A viselhető művészet vagy az art-a-porter (eng. Wearable art , fr. Art-a-porter) a művészetek és a kézművesség egyik fajtája, amelynek célja egy művészi jelentőségű ruhadarab vagy kiegészítő létrehozása. A hordható művészetet nagyon nehéz ruhának nevezni, még akkor is, ha a tárgyai ismerős dolgoknak tűnnek. Más szóval, az esztétikai összetevőtől eltekintve a „viselhető művészet” alkotást komoly és egyedi műalkotásnak kell tekinteni.
Az art-a-porter megalkotása során a művész sokféle anyagot ( bőr , műanyag , fém , szövet , papír , élő növények stb.) használ, így adva a kívánt formát és színt.
A 19. század végétől napjainkig az emberek gyakran választottak olyan ruhadarabokat, amelyek szándékosan különböznek az haute couture konvencióktól, vagy megkérdőjelezik azokat . A 19. század végén, a modernizmus küszöbén az úgynevezett művészi vagy esztétikai viselet (nem a művészek viselete) a divat reformmozgalmának, lényegében divatellenes mozgalomnak az eredménye. A kezdetben a feminizmushoz kötődő irányzat később az általános ízlés sajátja lett, az említett ruhákat főként a polgári értelmiség képviselői viselték művészi és irodalmi körökben (valamint maguk a művészek és írók is). Ez a divat nemcsak Nagy-Britanniában , hanem az Egyesült Államokban , Európában és kisebb mértékben a brit gyarmatokon, például Ausztráliában is széles körben támogatott . A kézi gyártás és a tömeggyártás közötti különbség gondolatán alapult, és inkább egy idealisták ruhája volt, nem pedig egy divatosé.
Az 1920-1930-as években. a divatot az ellenkultúra részének tekintették. Az ilyen ruhák és ékszerek (gyakran kézzel készített) a tömeggyártás alternatívájaként szolgáltak. Általában népszerűek voltak a szokatlan halvány színek, amelyek a múlt század női ruháira jellemzőek. Ausztráliában ugyanezekben az évtizedekben a tervezők modernista mintákkal kísérleteztek sálakon és textíliákon, ausztrál motívumokat (gyakran botanikai) használva. Nyilvánvaló, hogy ebben az esetben a kézzel készített ruhákat állították szembe a tömegtermékekkel. Lucy Dalgarno (1874–1945), sydneyi tervező, az 1920-as években szöveteket és brossokat festett helyi motívumok felhasználásával. Ironikus módon batikolt ruhákat is festett David Jones felsőkategóriás tömegdivat üzletébe .
Azonban csak az 1960-as évek nonkonformista , tömegellenes ellenkultúra-esztétikája hívta életre a viselhető művészet fogalmát. Nemcsak művészek, dizájnerek vagy értelmiségiek, hanem alternatív életmódot folytató férfiak és nők is újragondolták a textil, a női munka és a kézművesség közti ismerős kapcsolatokat. Ezt az erősen ellentétes, álmodozó öltözködési stílust, túlnyomórészt virágmintákkal, „ hippinek ” nevezik . A fogyasztói egységes öltözködés, valamint a populista politika elutasításáról vallott. A kézzel készített részletekkel és jelekkel díszített díszítés, amely eredetileg egyéni foglalkozás volt, népszerűvé vált, és a szokásos ruházatban kezdték használni. Ezek a hitehagyott tervezők használt és kézzel készített szövetekből és ruhákból készítettek brikolázsokat eredeti színekben, ihletet merítve a nem európai kultúrák hagyományaiból: Ázsia , India , Közel-Kelet . Az art-a-porter stílus általános volt az Egyesült Államok nyugati partjain (főleg San Franciscóban ), az Egyesült Királyságban, Ausztráliában és Új-Zélandon.
Az 1960-as években és a hetvenes évek elején kezdtek megjelenni a divatpiacon az "önéletrajzi tartalmú" ruhák. Az 1970-es évek viharos évtizednek mondhatók, amelyben a durva, retró és etnikai motívumokat, a késői ellenkulturális hippi stílus maradványait a fogyasztó asszimilálta, ami a hetvenes évek második felében a stílusok eldurvulásával tetőzött. A hordható művészet fogalma manapság kezd visszataszítóan giccses konnotációkat nyerni, és fokozatosan elveszti jelentőségét. [egy]
Darla Theagarden amerikai művész papír cupcake-bélésekből készített ruhát, benne szemek fényképével. Az alkotás neve sejthető - Lovers Eye Archivált 2015. szeptember 20-án a Wayback Machine -nél . Az amerikai Eloise Corr Danch papírból készített egy csodálatos ruhát a 16. századi spanyol divat stílusában. Jolis Paons pedig piacra dobott egy tuti szoknyás koktélruhát, ami rengeteg mobiltelefonos utasításból készült [2] .
2015-ben a holland tervezők, Viktor Horsting és Rolf Snoeren [3] bemutatták a "Wearable Art" kollekciót a párizsi Haute Couture kiállításon. Kezdetben festői, drága bagettben díszített reprodukciók díszítették a női modellek jelmezeit, de két divattervező színpadra lépésével azonnal megváltozott a rendeltetésük. Viktor és Rolf rögtön a bemutató alatt eltávolította a „képeket” a divatmodellekről, és a színpad dekoratív díszítésének részévé alakította őket. Ily módon a divatmodellek könnyen mozgó műalkotásokká változtak, a ruhák túlméretezett sziluettjei szögletes részleteivel szürreális építészeti fantáziákra emlékeztettek.
Új-Zélandon 1987-ben alapítottak egy éves versenyt New Zealand Wearable Art Awards néven. 2001-ben az eseményt World of Wearable Art-nak, vagy WoW-nak [4] keresztelték át . A verseny tematikus, látványos kifutós show-k sorozata, rendkívül eredeti jelmezek és kiegészítők bemutatásával, amelyeket egy közös koncepció egyesít, koreográfiával párosul hanggal , fényekkel és speciális effektusokkal . Az eseményen hazai és külföldi művészek, tervezők vesznek részt.
1993 óta létezik egy új csendes-óceáni rész, később „Óceánia” néven, amelyben van egy „viselhető művészet” kategória. Az utcai divatbemutató egy nyilvános fesztivál része, amelyet azért hoztak létre, hogy kifejezzék a lakosság radikalizálódott részének politikai nézeteit a csendes-óceáni térség helyzetéről. Egy önálló eseménnyé fejlődött, a Style Pasifika [5] néven , amely kevésbé összpontosított a viselhető művészetre, mint a csendes-óceáni kreatív divatstílusokra és body artra .
1998-ban az ausztráliai Broome városa évente megrendezett szórakoztató rendezvénynek, amelyen különféle anyagokból készült művészeti alkotásokat mutattak be.
2002-ben a British Columbia állambeli Port Moody Art Center Society megtartotta első éves Wearable Art Awards díját, és ugyanebben az évben a tasmániai Sandy Bay-ben (Ausztráliában) átadták első éves „Fashion Fantázia” (Fashion Fantasia) díját, amely kihirdette a test vászonként a legszokatlanabb és legeredetibb ruhákhoz. [6]
Egyes művészeti szakértők úgy vélik, hogy a divat nem művészet. Minden provokatívság mögött, amellyel ruhákat készítenek és divatbemutatókat rendeznek, ott van a profitszomj és a provokáció vágya . Vizuális hivatkozásai miatt a divatot a vizuális művészetek , a fényképezés és a film befolyásolja . Az általa minden évben elkészített számos kollekció mindegyikének alátámasztására olyan könyörtelenül használja ki ezeket a képeket, hogy témáik gyorsan elvesztik értelmüket. [7]
Általánosságban elmondható, hogy a szóban forgó „viselhető művészet” kifejezés pejoratív asszociációkat kelt, és maga a fogalom kiment a divatból. Populistának tartják, és gyakran a helyi művészeti eseményekhez és promóciókhoz kapcsolják. Sok kisvállalkozás azonban még mindig árul ilyen, személyre szabott, művészetnek látszó ruhákat és ékszereket az interneten keresztül. [6]