéleteket olyan festők is alkották, akik a csendélet más műfajában dolgoztak: Abraham Mignon, Abraham van Beyeren, Jacob Biltius. A híres tájfestő, Salomon van Ruisdael (1600/1603 - 1670), aki a "Csendélet ütőjátékkal" (1661) és a "Vadászattrófeák" (1662) írója, valamint a műfajfestő, Adrian van Ostade tanítványa, Cornelis Dusart (1660) -1704) tisztelegtek a vadászcsendélet [96] .
A csendélet sajátos változata a 17. század második felében keletkezett festmények, amelyek a föld állatvilágának különböző képviselőit - kígyókat, gyíkokat, pókokat, hernyókat, lepkéket - természetes környezetükben ábrázolják. A műfaj alapítói Otto Marseus van Skrik (1619/1620-1678) és Matthias Vythos (1627-1703) [97] voltak .
Ismeretes, hogy Screek a birtokán terráriumot tartott rovarokkal, pókokkal, kígyókkal és más állatokkal, amelyeket festményein ábrázolt. Szeretett bonyolult kompozíciókat alkotni egzotikus növényekkel és állatokkal, filozófiai felhangokat beillesztve beléjük. Például a Kígyó a madárfészek című drezdai képen a pillangók nektárt gyűjtenek a virágokból, a rigó elkapja a pillangókat és megeteti fiókájával, egy másik fiókát pedig egy hermelin által levadászott kígyó nyel el [98] .
Vythos előszeretettel ábrázolta a festmények előterében a vadon élő növényeket, amelyek között pezseg az élet. Munkái gondosan rögzítik a titokzatos, az emberi szem számára általában hozzáférhetetlen világot [97] .
Willem van Aelstnek több műve is foglalkozik növények és állatok ábrázolásával. Tanítványa, Rachel Reusch Skrik utánzásával kezdte alkotói pályafutását, de aztán kialakította saját stílusát, amelyet az aranyszínű táj hátterében kis élőlények képe jellemez [99] .
Melchior de Hondekuter (1636-1695) művészként vált híressé, aki sokféle állatot és madarat ábrázolt. „Madárudvarjai” és „menageriái” nem a szó szoros értelmében vett csendéletek, de a tizenhetedik századi hollandok számára a virágok vagy gyümölcsök képeivel azonos kategóriába tartoztak [100] .
Állati csendéleteket is készítettek olyan művészek, mint Willem Frederik van Rooyen, Christian Jans Streep, aki Screak módjára dolgozott, és Abraham de Hoes.
A 17. század második felében ismét divatba jöttek a virágos-gyümölcsös csendéletek. Pompa, dekorativitás és világos szín jellemezte őket. A késői csendéletre nagy hatással volt a "luxus" csendéletek mesterének, Jan Davidsz de Heemnek a festménye [101] .
A delfti művész, Willem van Aalst (1626/1627 - 1683 után), aki a csendéletfestészet legkülönfélébb típusait ölelte fel munkáiban, virág-gyümölcs csendéleteket készített Balthasar van der Ast és nagybátyja, a festő Evert van der Aalst [102] . Van Aalst finom színművész volt, és tökéletesen elsajátította a festés technikáját. Saját módszereit dolgozta ki több réteg festék egymásra felhordására, aminek köszönhetően kivételes színgazdagságot és árnyalatainak változatosságát érte el [103] . Egy másik újítás, amelyet van Aelst hozott a virágcsendéletbe, a csokor aszimmetrikus kompozíciója [104] .
Van Aalstnak számos követője volt, akik nagyrészt az "intim" csendélet híveivé váltak, követve a kompozíció egyszerűsítését és az ábrázolt tárgyak számának csökkentését. Ebben a stílusban dolgozott Abraham de Lust, Willem Frederick van Rooyen, Simon Peters Verelst, Hendrik de Fromenthue és Dirk de Bry .
Aalst megközelítéséhez hasonlóan az idős Justus van Huysum (1659-1716) munkáiban is láthatóak az új festői modorra való áttérés kísérletei . A portrétól a tájképig sokféle műfajban kipróbálta magát, de a legnagyobb sikert a virágok és gyümölcsök ábrázolásában érte el [106] .
Justus van Huysum fiát, Jan van Huysumot (1682-1749) vezette be a festészetbe, akinek munkásságában a késői csendélet érte el legmagasabb csúcsát. Műveinek népszerűsége olyan nagy volt, hogy költségük több százszor meghaladta Rembrandt, Steen, Aalst és Cuyp festményeinek költségeit [105] .
Jan van Huysum kétféle virágcsendéletet festett: sötét háttér előtt rendezett csokrokat és dekoratívabb "luxus" csokrokat, amelyek gazdag otthonok díszítésére szolgálnak. Ezekben Jan Davidsz de Heemhez hasonlóan világos hátteret használ, ami akkoriban a csendéletfestészet újítása volt.
Van Huysum csendéletei színességükkel, finom árnyalataikkal, nagy színvilágukkal és a részletek kidolgozásának legkiválóbb kidolgozásával tűnnek ki. A művész ügyesen tárja fel az egyes virágok és gyümölcsök jellegzetességeit, különféle aspektusokban mutatja meg azokat [107] .
De Heem és van Huysum mellett a "könnyű" virágcsendélet-mód képviselője a Hollandiában dolgozó német művész, Abraham Mignon volt . Virágokat is festett sötét alapra, inkább a rózsákat kedvelte. Csokrái elegánsak, színesek és olyanok, mintha kiállítottak volna. Mignon munkásságát a dekorativitás és a sima ecsetkezelés jellemzi [107] . Néha műfaji elemekkel is kiegészítette a csendéletet: vázái olykor billegtek, leestek. Szórakoztató részletként macskákat, mókusokat, madarakat, pillangókat, hangyákat és csigákat használtak [108] .
Nagyon eredeti művész volt Adrian Korte Middelburgból – „ a csendélet holland szimfóniája fináléjának tiszta szólista hangja” [109] . Nem követte az általános trendet, nem törekedett a látványosságra, dekorativitásra. Korte kis csendéleteket festett, elegánsan és tömören, a sötét háttér és a világos tárgy kontrasztjára épített [110] . A kompozíció központi témája lehetne egy csokor spárga, egy szelet citrom, egres - szerény, hétköznapi tárgyak. Ennek ellenére felülről hulló fénytől elárasztva örökkévalónak és időtlennek tűnnek [111] .
A 17. századi holland festészetben egy új műfaj, a csendélet alapjait fektették le, amelyek figuratív formában testesítették meg az ember világképét az objektív világhoz és a természethez való viszonyában. A holland művészek jelentősen bővítették a művészet által lefedett témák körét; a környező valósághoz való közvetlen vonzás lett a fő tényező, amely az új műfajt befolyásolta a nézőben [112] . A holland csendélet azonban nemcsak a valóságot ragadta meg: finoman érzékeltette az ember lelki életének dolgok és jelenségek összefüggéseit. A festmények párbeszédbe léptek a kortársakkal, fontos erkölcsi igazságokról tájékoztatták őket, emlékeztették őket minden dolog gyarlóságára, és arra kényszerítették őket, hogy gondolkodjanak el az emberi élet értelméről [75] .
A következő évtizedekben a holland festészet hanyatlott. A holland csendélet esztétikája azonban nagy hatással volt más európai országok, különösen Németország és Franciaország művészeire [7] . Az úgynevezett "aranykor" holland művészeiben megnyilvánuló technikai készség és különleges világlátás a festők sok generációja számára mintává vált.