A Katsi a Godfrey Reggio által rendezett filmtrilógia informális címe . A triptichon a kísérleti dokumentumfilm műfajához köthető, amelyben a cselekmény a gondolatok verbális kifejezésének igénybevétele nélkül fejlődik. Mindhárom filmet külön Philip Glass zeneszerző által írt zene kíséri .
A következő filmeket tartalmazza:
Minden film címében szerepel a "katsi" szó, ami hopi nyelven "életet" jelent.
„Minden őslakos úgy érzi, hogy az univerzum közepén él. Ott, ahol éltem, a hopik csak őslakosok voltak. Kultúrájuk elérhető volt számomra, és nagyon csodáltam őket... Az én esetemben a hopikra jellemző kategóriákat szerettem volna átvenni és ránk alkalmazni. Olyan szóra volt szükségem, aminek nem lenne kulturális poggyásza, amit senki sem ismerne, egy új szót akartam bevezetni. Egy szó, amely mélyebben tükrözi világunkat, mélyebben, mint az anyanyelvem... Hajlamos vagyok azt gondolni, hogy a modern nyelvek elvesztették azt a képességet, hogy leírják azt a világot, amelyben élünk. A nyelv ősi lett. A hopi nyelv pedig nagyon tiszta és erős, teljesen máshogy írja le a világot, minden szó nagyon erős és mély” [1] .
Bizonyos jelentések, asszociációk hiánya a nézőben annak a következménye, hogy Reggio filmjeit nem a logikára, az értelemre tervezték, hanem az érzéki kép létrehozását célozzák. Ezt nevezi „artopsziának” (artopsy – a művészet és a boncolás, boncolás szavakból), melynek feladata, hogy lerombolja azt a kényelmes voyeurisztikus atmoszférát, amikor a néző mintha kulcslyukon keresztül figyeli a történéseket, és helyet adjon a spirituális élménynek [ 2] . A művészet és a kreativitás elvileg a rendező számára nem tartalmaz kardinális ellentmondásokat a vallásos gondolkodással. Ezek az ellentmondások a vallási és alkotói előírások, az olyan berendezkedések között keletkeznek, amelyek elmosódnak, ha a tudatról, mint olyanról van szó, az emberi világmegismerésről.
„A teremtés azt jelenti, hogy feltárjuk mindannyiunkban az igazságot… Az igazi kreativitás minden bizonnyal a saját hit, a minden emberben rejlő belső vallásosság megvalósítása. Ezért az igazi kreativitásban nincs bűn” [3] .
A trilógia filmjei provokatív filmek a néző számára, céljuk nem ennek vagy annak a gondolatnak a közvetítése, hanem az, hogy a néző személyes egyedi élménye alapján reakciót váltsanak ki saját véleményének érvényesítésére [4] . Reggio „autodidaktikusnak” nevezi az ilyen filmeket, vagyis azokat, amelyekben a néző lesz a film hőse, története és tartalma. A művész benyomást gyakorol a nézőre, de "vízjel" marad [1] .
„Nem hiszek a mozi objektivitásában, még akkor sem, ha dokumentumfilmekről van szó. Csak a szubjektivitás teremthet... A dokumentumfilm pedig egyáltalán nem az igazság, hanem az igazság, az igazság megértése. Ez is szubjektivitás” [3] .
A szerkesztés, amellyel Reggio eléri a "vízjel" hatást, hasonló a távoli szerkesztés módszeréhez . A rendező mindazonáltal abból a meggyőződésből indul ki, hogy a vágási folyamat abszolút irracionális, intuitív, hiszen a vizuális képeknek önmagukért kell beszélniük, vagyis egy bizonyos módszer nem létezhet, hiszen ez a filmnyelv racionalitását, letisztultságát feltételezné. A Reggio célja a saját homályos érzés, érzés közvetítése, nem pedig egy tiszta gondolat.
A Koyaanisqatsi Reggio debütált rendezőként és producerként, amely később a Katsi-trilógia első része lett, és 1975 és 1982 között készült, a felvételek nagy részét Ron Fricke operatőr készítette, néhány egyedi felvételt az archívumból vettek át. A "Koyaniskatsi" nevet "egyensúlyát vesztett életnek" fordítják, amely változtatásokat igényel a folytatása érdekében. A film egy urbanizált, high-tech társadalom és a környezet kapcsolatának apokaliptikus víziója [5] . A "Koyaniskatsi" a rendező elképzelése szerint kísérlet a világ szörnyű szépségének feltárására, amelyet csak azért érzékelnek, mert ez az egyetlen életforma, amelyet a modern ember ismer.
A Koyaaniskatsi cselekménykompozíciójában a kulcsepizódok az általános tervek és a város panorámái, amelyek zenei kíséret nélkül jelennek meg a néző előtt. Ellentétezik az archaikus és nagyméretű természetfotó nyomaival. Reggio az ember-város-világ egységében keresi az embert, mint személyt, ahonnan statikus portrék jelennek meg, elszigetelten a tömegtől. Maga a tömeg őrült, változatos, de ugyanazt a monoton gépies munkát végző emberek végtelen asszociatív sorozataként jelenik meg.
Különösen fejlett az árufetisizmus fogalma , amelyben az eredetiséget felváltják a szabványos termékek, a másolatok másolatai, a reprodukciók reprodukciói, amelyek a természetet helyettesítő mesterséges környezetet hoznak létre, amely erőforrássá redukálódik. Ez a természet feletti hatalom egy utópia, amely a való világtól elkülönülten próbál létezni, és lerombolja saját határának érzetét. A technológiai haladás a modern társadalom utópiájaként csak a tudatban létezik, ez egy illúzió, amely megakadályozza, hogy az ember szabad legyen.
"Ma a szabadság és a szubjektivitás legfőbb veszélye nem a társadalmi, hanem a technogén diktatúra. Már így is túl kevés a szabadságunk. Sokféle szükségletnek vagyunk kitéve. Megjósolom a jövőt, de kijelenthetem: ahogy a drogfüggők is a heroin rabszolgáinak lenni, így az emberiség a technológiák rabszolgájának bizonyult, amelyek mára életmóddá váltak. Ráadásul az emberek új vallásává váltak... Véleményem szerint a modern fasizmus nem Hitler, nem totalitárius A fasizmus ma egy technológiai agresszió, ami felemészti és lerombolja a világot, és most számomra ez a legfontosabb, a legfájdalmasabb kérdés, amiért érdemes filmet csinálni [6]
A "Koyaaniskatsi" utolsó jelenete az űrhajó híres kilövése és felrobbanása (bár a rakéták különböznek egymástól - "Saturn-5" és "Atlas"), majd sziklafestmények következnek, amelyek kulcsfontosságúak és alternatívaként szerepelnek. A látványos felemelkedés és bukás szimbolizálja az emberi kultúra siralmas pályáját [7] .
A film a 80-as években szerzett némi népszerűséget, és Stanley Kubrick A Clockwork Orange és David Lynch Eraserhead című filmjével együtt az amerikai videóforgalmazás egyik vezetőjévé vált . A film hét nemzetközi művészeti intézmény állandó gyűjteményében található, köztük a Kongresszusi Könyvtár Nemzeti Filmnyilvántartásában, a Modern Művészeti Múzeumban és a British Film Institute-ban.
A Povaccazi (1988) a humanista gondolatokra épülő trilógia második filmje, ami természetes a hosszú távú jótékonysági tevékenységéről ismert Reggio számára, akinek érdeklődése nem korlátozódott a modern társadalom természetre gyakorolt pusztító hatására. , hanem magára az emberre is, és különösen a lakosság szegényebb rétegeiből származik. [nyolc]
A "Povakkatsi" jelentése "élet az átalakulásban". A rendező kísérletet tesz arra, hogy megragadja azt a nyomot, amelyet a technológiai fejlődés hagyott az ősi kultúrákban, azok eltűnő pompájában. Az 1985 és 1987 között forgatott film középpontjában a globalizáció folyamatai és az úgynevezett harmadik világ ősi kultúráinak eltűnő sajátosságai állnak : Ázsia, India, Afrika, a Közel-Kelet és Dél-Amerika kultúrája. Hat hónapon belül a rendező és forgatócsoportja 12 országba utazott, köztük Indiába, Egyiptomba, Brazíliába, Peruba, Kenyába, Nepálba és Nigériába, ahol hétköznapi embereket filmezett munkahelyükön és szabadidőben, megpróbálta nyomon követni kapcsolatukat azokkal, akik gyökeret ver a hagyományos technológiai életben.
Míg a Koyaaniskatsi fő témája a természet és a modern társadalom kiegyensúlyozatlansága, a Povakkatsi az emberi teremtés, a spirituális tökéletesség, a kreativitás és az egyedi szépségének ünnepe – egy indiai gyermek szeme vagy egy kathmandui nő által szőtt kárpit. Különösen jól látszik a meglévő életformák kontrasztja, és ezek változása, majd a gépesítés és a technológiák bevezetése - a helyi települések megavárosokká nőnek, ami Reggio szerint negatív hatással van. [9] A felvételek egy része kis falvak bennszülött lakosságát mutatja, amelyek lakossága a kihalás szélén áll, valamint azt a hatalmas kulturális réteget, amelynek hordozói – szemük aggodalmát fejezi ki.
A Povaccazi azonban Reggio szerint nem egy film arról, hogy minek léteznie kell és minek nem, célja, hogy magyarázat nélkül megragadja a sokszínűség változásait. A haldokló és virágzó kultúrák az iparnak köszönhetően vagy nevében szimfóniává olvadnak össze. Glass kifejezetten a filmhez írt zenéje ezt az elképzelést követve ötvözi a nemzeti, klasszikus és elektronikus hangszerek használatát, különös tekintettel a törzsi ritmusra, amely a film teljes zenei kíséretét áthatja.
A "Nakoykatsi" a trilógia utolsó része, amelyet 2002-ben adtak ki. A film a legjelentősebb események krónikájaként készült, amelyek 50 évig tartanak, és a természetből a technológiai megfelelőjébe való átmenetet jelzik. A természet a rendező szerint az egységet képviselte, az élet sokszínűségének csodáján keresztül érthető meg. Az új természet egy homogén technológiai környezet megteremtésével éri el az egységet, amelyben az ember a csodák megörökítőjévé válik egy mindent behálózó információs vidámparkban. A technológia minden egyes ember életstílusává válik, amely ugyanolyan szükségessé válik, mint a levegő. A technológia végtelen világa felemészti a véges természetet, új formákká dolgozza fel.
A "Nakoykatsi" azt jelenti, hogy "az élet mint háború", az életerő elleni agresszió kifejezése, kísérlet arra, hogy az ember végre rabszolgává tegye, mint a csatatéren kívül zajló legteljesebb csata. Ez egy „utazás a semmibe”, amely mégis bárhová visz. A csata helyszíne a virtuális képek, amelyek elpusztítják az összes régi istent, és új panteont hoznak létre, amely egy számítógépes hálózat ördögi körét alkotja. [10] A kép a cselekvés színterévé válik.
"A Povakkatsi és a Nakoykatsi filmeket tizenöt év választja el egymástól, ami látszólag rövid időszak. A 80-as évek és a nulla évek képkockáinak esztétikája között azonban a digitális technológiák szakadéka húzódott. A digitális kép és a hozzá kapcsolódó innovatív technológiák kényszerítették Reggiót hogy felfrissítse saját stílusát. A mester azonban egyre több erőfeszítést ér. A 24_DOC-nak adott interjújában a rendező nehezményezte, hogy filmjeinek vizuális nyelvezetét, amely a populáris kultúra jeleinek kiaknázásán alapul, végül „felfalta ez a hatalmas fenevad, amely elpusztít mindent, ami méltó a világon." - írja M. F. Kazyuchits "Az ember nyitott projekt" [7] című cikkében.
A film jellegzetessége a vizuális tartomány teljes virtualizációja. A film üres épületek megfilmesítésével kezdődik, amelyek romjain egy új világ – egy virtuális – épül. Az egész film hangulatát meghatározó fontos szimbólum a Bábel tornya képe , amely összeköti az eget és a földet. A Reggio egy virtuális alkotást hajt végre, amelynek már nincsenek határai – a kamerafelvétel az űrbe kerül, és archív anyagok, sajtóközlemények, sportközvetítések, reklámok, krónikák végtelen asszociatív sorozatához érkezik.
A Nakoykatsiban létrehozott térben elképzelhetetlennek tűnik a történelem, hiszen ma minden együtt létezik, és a földgömb egy kis ikon lett a számítógép képernyőjén, vagyis az Internet. Reggio szerint az emberek kiborgokká, idegenekké válnak saját bolygójukon, az élet pedig ipari szállítószalaggá, így Nakoikatsi a végletekig viszi az egész trilógia apokaliptikus motívumát.