| Agrippina | |
|---|---|
| Agrippina | |
| Maria Solovyova Minerva szerepében az Agrippina című operadrámában | |
| Műfaj | opera - dráma |
| Alapján | Agrippina (opera) |
| Szerző | Georg Händel |
| Librettó szerző | Vincenzo Grimani |
| Lírikus | Asya Voloshina |
| Zeneszerző | Georg Händel |
| Termelő | Sofia Sirakanyan |
| Koreográfus | Jelena Marinicsenko |
| Szcenográfia | Jurij Suchkov |
| Fénytervező | Alla Hallaeva |
| jelmeztervező | Olga Rostrosta |
| szereplők | |
| Vállalat | Észak-Oszét Opera és Balett Színház |
| Időtartam | 1 óra 50 perc |
| Ország | Oroszország |
| Nyelv | |
| Év | 2012 |
Az Agrippina George Frideric Händel névadó operasorozatának produkciója, amelyet 1709 - ben írt Vincenzo Grimani bíboros librettójára . Szofja Sirakanyan rendező és Jelena Marinicsenko koreográfus adták elő az Észak-Oszét Opera- és Balettszínház színpadán 2012-ben, kétfelvonásos opera-dráma formájában. A librettó és a költői szöveg drámai adaptációjának szerzője Asya Voloshina .
A produkció elválasztja egymástól a drámai cselekményt és az operaéneklést, ennek érdekében bemutatják az eredeti cselekményben hiányzó olimpikon istenségeket . Az istenek éneklik az eredeti áriákat olaszul. A drámai színészek költői szöveget mondanak el oroszul. Néhány jelenetet balett egészít ki. A karmester és a zenekar a színpadon. A "földi" Róma képének konvencionálisságát ellensúlyozza az istenek lakhelyét, jelmezeiket és a fényűzően festett kupola díszletei szépsége.
A produkció az i.sz. 1. századi Rómában történt eseményeket meséli el . A cselekmény fő gondolata, hogy a hatalomért folytatott küzdelemben mindig van csalás és ravasz, a szerelemért folytatott küzdelemben pedig - hűség és odaadás, az ősidőktől kezdve a jelenig releváns volt. A premier vetítésekre 2012 júniusában került sor Vlagyikavkazban. 2013 márciusában a moszkvai Golden Mask fesztiválon versenyen kívüli vetítésre került sor. Szocsiban és Krasznodarban voltak bemutatók.
George Frideric Händel első életrajzírója, John Manaring szerint az operát a zeneszerző 1709 novemberében kezdte el (közvetlenül Velencébe érkezése után ), és három héten belül elkészült [1] . Az "Agrippina" megalkotásakor Händel sokat kölcsönzött saját korai munkáiból, valamint kollégái, például Jean-Baptiste Lully , Arcangelo Corelli és Reinhard Kaiser munkáiból . Annak ellenére, hogy az ilyen kölcsönzések mind magára Händelre, mind a korszak többi zeneszerzőjére jellemzőek voltak, Agrippinát kivételes bőségük jellemzi [2] : az áriákban a szakértők az átdolgozott kölcsönzések 85%-át találják meg [3] . Úgy tartják, hogy a librettó szerzője Grimani bíborosé. Van azonban olyan vélemény, hogy ezt nem kifejezetten ehhez az operához írta a bíboros, hanem csak más művei alapján állította össze [4] .
1709. december 26-án az operát a velencei San Giovanni Crisostomo Színházban mutatták be, mint az 1709-1710 közötti karneváli szezont nyitó előadást, amelyre írták [5] . Az első évadban az operát lelkesen fogadta a közönség [4] , és akkoriban rendkívüli számú előadása volt - 27 [6] . Ma a zeneszerző egyik remekműveként tartják számon [4] .
1713 és 1724 között az Agrippinát Nápolyban , Hamburgban és Bécsben mutatták be [7] . Az 1754-től 1920-ig tartó időszakban Händel összes többi operájához hasonlóan ez is feledésbe merült [8] . A 20. század első produkciójára 1943-ban került sor Händel szülőföldjén, Halle városában [9] . 1953. október 25-én a Radiotelevisione italiana adott otthont az opera első rádióadásának [10] . 1958-ban Lipcsében állították színpadra , majd az opera további változatai következtek Németországban , 1963-ban pedig angolul , Abingdon [11] [12] . 1982-ben a Kenti Operában adták elő először teljesen profi szereplőgárdával. 1983-ban az opera visszatért Velencébe [12] . Az USA-ban az első koncertprodukcióra 1972. február 16-án került sor a Philadelphiai Zeneakadémián 13] , az első színpadi előadás 1985-ben volt a texasi Fort Worthben [14] . Szintén 1985-ben egy koncertelőadást mutattak be a New York-i Alice Tully Hallban [15] . Ezt követték az iowavárosi és bostoni produkciók [12] . Németországban két autentikus előadás stílusú produkcióra került sor : 1985-ben a Schwetzingeni Palotaszínházban és 1991-ben a göttingeni Händel Fesztiválon [16] .
2001-ben egy teljes értékű előadást hozott létre a New York -i Cooperstownban működő Glimmerglass Opera 17] . 2002-ben ez a produkció a New York-i Operába költözött , ahol szünet után 2007-ben folytatták [18] . 2007 februárjában angol nyelvű produkciót vittek színre az Angol Nemzeti Operában [19] . A londoni Royal Opera 2019-es és a New York-i Metropolitan Opera 2020-as produkcióiban Joyce DiDonato [20] [21] énekelte a címszerepet . A New York-i Agrippina 2020-at 2020 márciusa óta vetítik az orosz mozik HD formátumban [22] . 2021. május 28-án, a koronavírus-fertőzés okozta hosszú szünet után , Barry Koski Agrippina című előadásával nyílt meg a Hamburgi Opera . Közös produkció lévén ez a produkció a Bajor Opera , a Covent Garden és az Amszterdami Nemzeti Opera színpadain is szerepel [23] .
Az előadás a Kr.u. I. századi eseményekről mesél . e. Rómában [ 24] . A mitikus Olimposzon (T. Plakhotina szavaival élve a „mennyei világban”) találhatók az istenek és istennők (az Orosz Föderáció elnöke alatt álló észak-oszétiai állandó misszió sajtószolgálata szerint a sajátjuk számára szórakozás) figyelik az embereket, válasszák ki a védőnőiket és a „kedvenceiket”, és néha játszanak az érzéseikkel és ambícióikkal [25] [26] .
Agrippina üzenetet kap férje, Claudius római császár haláláról . Elfogja a vágy, hogy a megüresedett trónt az első házasságából származó fia, Nero foglalja el . Narcissus és Pallas szenátorok segítik őt célja elérésében . Számít Minerva , a bölcsesség istennője kegyeire is. Mercury jelentése szerint a császár nem fulladt meg, hanem életben maradt, mivel a bátor Ottó megmentette , és hálából azt tervezi, hogy a megváltót trónörökösnek nevezi ki [25] [24] .
Agrippina nem akarja feladni, amit eltervezett, és női bűbájokat, csalást és ravaszságot alkalmazva összekapcsolja az Ottóba kölcsönösen szerelmes Poppeiát a cselszövéssel, amelyre Claudius is vágyik. A császárnénak sikerül meggyőznie a vágyakozó Poppea-t, hogy a trónért cserébe Ottó beleegyezett, hogy Claudiusnak adja. Agrippina bosszútervet ajánl a lánynak, mely szerint Poppea elmondja a császárnak, hogy Otto megtiltotta, hogy találkozzon vele. A bosszú sikerül: a feldühödött Claudius megbünteti Ottót. Mostantól Vénusz helyett Poppeat Diana , a vadászat istennője pártfogolja [24] .
Ottót kétségbeesik Claudius kemény nyilvános vádjai. Otto azonban, miután Cupido (a szerelem istene) segítségével találkozott Poppea-val , felfedi Agrippina ravasz ötletét. Ennek ellenére a császárnénak sikerül ígéretet kapnia férjétől, hogy Nerót tegye trónörökössé. Poppea megtorló tervet dolgoz ki, hogy bosszút álljon Agrippinán. Beviszi Nerót a kamrájába, aki akarja őt. Elmondja Claudiusnak, aki utána jött, hogy a császár igazi riválisa a mostohafia, nem pedig Otto, és tettekkel erősíti meg a szavakat, felfedve a remegő Nérót. Agrippina és fia megtapasztalják Claudius indulatának dühös oldalát [24] .
A Capitoliumban általános összejövetel kezdődik, amelyen az Olümposzról származó összes isten részt vesz. Agrippina kifogást talál magának, mondván, állítólag csak a császár trónját akarta megőrizni a távolléte alatt. Megkapja férje bocsánatát, valamint azt a döntést, hogy Nérót trónörökösnek nyilvánítja. Claudius is bejelenti a döntést Otto Poppea házasságáról. Mindenki boldog [24] .
Larisa Gergieva , az Észak-Oszét Színház művészeti igazgatója szerint régóta táplálta azt az ötletet, hogy ezt az operát bemutassa az orosz közönségnek [27] . Véleménye szerint ugyanis a vlagyikavkazi produkció előtt ezt az operát soha nem állították színpadra Oroszországban [28] [25] . Tatyana Plakhotina azonban a Musical Life magazinban rámutatott, hogy az opera egyetlen (2012-ig) oroszországi előadását 1996-ban a Moszkvai Konzervatóriumban a Régizene Főiskola [26] végezte .
Asya Voloshina [29] [27] [26] a librettó drámai adaptációját és egy költői szöveget írt az Észak-Oszét Színház számára . A produkciót Sofya Sirakanyan [26] rendezte , aki elmondása szerint az új szereplők bemutatása, az eredeti forrástól távolodó szöveg és hangszerelés ellenére igyekezett megőrizni a barokk kor szellemét és esztétikáját , miközben megengedte magának. a hagyományos barokk technika: szabad értelmezés [27] . Jevgenyij Kirillov karmester elmondása szerint igyekezett a közönség elé tárni Händel zseniális zenéjét, előadásának modern példáira támaszkodva, gondosan hivatkozva az eredeti forrásra, miközben figyelembe vette a színház viszonyait, amelyek megakadályozták az autentikus előadást [27] ] .
Az opera-dráma premier előadásaira 2012. június 3-án és 4-én került sor Vlagyikavkazban , az Észak-Oszétiai Állami Opera- és Balettszínház színpadán, a „Larisa Gergieva látogatása” nemzetközi művészeti fesztivál keretében. A produkció közönségsikert aratott [25] [30] . Ezen a két vetítésen két előadói felállás vett részt [26] . Két felvonásból áll; Az előadás időtartama 1 óra 50 perc [27] . Az Észak-Oszét Opera- és Balettszínház és az E. Vakhtangovról elnevezett Akadémiai Orosz Színház társulatai , valamint a Szentpétervári Mariinszkij Színház Fiatal Énekesek Akadémiájának képviselői [27] [25] [30] [26] részt vett a gyártásban .
2013. március 11-én a produkciót az Orosz Ifjúsági Színház színpadán mutatták be az Arany Maszk fesztivál Mask Plus programja keretében [29] [27] [25] . Az előadás végén a közönség virágaiknak és tapsuknak köszönhetően sokáig nem engedte el a színészeket a színpadról [25] . Ahogy az Orosz Föderáció elnökének alárendelt észak-oszétiai állandó képviselet sajtószolgálata beszámolt erről a produkcióról, komikus és tragikus, titkok és intrikák, hatalom és szerelem, hízelgés és őszinteség fonódott össze ebben a drámában [25] . Maria Kosheleva disszertációjában ez a produkció paródiaelőadásnak minősül [31] .
A produkciót 2013. október 5-én mutatták be a szocsi Winter Theatre színpadán [32] . 2015 februárjában a produkciót Krasznodarban mutatták be a II. Operaművészeti Fesztivál keretében [33] . 2018 februárjában, csaknem hat év szünet után, újraindult a produkció vetítése az Észak-Oszét Opera és Balett Színház színpadán. A közönség ismét virággal és tapssal köszönte meg a művészeket [34] . 2022. augusztus 11-én nem volt produkció a színház repertoárján [35] .
|
|
Az ókori Róma földi világát nagyon feltételesen ábrázolják: a római fórum kőlépcsőit széles fehér lépcső utánozza, a kanapét bársonytakaró borítja, a paravánon terrakotta fal, a szereplők hús-bézs ruházata látható. római tunikák stílusában vannak varrva . A zenekart a karmesterrel a szerzők elképzelése szerint szándékosan közvetlenül a színpadra helyezték. A színpadon egy kavargó felhőkből szőtt barlang található, amely éppen az orsók alatt megy keresztül, és a mitikus Olimposz mennyei világát ábrázolja, ahol az ókori istenek az újjászülető katedrális fényűzően festett kupolája alatt [26] voltak .
Az istenek fényesen sminkeltek, szokatlan fejdíszekbe és groteszk, bravúros-komédiás karneváli jelmezekbe vannak öltözve [26] . Az istenek ruháinak részletei megkönnyítik a rendeltetés meghatározását, a szabás bizarr, a színvilág jó [36] . A Vénusz képét, amely Botticelli híres " Vénusz születése " című festményére utal, és a megfelelő mítosz teljes újragondolását jelzi, hófehér (tengerhab színű) paróka, egy földig érő keskeny, átlátszó smaragd alkotta. -színes ruha hullámos vonattal és óriási gyöngyházzal a művész hátára rögzítve [26] . Úgy tűnik, hogy Vénusz minden vulgaritás és durvaság nélkül levetkőzik a vágásoknak és a fehér ruhával való erotikus játéknak köszönhetően [36] . Diana képét óriási agancsok a színésznő fején, egy élénkpiros nadrágkosztüm és a színpadi akciók jelentették [26] [36] . Merkúrt a Farinelli castrato-hoz hasonlították, amiben segített a jellegzetes légy az arcán, valamint a szándékosan teátrális büfé és kakas kalap [26] . Ámor plasztikusan repült a színpadon angyalszárnyú fehér öltönyben [36] .
Tatyana Platokhina operakritikus és színházi szakértő szerint a projekt már a koncepció szakaszában egyedi volt, és a premieren látott produkció csodálatosnak tűnt számára. Az oszét művészek teljesítményét nem lehetett megkülönböztetni a fővárosi művészek teljesítményétől, ami az oszét opera színvonalának emelkedését jelezte [30] . A zenés színházakban egykor népszerű barokk recitativók megállításának technikáját azzal a céllal hozták el, hogy a néző elmagyarázza az ősi cselekmény finomságait és árnyalatait, hogy teljesen új drámai alapokat írjanak az előadáshoz. Ugyanakkor a mennyei világban isteneket ábrázoló operaénekesek eredeti áriákat énekeltek olaszul, a hétköznapi világban emberi karaktereket alakító drámai színészek pedig költői stilizált szöveget adtak elő oroszul. A „két világ” szemantikai fogalmát a jelenet és az istenek világára és az emberek világára vonatkozó cselekvés felosztása testesítette meg. Plakhotina felhívta a figyelmet Minerva két inkarnációja (Fariza Katsoyeva és Maria Solovyova) közötti különbségre, a Veronika Sergienya által megtestesített Diana képének vonzerejére, az Elena Skaldina és Elizaveta Zakharova által megtestesített Ámor angyal képének megható voltára, a lenyűgöző arcra. Mercury kifejezései és énekszíneinek változatossága (Dmitrij Fedorov és Alekszej Shapovalov). Plakhotina a Vénusz szerepében Maria Bayankinát tartotta az előadás fő díszének. Különös figyelmet kapott a karmesteri munka és a zenekar játéka [26] .
Marina Nestyeva színházi kritikus a Musical Academy magazinban felhívta a figyelmet az istenek és az emberek közötti kapcsolat szélsőséges konvencionális voltára, akiknek viselkedése a lehető legszorosabbnak bizonyult [24] . A barokk zenében rejlő hangképzés mérsékelt dinamikáját a zenekar színpadi jelenléte érte el, de ugyanígy az emberek és istenek világát elválasztó függöny hozta némi hangtompításra [36] . A hangszerek gyenge minősége és a zenészek barokk stílusú előadásában tapasztalt hiánya ellenére a karmester, Kirillov két szentpétervári zeneszerző segítségével megbirkózott a rábízott nehéz feladattal, és bebizonyította mesteri képességét. a barokk opera művészete [37] . A jelenet logikai és szellemes térbeli megoldása, amelyet a rendező Sirakanyan határozott meg, lehetővé tette az énekesek és a drámai színészek interakciójának hihetetlenül nehéz problémájának megoldását. A színpadon megtestesülő képek megoldásai egyénileg átgondoltak, amit a művészek munkája is elősegített. Lenyűgözőek az istenek világának díszletei, jelmezeik és kothurnáik , kapcsolatuk a mozdulatok plaszticitásával. Tapasztalt drámaművészekkel és fiatal énekesekkel egyaránt tapasztalható a rendezői munka alapossága [36] . Az előadás sikere az egyik fő összetevője - a fiatal operaénekesek magabiztos és szabad éneklése Händel jubileumi technikájának nehéz stílusában, amely a Larisa Gergieva által feltételezett kötelező régizene-tanulmány gyümölcsöző eredménye. A balett nem mindig sikeresen kapcsolódik a történésekhez, de az ősi freskók gesztusait és pózait ismétlő jelenetekben gazdagítja a vizuális tartományt . A megtévesztés és a ravaszság örökkévalóságának gondolata a hatalomért folytatott harcban, a hűség és odaadás a szerelemért folytatott harcban pedig relevánssá teszi az előadást. Összességében az előadás a kritikus szerint sikeres volt és méltó a fővárosi színpadokra [38] .
Alekszandr Matusevics színházi kritikus szerint az észak-oszét opera első, negyven év kihagyás utáni bemutatására választott előadás a moszkvai színpadon furcsa formátumú volt. A bemutatott „opera-drámának” nem sok köze volt Händel ritka, fokozott érdeklődést felkeltő művéhez. Extrém esetben "motívumokra épülő zenei-drámai kompozíciónak" lehetne tekinteni. A zenés komédia legjobb hagyományai szerint Voloshina Grimani bíboros librettóját írta át egy teljesen más darabba, ahol egyáltalán nem az ének és a zene kapja a főszerepet. A rövidített kamarazenekar nem szólaltatta meg túl simán az eredeti opera partitúrájának töredékeit. Hat hivatásos énekes énekelt áriát fordítás nélkül, olasz nyelven, amelyek az eredetiben nem szereplő római isteneket ábrázolták. Ugyanakkor a Szentpétervári Mariinszkij Színház Fiatal Énekesek Akadémiájának mindössze két képviselője volt a legjobb vokális teljesítménye. Általában Handel ének- és hangszeres zenéje olyan benyomást keltett, mint egy választható kíséret a fő akció körül. A Volosina által írt karakterek (mint ahogyan Grimani is) nem történelmi prototípusoknak tűnnek, és komolytalan, ártalmatlan intrikusok képviselik őket. A színészi játék azonban kiváló. Jurij Suchkov művész a barokk színházra való utalás formájában tervezte a jelenetet, amihez hozzájárult a rengeteg kartonfelhő. A jelmeztervező Olga Rostrosta antik és barokk korok jelmezeit keverte. Néhány szereplő (elsősorban az istenek) koturnát visel. A „Handel veszteségei” című drámai jelenetek közötti szünetek célja a fehér trikós és tunikás balettpárok élénkítése [29] .
Larisa Barykina színházi kritikus szerint Händel „Agrippinája” című darabja a Vlagyikavkazi Opera- és Balettszínház azon vágyáról tanúskodott, hogy kilépjen a tartományi keretekből és betörjön az össz-orosz tartalomba. A barokk kor ilyen összetett produkciójának megvalósítása érdekében két helyi társulatot egyesítettek a Mariinsky Színház fiataljaival. Új, vegyes műfajú darab készült, ahol a drámai színészek által eljátszott eredeti cselekményhez az ősi istenek operaénekesek előadásában kerültek, akik a cselekmény alakulását figyelve gyönyörű olasz nyelvű áriákat énekelnek. A produkció kettős szerkezetét két rúd tartotta össze: Natalia Seryogina mint Agrippina és Maria Bayankina mint Vénusz [27] .