A "Pattern and Decoration" ( eng. Pattern and Decoration ; P&D [1] [2] vagy új dekorativitás [3] ) egy amerikai kortárs művészeti mozgalom az 1970-es évek közepén és az 1980-as évek elején. A Holly Solomon Gallery [4] kulcsszerepet játszott a mozgalom támogatásában . A Hudson River Múzeumban 2008-ban retrospektív kiállítást rendeztek a munkákból [1] [5] .
A "Minta és dekoráció" irányzatában dolgozó szerzők közül sokan az 1960-as évek absztrakt művészetének művészeti képzettségével rendelkeztek. A nyugatias, maszkulin szellem dominanciája a modernista művészeti gondolkodásban a nem nyugati és női eszmék marginalizálódásához vezetett [6] . Az új irány a másodlagos formák, például a minta iránti érdeklődés felélesztésére törekedett, amelyeket akkoriban a trivialitásnak tekintettek. A díszítéssel kapcsolatos negatív attitűdöt általában nem osztották a nem nyugati kultúrák [7] .
Az irány eredete kívül esik a magas művészet határain. Sok mű olyan mintákat utánoz, mint a tapétákon , nyomott anyagokon és paplanokon , elmosva a határvonalat a művészet és a design között [1] .
Az irány művészei az Egyesült Államokon kívül is kerestek ihletet. A geometrikus és virágos minták hasonlóságot mutatnak a spanyolországi és észak-afrikai iszlám csempével . A mexikói, római és bizánci mozaikokon , török hímzéseken, japán fametszeteken , perzsa és indiai szőnyegeken és miniatúrákon is találunk hatást [1] .
A hagyományos anyagokra épülő "Minta és díszítés" irányzat modernista értelmezést ad nekik. A jacksonville-i Modern Művészetek Múzeumának kurátora , Ben Johnson a festményeket absztrakt festményekként jellemezte, amelyek mentesek a konkrét kompozíciótól, a teljes vászonra kiterjednek, és nem tesznek különbséget előtér és háttér között. Elmondása szerint a mozgalom művészei a kezdeti években szigorú vonalaival, visszafogott kompozíciójával igyekeztek elhatárolódni a minimalizmus elveitől , a valóságban azonban gyakran a saját technikáit alkalmazták [8] .
Egyes, az irány elveibe illeszkedő alkotások iparművészetnek tekinthetők [9] . A művészek a festészet mellett más művészeti formákat is alkalmaztak. Joyce Kozloff egyik legfontosabb korai munkája az An Interior Decorated (1978) című installáció volt. Kerámia, kézzel festett csempézett padló, szitanyomásos falvédők és litográfiák voltak benne . Az alkotás a New York-i Tibor de Neigy Galériában kapott helyet [10] [11] .
A színes festményeken és virágkollázsokon kívül Robert Kushner mintás jelmezeket készített, amelyeket előadásokon használtak [12] .
Számos kollázs jött létre az eltérő elemek kontextualizálásával és kombinálásával, aminek köszönhetően új jelentés alakult ki. Miriam Shapiro alkotta meg a "femmage" kifejezést a festés és a varrás kombinációjának leírására . A festett vásznat hagyományos női kézimunkákkal, például szaténöltéssel , keresztszemes varrással és foltvarrással díszítette [13] .
Az anyagi összeállítások mellett a művészek különböző kultúrák töredékeinek szellemi egyesítésével foglalkoztak. A kollázs formája kulcsfontosságú volt a rendezés szempontjából. Az olyan kritikusok, mint Anna Schwartz, a forrásanyagok eme rekombinációját idézik annak bizonyítékaként, hogy a Minta és díszítés mozgalom a posztmodern korai példája [5] .
A rendezés több éven át kritikai sikert aratott, a művészek jó bevételhez jutottak munkáik eladásából. A művekre Amerikában és Európában is volt kereslet. Az 1980-as évek óta azonban a kritikusok hozzáállása megváltozott [1] . A visszahatás okai változatosak, és vita tárgyát képezik. A New York Times kritikusa, Holland Kotter ezt azzal magyarázta, hogy a művészet a feminizmussal , valamint a művészet eredetével társult, mivel a szívek, a török virágok, a tapéták és az arabeszkek nem illeszkedtek a neo-expresszionista és neokonceptualista felfogásba. 1980-as évek vége. A multikulturalizmus és a saját identitáshoz való jog megteremtésével, amint azt Kotter is megjegyezte, a művészi légkör barátságosabbá vált e tárgyak és a mozgalom egésze számára [1] .
2008-ban a New York állambeli Yonkersben található Hudson River Művészeti Múzeum adott otthont a Pattern and Decoration: An Ideal Vision in American Art, 1975-1985 című kiállításnak , amely megpróbálta visszaállítani az irányzat hírnevét. Anne Schwartz, a kiállítás kurátora azzal érvelt, hogy a feminista művészet érzékisége akkoriban nem tűnt helyénvalónak a közönség számára, és amikor a Pattern and Decoration mozgalom hasonló módszereket alkalmazott: provokációt, élvezetet, gyengédséget, kihívást jelentett az értelmiség számára, amely állítólag uralni kívánta az elméket. a közönségé [5 ] .
Szoros kapcsolat van a Pattern and Decoration mozgalom és a feminista művészet között [5] . Az irányzat alapjaiból fakad, szemben a minimalizmussal és a konceptualizmussal, amelyek számára az aszkézis volt a legmagasabb érték, a dekoráció és a kézművesség pedig leértékelődött.
Joyce Kozloff és Valerie Jodon az Art Hysterical Notions of Progress and Culture 1978-as esszéjében Joyce Kozloff és Valerie Jodon művészek azt a felvetést fogalmazták meg, hogy a szexizmus és a rasszizmus a nyugati művészettörténeti diskurzus középpontjában áll . Ugyanakkor beigazolódott a díszítés értéke és a szépség esztétikája, amelyet a nőinek tulajdonítottak [6] .
A virágos témák, minták és dekorációk a nőieshez kapcsolódnak. A „Minta és dekoráció” művészek olyan kézműves mesterségeket használtak, mint a hímzés és a gyöngyfűzés , amelyeket hagyományosan a nők otthoni elfoglaltságának tartottak. Ezeknek az elemeknek a festményekbe való beépítése aláásta a képzőművészet felsőbbrendűségét a mesterséggel szemben, és így felvetette a nyilvános (férfi) tér és a hazai (női) tér kérdését, és szembeállította a képzőművészetet a haszonelvűvel [14] .
A kritikusok között azonban nincs egyetértés abban, hogy az irányzat mennyiben tekinthető feministának. Bár Kozloff és Jodon nyíltan beszélt feminista programjukkal kapcsolatban, Robert Kushner és Kim McConnell férfi művészek néha kerülték a témát [15] . Gyakrabban beszéltek a dekoráció kiválasztásának esztétikai motivációjáról. Kushner úgy érvelt, hogy a galériák és múzeumok elfogadnák a munkát, ha az ipari, téglalap alakú, szürkének tűnik, de ez unalmas volt számára, ezért inkább olyan festményeket készített, amelyeket hosszú ideig tart, amíg teljesen megértik [16] .
Mivel ezek a férfi művészek kulcsfontosságúak voltak a mozgalomban, és munkájuk kereskedelmi sikert aratott [17] , a női művészetként való általános jellemzést nem minden kritikus fogadja el. Másrészt Carissa DiGiovanni azt állítja, hogy a férfi művészek feminista gondolattól való eltávolodása összességében segítette őt, mivel az általuk elfogadott női esztétika elfogadhatóvá vált a művészeti intézmény számára [18] .